Alain Resnais y los hermanos Dardenne empiezan a rodar (Cineuropa)

Among the six feature film screenplays selected at the start of July by the second advance on receipts committee of the National Film and Moving Image Centre (CNC) is Alain Resnais’s Vous N’avez Encore Rien Vu (“You Haven’t Seen Anything Yet”).

Co-scripted by the director (in competition at Cannes last year with Wild Grass [trailer]) and Laurent Herbiet, the film is adapted from Jean Anouilh’s stage play Eurydice in which violinist Orphée and touring actress Eurydice leave everything behind to fulfil their love. But jealousy takes hold of Orphée. The film will be produced by Jean-Louis Livi for F Comme Film.

The pledge of an advance on receipts was also made to Jean-Pierre and Luc Dardenne’s Délivrez-moi (“Set Me Free”, see news), co-produced by Belgium (Les Films du Fleuve, 46%), France (Archipel 35, 44%) and Italy (Lucky Red, 10%).

Starring Cécile De France and Jérémie Renier, the film will start shooting in August. It also has backing on the Belgian side from the Film and Audiovisual Centre, Wallimage, RTBF, the Tax Shelter and Cinéart for distribution. International sales are being managed by Wild Bunch.

The CNC will also support Gaël Morel’s S’enfuir Avec Toi (“Run Away With You”), which is scheduled to shoot in September. The film centres on Vassili, an ageing male prostitute with criminal urges, who finds an unconscious young man in a wood one evening and takes him home.

Unable to remember anything when he wakes up, the young man – renamed Angelo – settles in at Vassili’s home and soon becomes his accomplice. After receiving some worrying signals, the couple run away to Belgium, then Luxembourg. But Angelo’s memories start to resurface…

This new feature by the director of After Him [trailer] (Directors’ Fortnight 2007) will be produced by Paolo Branco for Alfama Films.

The advance on receipts committee also selected A Moi Seule (“For Me Alone”) by Frédéric Videau (Variété Française, unveiled in Critics’ Week at the Venice Film Festival 2003), in which a young girl who has been imprisoned for eight years regains her freedom and has to face up to her new life. Produced by Les Films Hatari, the feature is expected to star Agathe Bonitzer, Hélène Fillières and Xavier Beauvois.

Finally, two advances on receipts were granted to Richard Copans’s Un Amour (“A Love”, Les Films d'Ici) and Lam Mê’s documentary project Immigrés de Force (“Forced Immigrants”, ADR Productions).

Fabien Lemercier

20 Best Unreleased Films of 2009 (Film Comment)

1. Wild Grass Alain Resnais, France/Italy
2. A Prophet Jacques Audiard, France/Italy
3. Everyone Else Maren Ade, Germany
4. White Material Claire Denis, France
5. Eccentricities of a Blond Hair Girl Manoel de Oliveira, Portugal/Spain/France
6. Around a Small Mountain Jacques Rivette, France/Italy
7. To Die Like a Man João Pedro Rodrigues, France/Portugal
8. Vincere Marco Bellocchio, Italy/France
9. Ne Change Rien Pedro Costa, Portugal
10. Trash Humpers Harmony Korine, U.S./U.K.
11. Bluebeard Catherine Breillat, France
12. Mother Bong Joon-ho, South Korea
13. Like You Know It All Hong Sang-soo, South Korea
14. City of Life and Death Lu Chuan, China/Hong Kong
15. Ghost Town Zhao Dayong, China
16. Life During Wartime Todd Solondz, U.S.
17. Sweetgrass Ilisa Barbash & Lucien Castaing-Taylor, France/U.K./U.S.
18. In Comparison Harun Farocki, Austria/Germany
19. Min Ye Souleymane Cissé, Mali/France
20. Guy and Madeline on a Park Bench Damien Chazelle, U.S.

Adelanto de algunos estrenos 2010 de la distribuidora Alfa

"Les herbes folles", de Alain Resnais

· BAARIA encabeza las nominaciones a los Premios Golden Globe para Mejor Película Extranjera.

Los premios que generalmente anteceden a los Oscar ya tuvieron en cuenta la nueva película del maestro Giusepe Tornatore. La epopeya autobiográfica que el director de CINEMA PARADISO realizó sobre la historia de tres generaciones del pueblo siciliano de Bagheria (BAARIA en su argot italiano) a través de personajes como Cicco y Peppino, recorre con una mirada popular y romántica uno de los períodos más convulsionados de la historia europea.

· FINAL DE PARTIDA (Okuribito), de Yojiro Takita.

La película ganadora del Oscar como Mejor Película Extranjera en 2009 que ya recibió otros 30 premios internacionales, se estrena en Argentina durante el mes de enero. El film sigue los pasos de Daigo Kobayashi, un joven violoncelista cuya orquesta acaba de quebrar. Cuando Daigo responde al anuncio de empleo titulado Partidas cree en un principio que se trata de una agencia de viajes, pero para su asombro, se está adentrando en el viejo arte del Nokanshi y trabajará como intermediario entre la vida y la muerte, encargándose de preparar los cuerpos de los fallecidos antes del entierro para su partida a la nueva vida.

· SOUL KITCHEN, de Fatih Akin.

Ganadora Premio Especial del Jurado, Festival de Venecia. Esta nueva comedia del joven y simpático director turco-alemán, se sitúa nuevamente en su ciudad natal, Hamburgo, donde el chef griego Zinos perturba la paz de sus clientes locales contratando un cocinero más talentoso…

· EVERLASTING MOMENTS (Maria Larssons eviga ögonblick), de Jan Troell.

Nominada como Mejor Película Extranjera en los Spirits Awards, y otros 10 premios internacionales. El relato dá cuenta de cómo Maria Larsson, una joven de clase baja que vive a principios del siglo XX, gana cierto día una cámara en la lotería. Desde ese momento ganará también otra forma de ver la vida y salir adelante.

· LES HERBES FOLLES, de Alain Resnais.

Ganadora del Premio Especial del Festival de Cannes. Marguerite y Georges, dos personajes creados por el maestro del cine francés más apreciado. Una oficina de objetos perdidos abre las puertas de esta aventura romántica. Mientras ellos navegan los protocolos sociales del dar y recibir las gracias, la turbulencia entra en sus vidas cotidianas de una manera nueva…

· REVANCHE, escrita y dirigida por Götz Spielmann.

Ganadora como Mejor película Extranjera -National Film Boards- y otros 9 premios internacionales. Alex sueña con el comienzo de una nueva vida junto a la prostituta ucraniana Tamara. Para hacerlo, pretende robar un banco. Pero durante la fuga, un tiro involuntario del policía presente, Robert cambia los planes y los sentimientos de venganza comienzan a surgir inevitablemente.

· JERICHOW, de Christian Petzold.

Nominada a los Premios German Film Awards, como Mejor Película y Mejor Director. La sexta cinta de este director alemán sitúa la historia de Thomas en el poblado del título, al Este de Alemania. Un contexto de inmigrantes y desempleo cuenta una historia de amor desdramatizada, un thriller con uno de los finales más sorpresivos y bien logrados del cine alemán actual.

También se estrenan:

28 de enero: ASTRO BOY de David Bowers.

Febrero sin fecha:

DIAS DE IRA (Law abiding citizen) de F. Gary Gray

Marzo sin fecha:

LA CAJA MORTAL (The box) de Richard Kelly

Sin fecha confirmada y en formato DVD:

MONGOL de Sergei Bodrov

Top Ten 2009 para Cahiers du Cinéma

1. Les Herbes folles , Alain Resnais

2. Vincere , Marco Bellochio

3. Inglourious Basterds , Quentin Tarantino

4. Gran Torino , Clint Eastwood

5. Singularités d’une jeune fille blonde , Manoel de Oliveira

6. Tetro , de Francis Ford Coppola

7. Démineurs , Kathryn Bigelow

8. Le Roi de l’évasion , Alain Guiraudie

9. Tokyo Sonata , Kiyoshi Kurosawa

10. Hadewijch , Bruno Dumont

New York Film Festival 2009: Director Alain Resnais, 87 Years Young (Village Voice)

Buena vida la de Scott Foundas. En Toronto me contaba que venía de estar en Sudáfrica en el rodaje de INVICTUS, de Clint Eastwood, y que habìa estado en París entrevistando en persona a Alain Resnais. Tal como lo prometió, al comenzar el Festival, la entrevista suya sale publicada en Village Voice... Y tal como le avisé, aquí la subo.

By Scott Foundas

In that half-century, Resnais has done much to implode, reshape, and expand our sense of cinematic possibilities, from his collaborations with nouveau roman architects Marguerite Duras (Hiroshima) and Alain Robbe-Grillet (Last Year at Marienbad) to his proto–Charlie Kaufman time-travel opus Je t'aime, je t'aime to his unrealized project with Marvel Comics impresario Stan Lee—decades before comics became all the Hollywood rage. Perpetually avant-garde and avant la lettre, a forerunner of the French New Wave but never officially part of it, at 87, Resnais still seems driven by a restless, childlike curiosity. In hindsight, Resnais's 1956 short film Toute la mémoire du monde, a portrait of the French national library and its encyclopedic holdings, seems less documentary than autobiography.

"They say that a director always makes the same film," says Resnais when I meet him on a damp Paris morning earlier this month, his beige overcoat turned up at the collar, his gleaming sneakers nearly the same shade of white as his impeccably coiffed hair. "I try to make, as François Truffaut said, the next film in opposition to the one that came before. I'm not sure if I succeed. To put it another way, I agree with the auteur theory, but I don't consider myself an auteur. I'm more of an artisan, a craftsman." Such self-effacement is trademark with Resnais, who has always eschewed the "a film by" credit and has never taken a formal screenplay credit, either, though he is said to collaborate closely with his screenwriters (in the case of Wild Grass, Alex Reval and Laurent Herbiet).

Breaking a career-long policy of never adapting a novel, Resnais based Wild Grass on a book by French author Christian Gailly, whose writing, he says, "had a theatrical tone and dialogue that I liked very much, that seemed very close to a project I had in my head. Gailly has written 13 novels. I asked him for permission to adapt one of his books, but said I wanted to read all 13 before choosing. And he said, 'Choose the one you want, and we'll meet again. Good luck.' "

Resnais ultimately settled on The Incident, which follows the blossoming, albeit largely one-sided amour fou between Georges (played in Wild Grass by Resnais regular André Dussollier) and Marguerite Muir, a dentist who moonlights as an aviatrix (played by Sabine Azéma, another regular and also Resnais's wife). The theft of Marguerite's purse, seen flying through the air in the early moments of the film, is the inciting event of Gailly's title. When Georges subsequently recovers her wallet in a parking garage, the seemingly happily married husband and father begins fantasizing about this strange dentist/pilot with a mountain of frizzy red curls—a lust that goes on to express itself in a series of strangely comic and even violent ways. Is Georges mad or merely madly in love? Is Marguerite terrified of him, turned on, or both? As in so much of Resnais's work, multiple interpretations and the absence of a concrete reality are standard.

For the film's title, Resnais chose Wild Grass because "I have the impression that these are two people who have no reason to meet, no reason to love each other. In French, 'les herbes folles' means a plant that grows in a place where it has no hope of developing—in a crack in a wall, or a ceiling. I wanted to say that I consider these two characters to be completely deprived of reason." Then he adds, in English: "But aren't we all? When you read the history of France or America or England, it's a litany of mistakes: The king should not have done this; the people should not have done that. Why should a character be any different?"

Arguably Resnais's trippiest, most freely associative experiment since 1968's Je t'aime, je t'aime (a critical and commercial failure in its day), Wild Grass zig-zags zanily from one genre to the next: Sometimes, it's a screwball comedy (complete with a couple of Keystone-worthy cops played by Mathieu Amalric and Michel Vuillermoz); sometimes, it's a thriller; sometimes, it's an old-fashioned movie romance. All the while, the camera of cinematographer Eric Gautier swoops and glides like Marguerite's plane, through fields of gauzy, diffuse light punctuated by neon accents. "We decided that the light should be emotional rather than realistic," says Resnais, citing a source of inspiration in one of his beloved comic-strip illustrators, Terry and the Pirates creator Milton Caniff. "At a time when comic strips were very disparaged as an art form, I was very happy to learn that Orson Welles and Milton Caniff had a correspondence in which they said that each was influenced by the other. And Orson Welles was not an imbecile!"

Though he rarely gives interviews, in person, Resnais cuts a magnanimous figure, generous with his time and considerate in his responses. He is happy to engage on almost any subject, from the strict Catholic schools he attended as a child in Brittany (where "cinema wasn't considered an art—it was a distraction") to his early inclination that "there was something important in cinema, which was the manipulation of time through editing." It is an idea that Resnais, who had been teaching himself filmmaking since receiving an 8mm camera at the age of 12, was able to explore further when he moved to Nazi-occupied Paris and enrolled in one of the first classes of the French national film school.

The persistence of time would surface in much of Resnais's work of the subsequent five decades, in the astonishing now-and-then Auschwitz juxtapositions of his 1955 short Night and Fog (the first major film about the Holocaust and still one of the most affecting), in the non-linear loop-de-loops of Je t'aime, je t'aime, and in the compression of simultaneously occurring events of Muriel ou Le temps d'un retour. The conditional nature of memory, both personal and historical, has been another career-spanning preoccupation, though Resnais himself bristles a bit at the "memory" label. "I prefer to say 'the imaginary,' " he says. "All our lives, we live with the memory of a sad experience, or a pleasant one, and, thanks to those memories, we try to avoid other sad experiences and try to repeat pleasant ones. But we don't remember things exactly as they happened, thanks to the chemical processes of the brain. A memory that's too short doesn't suffice; with the imaginary, one can retain everything."

If one were to summarize Resnais's incredibly diverse filmography in a single statement, it might be an inversion of the architectural maxim that form should follow function. For Resnais, form is paramount: "I always have the idea that, if there's a precise form, you will get the emotion of the spectator—the emotion and the interest," he says, and it's this concern that underlies his most seemingly disparate work, from the visceral "pure cinema" of his early films to the deliberate artifice of his more recent play adaptations. It has also led some to accuse him of being overly cerebral and distant, including Pauline Kael's charge (in a review of 1977's Providence) that "most of the giants of film haven't been able to find the form for everything they've got in their heads; Resnais seems to have nothing but form in his."

But while Resnais's films can seem cool to the touch, those implacable surfaces more often than not belie churning currents of complex human emotion, from the shell-shocked survivors of Hiroshima mon amour to the hopeless romantics of Wild Grass. "It's really a matter of life imitating art instead of the opposite—the way we often feel the emotions of everyday life as if they had already registered on the screen," he says. "When everyday life resembles cinema, it interests me more than when I see a documentary film. If you make a film very close to reality, you don't have to give it a form. I feel that when there is a form, I come closer in fact to the reality of life."

Wild Grass plays at the New York Film Festival opening night, September 25."After the cinema, nothing surprises you. Everything is possible." So says the lovesick obsessive Georges Palet in a scene from Wild Grass, the 18th feature film directed by Alain Resnais, which arrives exactly 50 years after his debut, Hiroshima mon amour, which was praised by Eric Rohmer as "the first modern film of sound cinema."

"Wild Grass", de Alain Resnais (The Auteurs)

By Daniel Kasman

Some may remember the 2009 Cannes Film Festival for the ephemeral brouhaha of Antichrist, but time will be most understanding of all to Wild Grass, the new masterpiece by Alain Resnais. It has breathed life not just into the festival but into cinema itself, a true, effervescent delight as sad, hilarious, and wonderful as can be imagined, which is exactly the point. It is the ultimate Resnais film, an entire story, an entire cast of characters, and entire candy-colored film world all pitched as speculation. Maybe. If. Perhaps. It could be. Why not?

Above all a dance, a dream of sadness and a wish for fantasy, a pickpocketed wallet draws a forlorn married man (André Dussollier) to a lonely unmarried woman (Sabine Azéma), the possibilities of romance flitting between the chance that chance has put two strangers in strange contact with one another. It is the most melancholy Hitchcock film, the funniest movie he never made, a thriller cum romance cum elegy with the bravura whip-pans, crane shots, and crash zooms of a De Palma film, told (with a wink) with the humor of 1930s and the insight of an 86 year old master. It is a menagerie of all past Resnais dove-tailing through the branching possibilities of fiction, imagination and possibility opening the void before us, and filling it with equal parts horror and delight.

Our hero is a killer (perhaps), a philanderer (could be), a happily married man (why not?), a fiction maker (definitely); in short, like the rest of us, he is a what if kind of guy. Dussollier, in an extraordinary performance that suggests a maniac as much as it does a lonely romantic, stalks Azéma through letters and messages, forcing on her a fantasy if not of his mind, than of the film's. Narrated by an anonymous man with access to everyone's thoughts and an eventual part to play in this film fogged over with a haze that blurs the boundaries between the darkness and the light, tragedy and comedy, Wild Grass roves and grows from flight. Flight not just of our wallet woman's Sundays spent at the aerodrome, but flights of fancy above all else, swathing the world an artificial neon-tinged miasma that must be a dream, one that feels like silks running through your fingers and looks like dissolved satin. This look—also to be found in the jukebox insides of Private Fears in Public Places—equates all things, this auteurs' instrumental explorations of time and memory taken the Nth degree, where anything can happen in a mad, sad, deliciously malleable world vacated by our old, stolid understandings of time's passage, of events’ linearity, our consciousness' limits, and the separation of fiction and life.

It could be the most generous film ever made, since anything is possible, and that possibility is as joyous in its romantic whimsy as it is a mournful in the complete uncertainty of every moment and sensation. And to embrace these sides of life's equation—and in equal parts!—one simply stands in awe not of Resnais' understanding but of his realization.

"Wild Grass", de Alain Resnais (Promedio: 7,55) Desciende..

Competencia oficial

Alvaro Arroba (Crítica, Argentina) - 10 (...y quería ponerle 11, aclaro)
Pamela Bienzobas (Mabuse, Chile) - 7
Christoph Hüber (Die Presse, Austria) - 10
Rudiger Suchsland (Frankfurter Allgemeine, Germany) - 4
Diego Batlle (La Nación, Otroscines, Argentina) - 7
Luciano Monteagudo (Página/12, Argentina) - 7
Violeta Kovacsics (Lumiere, España) - 10
Manu Yáñez (Fotogramas, España) - 7
Ernesto Garratt (El Mercurio, Chile) - 6

Promedio: 7,55

"Wild Grass", de Alain Resnais (Variety)

By Jordan Mintzer

A StudioCanal (in France) release of an F Comme Film, StudioCanal, France 2 Cinema (France)/Bim Distribuzione (Italy) production, in association with Cinemage 3, with participation of Canal Plus, TPS Star, Eurimages, CNC. (International sales: Orly Films, Paris.) Produced by Jean-Louis Livi. Executive producer, Julie Salvador.
Directed by Alain Resnais. Screenplay, Alex Reval, Laurent Herbiert, based on the novel "L'Incident" by Christian Gailly.

With: Sabine Azema, Andre Dussollier, Anne Consigny, Emmanuelle Devos, Mathieu Amalric, Michel Vuillermoz, Edouard Baer, Annie Cordy, Sara Forestier, Nicolas Duvauchelle, Vladimir Consigny.

At the ripe age of 87, and exactly half a century since dropping a cinematic atom bomb with "Hiroshima mon amour," Alain Resnais continues his career-long experiment in filmmaking with the playfully flamboyant melodrama "Wild Grass." More freewheeling than 2006's "Private Fears in Public Places," but with a similar networking structure that connects the destinies of several melancholy adults into one intriguing web, the pic is marked by superb performances and a dazzling technical display by the helmer and praiseworthy cinematographer Eric Gautier. "Grass" should spread abundantly among the auteur's enthusiasts, but probably won't grow far outside the arthouse lawn.

Like "Private Fears" and several other recent features by Resnais, the film is an adaptation of an existing work that the director (this time aided by relatively inexperienced scribes Alex Reval and Laurent Herbiert) transforms into his own, often elusive, but rarely misguided dramatic vision.

Based on French writer Christian Gailly's 1996 novel "L'incident" -- which recounts how a stolen wallet results in an unlikely and unrequited love affair -- the story starts with the event itself and then quickly spirals out of control, taking its characters through hilarious scenarios and digressions while always maintaining a dark undertone.

The two opening scenes, which trail protags Marguerite (Resnais regular Sabine Azema) and Georges (Andre Dussollier, impeccable) with lush tracking shots reminiscent of the helmer's work from the '50s and '60s, show Georges scooping up Marguerite's wallet in a suburban parking garage. Revealing their faces only at the end of each sequence, yet providing ample voiceover from both of them, the helmer portrays the characters doing one thing while imagining the amusing opposite -- a technique he repeats throughout the movie.

As it turns out, Georges is a happily married family man with a lovely wife, Suzanne, (Anne Consigny) and two charming kids (Sara Forestier, Vladimir Consigny), while Marguerite is a single dentist who flies airplanes as a hobby. Immediately drawn to a photo of Marguerite in the wallet -- and the fact that she's a pilot -- Georges nevertheless can't decide whether to make contact at first, but eventually chases her down in harassing fashion.

For the first hour, the narrative dances around the couple's numerous miscommunications, and Resnais keeps things interesting and surprising by delving into techniques that hail back to classic studio filmmaking. Employing several impressive pans, push-ins, and crane shots, the camera of d.p. Gautier ("A Christmas Tale," "Into the Wild," and Resnais' "Private Fears") is forever roving, but manages to hit the perfect closeup when one of the actors delivers a pivotal line.

The images are matched by Hollywood composer Mark Snow ("The X Files: I Want to Believe"), whose playfully retro soundtrack runs the gamut of themes from jazzy Lalo Schiffrin-esque rhythms to pounding thriller beats from the '80s. Another form of music comes from the voiceovers themselves, whose succinct, lyrical flow mimics author Bailly's simple but abstract writing style.

When Georges' come-ons begin to feel dangerous, Marguerite contacts a pair of Keystone-style cops (Mathieu Amalric, Michel Vuillermoz), who show up at Georges' for a hysterically offbeat interrogation scene. But nothing, not even Suzanne's half-concerned questions, can stop this bizarre yet passionate romance from happening, and Resnais carries things toward a sadly inevitable conclusion that's pulled off with supreme skill, as well as some of his trademark dissonance.

Always a strong and demanding director, the helmer gets marvelous performances from all the cast members, with Dussollier's representing one of the better ones of his long career. As usual, Azema is completely on point in portraying someone who's all over the place -- a sentiment illustrated by her hairstyle, which looks like it was concocted with the help of a humidifier. Less forceful in its depiction of doomed extramarital affairs than his masterly "Mon oncle d'Amerique," yet sharper in wit and comic virtuosity, "Wild Grass" shows that although Resnais has grown more light-hearted in old age, he hasn't lost his desire to challenge the viewer on all levels.

More than one option

• (Co) Canal Plus
  Filmography, Year, Role
• (Co) StudioCanal

Camera (color, Panavision widescreen), Eric Gautier; editor, Herve de Luze; music, Mark Snow; production designer, Jacques Saulnier; costume designer, Jackie Budin; sound (Dolby Digital/DTS), Jean-Marie Blondel, Gerard Hardy, Gerard Lamps; visual effects; Frederic Moreau; assistant director, Christophe Jeauffroy. Reviewed at Cannes Film Festival (competing), May 19, 2009. Running time: 113 MIN.

Ciclo Alain Resnais en la Sala Lugones

El Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina, con el auspicio y la colaboración de la Embajada de Francia, han organizado un ciclo denominado Alain Resnais, de Guernica a Corazones, que se llevará a cabo del martes 3 al miércoles 18 de marzo en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530).

El ciclo está integrado por nueve largometrajes y cinco cortos. Se exhibirán copias nuevas en 35mm., restauradas especialmente para este ciclo y llegadas desde París a través del Ministère des Affaires étrangères de Francia.

57 años separan Corazones de Guernica. 57 años de una obra totalmente coherente que, no obstante, nunca ha dejado de experimentar, abrir nuevos caminos, mezclar el placer del espectáculo y una reflexión sutil sobre la memoria, la historia, el papel de las imágenes. Alain Resnais ha marcado con su huella profunda el cine moderno, tanto por su implicación en la Historia de su tiempo como por la invención de una nueva escritura cinematográfica, compuesta en particular por continuidades engañosas y una ambigüedad constante entre realidad y artificio. Directores de cine muy diferentes como Arnaud Desplechin y Pascale Ferran en Francia, o Wong Kar–Wai en China son algunos ejemplos actuales de la influencia de Resnais.

“Este hombre ha dado a luz tres films geniales, tres testigos irrecusables de nuestra modernidad, tres manuscritos redactados en versión original, en lo que Blanchot llama la ‘escritura del desastre’: Noche y niebla (1956), Hiroshima mon amour (1958) y Muriel (1963). A la vuelta de los años ’60, Resnais fue algo más que un buen cineasta: fue un sismógrafo. Le ocurrió eso terrible de captar el acontecimiento fundador de la modernidad: que en el cine, como en otras partes, había que contar con un personaje de más, la especie humana. Pero ese personaje acababa de ser negado (los campos de concentración), desminuido (la tortura), y el cine tradicional era incapaz de ‘traducir’ eso. Había que encontrar una forma. Fue Resnais el que lo hizo”

Serge Daney (1983)

La agenda completa es la siguiente:

Martes 3: Guernica

(Francia; 1950)

Dirección: Alain Resnais y Robert Hessens.

Voces: María Casarès y Jacques Pruvost.

El 26 de abril de 1937, Guernica pequeña ciudad vasca española, fue bombardeada dejando como resultado dos mil muertos, todos civiles. Alain Resnais, se inspira en el poema que Paul Éluard compuso en homenaje a la ciudad mártir, asociándolo a los cuadros pintados por Pablo Picasso. Resnais compone una elegía cinematográfica que narra la vulnerabilidad del hombre y su terrible ferocidad. Sin embargo, el pintor, el poeta y el cineasta rechazan la desesperanza para arrancar a las palabras, a las imágenes y al arte una dignidad invicta: “Guernica, la inocencia prevalecerá sobre el crimen”.

(13’, 35mm.)

Las estatuas también mueren

(Les statues meurent aussi; Francia; 1953)

Dirección: Alain Resnais y Chris Marker.

Voz: Jean Négroni.

“La revista Présence Africaine nos pidió que realizáramos una película sobre el arte negro. Para comenzar, Chris Marker y yo nos hicimos la siguiente pregunta: ¿Por qué el arte negro se encuentra en el Museo del Hombre y el arte griego o egipcio en el Museo del Louvre?”. Aceptando el pedido de la revista, Resnais y Marker celebran la belleza y el misterio de los objetos africanos. Denuncian con virulencia los mecanismos de aculturación impuestos por la colonización al continente africano y defienden la idea de una continuidad y de una íntima fraternidad entre la civilización africana y la europea.

(30’, 35 mm.)

Toda la memoria del mundo

(Toute la mémoire du monde; Francia; 1956)

Dirección: Alain Resnais.

Texto: Rémo Forlani.

Voz: Jacques Dumesnil.

“Como tienen la memoria corta, los hombres acumulan numerosos recordatorios”. En este cortometraje, Resnais propone una visita guiada a la Biblioteca Nacional de París y, de su cúpula a sus sótanos, de su sala de catálogos a su sala de lectura, nos revela los bastidores –vedados al público– de está institución del saber. La exploración de los sombríos laberintos de esta inmensa biblioteca es también una manera sutil de evocar los meandros más que sinuosos de la arquitectura mnemónica de los simples mortales que somos.

(21’, 35mm.)

El canto del estireno

(Le chant du styrène; Francia; 1958)

Dirección: Alain Resnais.

Guión: Raymond Queneau.

Voz: Pierre Dux.

¿Qué es el plástico? ¿De dónde viene? Alain Resnais, ayudado por un comentario en versos alejandrinos, presenta en detalle las etapas de elaboración de los objetos de plástico que forman parte de la vida cotidiana del hombre. Comenzando por el objeto terminado para llegar a la materia esencial, Resnais no se interroga solamente por la fabricación del plástico, sino sobre la creación plástica: ese poder de moldear la materia, de dar forma a la sustancia, esa potencia creadora que atraviesa el hombre y lo supera.

(19’, 35mm.)

Noche y niebla

(Nuit et brouillard; Francia; 1955)

Dirección: Alain Resnais.

Texto: Jean Cayrol.

Voz: Michel Bouquet.

En 1955, el comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial pide a Alain Resnais que realice una película para conmemorar el décimo aniversario de la liberación de los campos de concentración. El film se divide en dos partes: la puesta en marcha de la máquina hitleriana, por un lado, y los campos de la muerte, por el otro. Ante estás imágenes el sobrio comentario pone en guardia al espectador que intenta desviar la mirada sobre el riesgo de que su memoria se transforme en “agua fría y opaca”.

(32’, 35mm.)

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (Duración total: 115’)

Miércoles 4: Hiroshima mon amour

(Hiroshima mon amour; Francia; 1959)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Marguerite Duras.

Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.

Hiroshima mon amour es una obra cuyo tema y objeto son la historia. En un mundo donde la cultura y el tiempo histórico se han globalizado, Resnais propone enfrentar en un país extranjero, en este caso en Japón, dos traumas de la Segunda Guerra Mundial: la bomba atómica que arrasó Hiroshima y el castigo inflingido en Francia a las “colaboradoras” tras la Liberación. Estos dos recuerdos son compartidos por una francesa y un japonés, durante su breve relación amorosa en la ciudad que fue víctima de la primera catástrofe nuclear trece años atrás.

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (90’; 35mm.)

Jueves 5: Hace un año en Marienbad

(L’Année dernière à Marienbad; Francia, 1961)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Alain-Robbe Grillet.

Con Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff.

En un hotel barroco y fantástico sus clientes llevan, año a año, una existencia plagada de rituales y hastío. Ese lugar inmenso y suspendido en el tiempo parece una prisión que evoca la petrificación y la hipnosis. Un hombre, con acento italiano, recorre la laberíntica mansión observando a sus ocupantes y a una hermosa mujer, en especial, que pretende haber conocido el año anterior. Ella, no recuerda el encuentro o no desea recordarlo.

“De repente, él le ofrece lo imposible, lo que parece más imposible en ese laberinto donde el tiempo parece detenido: le ofrece un pasado, un futuro y la libertad. Le dice que se habían conocido hace un año, que se habían amado, que él vuelve ahora al lugar de la cita fijada por ella misma y que va a llevarla con él” (Alain Robbe–Grillet).

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (89’; 35mm.)

Viernes 6: Muriel (El tiempo de un retorno)

(Muriel, ou le temps d’un retour; Francia, 1963)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Jean Cayrol.

Con Delphine Seyrig, Jean–Pierre Kerien, Nita Klein.

En su tercer largometraje, Resnais exhibe una obra compleja. Por ejemplo, la Muriel del título no aparece en pantalla. No es sólo un amor inventado por uno de los personajes, sino también un fantasma nacido de una persona real, torturada y asesinada en Djbel, que atormenta la conciencia del joven tras regresar del servicio militar en Argelia. Muriel es un testimonio más de la importancia de los lugares en la obra de Resnais: Boulogne, la ciudad donde transcurre el film, es una ciudad herida por bombardeos aún recientes. Mitad en ruinas, mitad reconstruida con vestigios del pasado apenas visibles en el presente, ésta ciudad albergará a los protagonistas del film es sus propios intentos de reconstrucción.

A las 14.30, 17 y 19.30 horas (114’; 35mm.)

Sábado 7: Stavisky, el audaz estafador

(Stavisky..., Francia; 1974)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Jorge Semprún.

Con Jean-Paul Belmondo, Charles Boyer y Francois Périer.

Julio de 1933. León Trotsky y su esposa desembarcan en la ciudad de Cassis. El gobierno francés acaba de concederles asilo político. En Paris, Serge Alexandre, alias Stavisky se ocupa de sus múltiples negocios, mientras pide que averigüen sobre la pesquisa de la policía que está cayendo sobre él. Su asesor le advierte que ha dilapidado millones de su fortuna, pero Alexandre no lo ve como despilfarro sino como inversiones. El negocio salvador en el cual estaba fracasa y se desata un escándalo enorme. Tras refugiarse en un chalet en Chamonix, el cadáver de Alexandre es descubierto el 8 de enero de 1934 ¿Suicidio o asesinato? En el mismo momento, Trotsky se ve obligado a salir de su retiro de Barbizon y será expulsado del territorio francés.

“Stavisky nos anunciaba la muerte; no sólo la suya, no sólo la de los días de enero, sino la muerte de una época” (Resnais – Semprún)

A las 14.30 y 19.30 horas (115’; 35mm.).

Mi tío de América

(Mon oncle d’Amérique; Francia, 1980)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Jean Grualt sobre textos de Henri Laborit.

Con Gérard Depardieu, Nicole Garcia, Roger Pierre.

Tres destinos entrecruzados: el de un periodista, Director de información de una cadena de radio, el de un hijo de agricultor reciclado en la industria textil, y el de una hija de obreros atraída por el teatro y la moda. La película cuenta sucesivamente la infancia, la formación, la juventud y las primeras experiencias profesionales de estos personajes. Mientras que un cuarto protagonista, el profesor Henri Laborit, expone sus teorías sobre el comportamiento humano, ilustradas por planos de flora y fauna, experiencias de laboratorio y escenas en las que intervienen los tres protagonistas. El film va cobrando visos de melancolía a medida que se impone la evidencia: lo que mueve a los hombres es el sistema nervioso y su libre arbitrio es sólo ilusión.

A las 17.00 horas (125’; 35mm.)

Domingo 8: Mi tío de América

(Mon oncle d’Amérique; Francia, 1980)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Jean Grualt sobre textos de Henri Laborit.

Con Gérard Depardieu, Nicole Garcia, Roger Pierre.

A las 14.30 y 19.30 horas (125’, 35mm.).

Stavisky, el audaz estafador

(Stavisky..., Francia; 1974)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Jorge Semprún.

Con Jean-Paul Belmondo, Charles Boyer y Francois Périer.

A las 17 horas (115’; 35mm.)

Lunes 9: no hay función

Martes 10: Providence

(Providence; Francia / Suiza, 1976)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de David Mercer.

Con Dirk Bogarde, Ellen Burstyn, John Gielgud.

“Providence marca una perfecta continuidad con Hiroshima mon amour, Marienbad o Muriel. Alude por un lado al pasado y a la forma desordenada en que la memoria registra esos recuerdos. Por otro, sugiere lo inseguras que pueden ser las apariencias de esa realidad exterior, los peligros que esconde, lo escurridizos que resultan los momentos de felicidad o de sosiego” (Jorge Abbondanza en Cinemateca Revista, 1978).

Copia de archivo de la Fundación Cinemateca Argentina.

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (110’; 35mm.)

Miércoles 11: Mélo

(Mélo; Francia; 1986)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Resnais, sobre una pieza teatral de Henri Bernstein.

Con Sabine Ázema, Fanny Ardant, Pierre Arditi.

Mélo es el diminutivo en francés de melodrama, y eso es, básicamente, lo que se pone en escena: en el París de los años 20, un famoso violinista inicia un affaire con la esposa de un amigo. Sin embargo, la tragedia signará a estos amantes. Puesto que la historia no viene acompañada de ninguna ruptura temporal, Mélo fue considerado en su momento el film más convencional de Resnais, pero el crítico Jonathan Rosenbaum incluye esta película --nunca estrenada en Argentina-- como una de las cien mejores de toda la historia del cine.

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (112’; 35mm.)

Jueves 12: Conozco la canción

(On connaît la chanson; Francia/Reino Unido/Suiza, 1998)

Dirección: Alain Resnais.

Con Pierre Arditi, Sabine Ázema, Jean–Pierre Bacri, André Dussollier, Agnès Jaoui, Lambert Wilson, Jane Birkin.

Tal como informa el título de su película, cada una de las canciones que se escuchan a lo largo de las dos horas de On connaît la chanson son clásicos populares del repertorio francés de todas las épocas, pero nada más alejado de la intención de Resnais que una suerte de cabalgata o antología musical. Lo que hace en cambio es contar las múltiples historias de varios personajes vinculados entre sí, con sus pequeñas alegrías y dramas personales --todos, por supuesto, producto del amor--, pero con la salvedad de que cuando tienen que expresar sus emociones allí brota una canción. Una pequeña obra maestra.

A las 14.30, 18 y 21 horas (120’; 35mm.)

Viernes 13: Corazones

(Coeurs; Francia; 2006)

Dirección: Alain Resnais.

Con Pierre Arditi, Sabine Azéma e Isabelle Carré.

En Paris, en invierno, los destinos de seis personajes se cruzan en el barrio de la Gran Biblioteca. Resnais contempla los vaivenes de sus personajes con la mirada generosa de quien sabe que la agitación es vana, pero prefiere que la gente lo descubra por sí misma. Corazones se centra en heridas profundas, y aunque tiene la delicadeza de hacer creer que son sólo rasguños, muestra sin reservas su melancolía. Los personajes se cruzan sin tocarse. Los encuentros no tienen lugar y los malentendidos se acumulan.

A las 14.30, 17 y 19.30 horas (121’, 35mm.)

Sábado 14: Hiroshima mon amour

(Hiroshima mon amour; Francia; 1959)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Marguerite Duras.

Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.

A las 14.30 y 19.30 horas (90’; 35mm.).

Hace un año en Marienbad

(L’Année dernière à Marienbad; Francia, 1961)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Alain-Robbe Grillet.

Con Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff.

A las 17 horas (89’; 35mm.)

Domingo 15: Hace un año en Marienbad

(L’Année dernière à Marienbad; Francia, 1961)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Alain-Robbe Grillet.

Con Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff.

A las 14.30 y 19.30 horas (89’; 35mm.)

Hiroshima mon amour

(Hiroshima mon amour; Francia; 1959)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Marguerite Duras.

Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.

A las 17 horas. (90’; 35mm.)

Lunes 16: Guernica

(Francia; 1950)

Dirección: Alain Resnais y Robert Hessens.

Voces: María Casarès y Jacques Pruvost.

(13’, 35mm.)

Las estatuas también mueren

(Les statues meurent aussi; Francia; 1953)

Dirección: Alain Resnais y Chris Marker.

Voz: Jean Négroni.

(30’, 35mm.)

Toda la memoria del mundo

(Toute la mémoire du monde; Francia; 1956)

Dirección: Alain Resnais.

Voz: Jacques Dumesnil.

(21’, 35mm.)

El canto del estireno

(Le chant du styrène; Francia; 1958)

Dirección: Alain Resnais.

Guión: Raymond Queneau.

Voz: Pierre Dux.

(19’, 35mm.)

Noche y niebla

(Nuit et brouillard; Francia; 1955)

Dirección: Alain Resnais.

Voz: Michel Bouquet.

(32’, 35mm.)

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (Duración total: 115’)

Martes 17: Mélo

(Mélo; Francia; 1986)

Dirección: Alain Resnais.

Guión de Resnais, sobre una pieza teatral de Henri Bernstein.

Con Sabine Ázema, Fanny Ardant, Pierre Arditi.

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (112’; 35mm.)

Miércoles 18: Conozco la canción

(On connaît la chanson; Francia/Reino Unido/Suiza, 1998)

Dirección: Alain Resnais.

Con Pierre Arditi, Sabine Ázema, Jean–Pierre Bacri, André Dussollier, Agnès Jaoui, Lambert Wilson, Jane Birkin.

A las 14.30, 18 y 21 horas (120’; 35mm.)