Columna de Celina Murga (Clarín)

Le pedí a Celina Murga una columna sobre su trabajo con Scorsese y sobre su película. También, como era esperable, hubo que resumirla bastante en las páginas del diario (online salió mal, cortada, habrá que comprar el diario para leer esa versión, je!). Como "lo prometido es deuda" (eso dicen por ahí), acá va la versión íntegra del texto enviado por la directora de "Una semana solos".

Impresiones sobre un rodaje y reflexiones previas a un estreno

La historia de Shutter Island es la de un hombre que enfrenta sus miedos. El guión me hizo recordar a El proceso, de Welles. Cuando se lo dije a Scorsese me dijo que era una de las referencias sobre las que trabajaron: largos pasillos, túneles, techos bajos y claustrofóbicos. Todo el medioambiente que generaba la puesta en escena es monstruoso para el personaje. Con Scorsese hablamos sobre filmar sueños, pesadillas, alucinaciones. Su idea fue filmarlos de la manera más directa posible, como si fueran reales. Me dijo que él cree que para el que tiene los sueños, pesadillas o alucinaciones estos son reales, y que esto de alguna manera los hace más terroríficos. Esto me hizo pensar que muchas de sus películas tienden a hacer esto, a crear realidades deformadas, que generan la sensación de mundos pesadillescos. Muchos de sus personajes viven la realidad como un pesadilla: Taxi Driver, Después de hora…

Parte del rodaje fue en un estudio enorme. Era un lugar desorientador. Por donde se mirara se estaba construyendo algún decorado nuevo. Entraba al set a la mañana temprano. Al salir, me encontraba con un enorme pasillo que me recordaba a las imágenes de los campos de concentración. La sensación era shockeante. A la mañana temprano no había nada y de golpe aparecía ese frío, gigante y terrorífico pasillo. También fue muy interesante poder seguir su pensamiento creativo. Su concepción del lenguaje cinematográfico es total. Entiende absolutamente la importancia de la interrelación de todos los elementos de la puesta en escena. Lo que es más sorprendente para mí, quizás por tener formas diferentes de concebir el lenguaje cinematográfico, es como piensa la relación entre la actuación y el montaje.

La actuación de un actor dentro de un plano es pensada en relación al plano que le precede y al que le sucede. En cada retoma pide a sus actores un registro, un tono diferente. Sabe que necesita matices distintos para que, en la sala de edición, puedan tener opciones y así evaluar cual es el plano que mejor funciona en relación a la escena anterior y la que sigue. Esa es tal vez la mayor diferencia entre su estilo y el mío. En Una semana solos, por ejemplo, yo tenía la sensación de que debía estar atenta para captar ese momento de verdad única que podían darme los chicos que protagonizan la película, que esos momentos eran irrepetibles. En el set de Scorsese, en cambio, parecería que cada momento podría reproducirse infinitas veces.

Yo puedo admirar esa lucidez y visión para construir ficciones puras. Sin embargo, no fue así como pensé Una semana solos. Por ejemplo, para mí era muy importante filmar en escenarios naturales. El country, como espacio de las acciones de mis personajes, funcionaba de una manera muy especial. Por un lado, tiene una apariencia de decorado artificial. Sin embargo, se trata de un lugar real, donde la historia que yo cuento podría estar sucediendo fuera de la ficción. Tal vez sea eso lo que ha permitido una lectura social o política de la película. Creo que Una semana solos da un testimonio sobre una realidad conflictiva, sobre un estado de las cosas en nuestro país. El country es para mì un lugar que manifiesta nuestra incapacidad de diálogo, el miedo a los otros, la terrible exclusión social, la paulatina pérdida del espacio público como espacio de construcción de una comunidad. Pero también quise mostrar que hay una posibilidad de revertir todo esto desde el vínculo humano directo. Eso se puede ver sobre todo a partir del personaje de Sofía, que es quien intenta comunicarse, escuchar al otro, entender qué está pasando.