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1.7.10
El genio de Carl: Retrospectiva Dreyer (en la FUC)
15.6.10
"Independencia" - Estreno en la Sala Leopoldo Lugones + Retrospectiva Integral Raya Martin
A partir del martes 22 de junio, el Complejo Teatral de Buenos Aires, la Asociación docBsAs y la Fundación Cinemateca Argentina albergarán, en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530), el estreno de Independencia, el notable largometraje del realizador filipino Raya Martin, que tuvo su lanzamiento internacional en la sección Un Certain Régard del Festival de Cannes.
Para darle marco a las únicas 19 funciones de Independencia, la Sala Lugones presentará una retrospectiva integral de la obra de este joven realizador, autor de una de las obras más originales, radicales y rigurosas del cine contemporáneo. Se verán films inéditos en Argentina, entre ellos el corto Nouvelle young, que tendrá su estreno mundial en esta muestra. Para acompañar el ciclo, vendrá especialmente a Buenos Aires Antoine Segovia, productor francés de Raya Martin y figura central en el movimiento del cine independiente internacional.
“Raya Martin es un cineasta que a los 24 años parece haber encontrado ya su propia voz y que, al mismo tiempo, no cesa de buscar nuevos caminos. En Independencia, por ejemplo, profundiza y perfecciona el concepto que ya había detrás de Una película corta acerca del Indio Nacional (2005), la primera parte de lo que Martin imagina será una trilogía sobre la resistencia a las tres potencias invasoras que se disputaron el territorio filipino: España, Estados Unidos y Japón.
Filmada en un parpadeante y maravilloso blanco y negro, que evoca al mejor cine mudo, Independencia transcurre en lo más profundo de la selva filipina, a comienzos del siglo XX. Allí se refugian una madre anciana y su hijo, sobrevivientes de una familia que –con la aparición de una mujer también en fuga– volverá a constituirse como un núcleo en la espesura de la jungla, lejos de la influencia del ejército invasor. Sin embargo, una terrible tormenta tropical traerá, como una oscura premonición, ecos de la marcha del ejército estadounidense...
En los antípodas del mero panfleto, el film de Raya Martin articula su discurso político a partir de un proyecto cinematográfico tan inteligente como bello y audaz. Ante la inexistencia de un cine que hubiera podido dar cuenta de la historia de su país, Martin se dedica a suplir esa carencia, a refundarlo desde sus inicios, a sentar las bases y los mitos de origen que él interpreta le faltan a su cultura. Sus modelos cinematográficos entonces son David Wark Griffith y Friedrich W. Murnau, pero a diferencia de lo que sucedía, por caso, en Huérfanas de la tempestad o Tabú, aquí las fuerzas desatadas de la naturaleza expresan no sólo el concepto romántico de la tragedia del alma sino, en todo caso, la noción moderna de tragedia política” (Luciano Monteagudo en Página/12).
Independencia
19 únicas funciones
Viernes 25 de junio y sábado 26 de junio
a las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas
Domingo 27 de junio a las 22 horas
Viernes 2 de julio a las 17 y 22 horas
Sábado 3 de julio y domingo 4 de julio
a las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas
INDEPENDENCIA - SINOPSIS
Filipinas, principios del siglo XX. La guerra empieza y se anuncia la llegada de las tropas americanas. Una madre y su hijo deciden huir a la montaña para poner a salvo sus vidas. Un día, en medio del bosque, el hijo descubre el cuerpo yacente de una mujer que ha sido violada, y decide llevarla a su casa. Los años pasan. El niño ya es un hombre y la mujer y su hijo viven aislados, alejados del caos que reina en el país. Pero una tormenta repentina da un vuelco a sus vidas mientras las tropas americanas se acercan.
FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Dirección: Raya Martin.
Guión: Raya Martin y Ramon Sarmiento.
Producción: Arleen Cuevas.
Productores delegados: Antoine Segovia, Christophe Gougeon.
Dirección de fotografía: Jeanne Lapoirie
Diseño de producción: Digo Ricio
Asistente de dirección: Armi Rae Cacanindin
Música: Lutgardo Labad
Sonido: Ronald de Asis y Arnel Labayo.
Montaje: Jay Halili
Compañías productoras: Arte France Cinema, Cinematografica (Filipinas),
Atopic (Francia), Razor Film (Roman Paul, Gerhard Meixner / Alemania),
Volya Films (Denis Vaslin / Holanda).
Intérpretes:
Sid Lucero ... Hijo
Alessandra de Rossi ... La extraña
Tetchie Agbayani ... Madre
Mika Aguilos ... Hijo
Duración: 77 minutos.
NOTA DEL DIRECTOR
En Filipinas, la historia del cine es paralela a la de la situación colonial. Los orígenes del cine filipino provienen de los amos españoles. Por otro lado, la estructura más influyente, que todavía resuena hoy en día, es la de Hollywood. Tanto Una película corta acerca del Indio Nacional como Independencia son películas sobre la historia de nuestro país y la historia del cine de nuestro país. Formalmente Independencia imita la estética de las películas realizadas en estudio durante la ocupación americana, mientras que la historia se centra en la resistencia durante ese mismo período. La idea era exponer el substrato de Hollywood y subvertirlo para redefinir nuestra lucha. El noticiero falso en medio de la película es un buen ejemplo: se basa en la historia verdadera de un americano y la muerte de un muchacho local. Este segmento es similar a los intervalos que teníamos en los cines en aquel entonces.
Este ciclo se realiza en el marco del 10° aniversario del docBsAs y cuenta con la colaboración de la Embajada de Francia. La agenda completa es la siguiente:
Martes 22 La isla en el fin del mundo
(No pongso do tedted no mondo: Ang isla sa dulo ng mundo; Filipinas, 2005)
Dirección: Raya Martin.
En este notable y atípico documental antropológico, Raya Martin viaja a la isla de Itbayat, en el extremo norte del archipiélago filipino, para registrar las costumbres de los habitantes y su vida alejada de la civilización moderna. Itbayat está abierta a los visitantes sólo durante el verano; las tormentas de la región aíslan por completo a los isleños el resto del año. La cámara les da la oportunidad de contar sus historias.
“Martin va a la biblioteca, a la radio, a una boda, a los campos de labranza, pero pasa la mayor parte del tiempo con los pescadores. Es un inspirado documental antropológico, como si fuera Nanook sin embellecimiento. Lo mejor de Martin, siempre filmando cámara en mano pero con gran virtuosismo, es que se toma todo el tiempo necesario y logra hacerse invisible o ser uno más entre los habitantes de la isla” (Quintín, La lectora provisoria).
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas (109’)
Miércoles 23 Una película corta acerca del Indio Nacional
(Maicling pelicula nañg ysañg Indio Nacional; Filipinas, 2005)
Dirección: Raya Martin.
Con Russell Ongkeko, Bodjie Pascua, Suzette Velasco.
Ambientada durante la revolución filipina contra España, en la década de 1890, Una película corta acerca del Indio Nacional delinea diferentes situaciones de hombres y mujeres que previamente habían sido excluidos de las consideraciones históricas, circunstancias relacionadas con el nacimiento, la guerra y la muerte. Narrada bajo la perspectiva de tres personajes --un niño, un joven y un adulto--, el film recrea una realidad cinematográfica ligada al pasado del séptimo arte e intenta definir lo que parece faltar en nuestra concepción del pasado: la historia de las emociones y sentimientos de las personas.
“Hay escenas muy distintas: desde niños mirando un eclipse hasta revolucionarios muertos en los caminos. Es como una prehistoria del país y, al mismo tiempo, una prehistoria del cine. Martin lo inventa de nuevo y uno piensa en Griffith y en Godard (...) Todo es bellísimo, lírico y enigmático al mismo tiempo” (Quintín, La lectora provisoria).
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas. (96’)
Jueves 24 Autohystoria
(Filipinas, 2007)
Dirección: Raya Martin
Con Lowell Conales.
En la actualidad, un hombre recibe en la ciudad a su hermano menor, a quien hace tiempo que no veía. A fines del siglo XIX otro par de hermanos, militantes de la revolución independentista, son acusados de traición y ejecutados en una maniobra jacobina entre los propios revolucionarios (el acusador, Emilio Aguinaldo, se convertiría después en el primer presidente del nuevo país). Hay varias historias, varias versiones de la Historia. El sueño se convierte en realidad y la vida a veces es sueño. Para el director, esta película es una colección de memorias digitalizadas de esos mundos. (Del catálogo del 9º BAFICI).
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas. (95’).
Viernes 25 y Independencia
sábado 26 (Filipinas/Francia/Alemania/Holanda, 2009)
Dirección: Raya Martin.
Con Sid Lucero, Alessandra de Rossi, Tetchie Agbayani.
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas (77’).
Domingo 27 En cartel
(Now Showing; Filipinas/Francia, 2008)
Dirección: Raya Martin.
Con Ness Roque, Adriana Agcaoili, Via Antonio.
Rita fue bautizada con ese nombre por su abuela, una ex actriz que solía adorar a la famosa Rita Hayworth. Rita vive en uno de los distritos más antiguos de Manila junto a su madre, una mujer siempre ocupada, y una tía por demás emprendedora. Años más tarde, todavía enamorada de la televisión, Rita ayuda a su tía en un puesto callejero de venta de dvds piratas. En otro lado, sobreviven imágenes de una película realizada antes de la guerra, el clásico filipino Real Mother, estrenada en el año 1939.
En cartel, primera parte de una trilogía todavía inconclusa, fue realizada a partir de la estética de los videos hogareños, con sus imperfecciones técnicas y estilo descuidado. El realizador continúa experimentando con la forma y vuelve al pasado del cine filipino como fuente de inspiración.
Se exhibe con un intervalo.
A las 16 horas. (280’).
Independencia
(Filipinas/Francia/Alemania/Holanda, 2009)
Dirección: Raya Martin.
Con Sid Lucero, Alessandra de Rossi, Tetchie Agbayani.
A las 22 horas (77’).
Lunes 28 Próxima atracción
(Next Attraction; Filipinas, 2008)
Dirección: Raya Martin.
Con JK Anicoche, Paolo Rivero, Coco Martin.
Coco Martin y Paolo Rivero son dos celebrados jóvenes actores de la escena filipina contemporánea. En el film son contratados para realizar un cortometraje. En la historia de este corto un muchacho escapa de su casa luego de una pelea con su madre. El film lo sigue mientras recorre el centro de Manila, conoce a un hombre y mantiene su primera relación sexual.
Segunda parte (aunque pueden ser vistas independientemente) de la trilogía iniciada con En cartel. Si aquella era un tratado sobre el cine utilizado como diario, Próxima atracción es un making-of, que propone interrogantes acerca de si la película dentro de la ficción se está realmente filmando. Aunque el resultado, en forma de cortometraje, puede verse hacia el final del film, el producto no parece del todo relevante; lo importante es el proceso mismo de realización. No tanto los resultados sino cómo se llega a ellos. (Del catálogo del 38º Festival de Rotterdam).
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas. (90’).
Martes 29 Cortometrajes de Raya Martin
Seis cortometrajes dirigidos por el realizador, todos ellos inéditos en la Argentina.
La visita
(Bakasyon; Filipinas, 2004)
Dirección: Raya Martin.
Una niña de la gran ciudad es dejada al cuidado de su abuela en el interior de la provincia. Durante su estadía, la joven conoce la misteriosa identidad de la anciana. Este primer trabajo de Raya Martin, realizado a la edad de 20 años, resultó ganador del Premio Ishmael Bernal al Cine Joven en el Festival de Manila. (13’)
Infancia en las islas de Filipinas
(Filipinas; 2005)
Dirección: Raya Martin.
El encargado de hacer sonar las campanas de la iglesia del pueblo es un joven indio, dividido entre sus obligaciones hacia el estado español y su identidad como filipino. Sus conflictos se expresan a través de diversas situaciones, como un eclipse o la muerte de un niño. (33’)
Proyecciones de vida
(Life Projections; Filipinas, 2006)
Dirección: Raya Martin.
Una reflexión acerca del derrame de petróleo de Guimaras, cerca de la costa de Filipinas,en agosto de 2006, el segundo derrame más grande de la historia. En lugar de centrarse en la devastación ambiental y económica, el film explora el dolor y la pérdida humana de esta tragedia, y cómo afectó la vida de muchos filipinos. (4’)
¡Larga vida al cine filipino!
(Long Live Philippine Cinema!; Filipinas, 2007)
Dirección: Raya Martin.
Una sátira dura y burlesca sobre la así llamada Señora del Cine Filipino, la productora chino-filipina Mother Lily, una mujer odiada y temida, a quien nadie puede acercársele. Mother Lily no es una invención metafórica, existe de verdad… por ahora. (6’)
Proyecciones de rieles
(Track Projections; Filipinas, 2007)
Dirección: Raya Martin.
El cine, inevitablemente, vuelve una y otra vez a su punto de partida: el tren. La fascinación que los hermanos Lumière mostraron por las máquinas de hierro acercándose rápido a cámara ha ido mutando de forma a lo largo de la historia del cinematógrafo. Raya Martin convierte el movimiento del tren, mediante la pretecnología VHS, en un viaje abstracto en pos de un amor lejano. (6’)
Nouvelle Young
(Francia/Filipinas, 2009)
Dirección: Raya Martin.
Con Lucas Segovia, Carolina Stirn.
Rock’n roll en colores y la Torre Eiffel en blanco y negro. La lluvia, un beso y después…
La nouvelle vague como una imagen congelada en la memoria colectiva, pero todavía en movimiento.
(5’).
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas (68’ duración total)
Miércoles 30 Manila
(Filipinas, 2009)
Dirección: Raya Martin y Adolfo Alix Jr.
Con Piolo Pascual, Rosanna Roces, Jay Manalo.
Film homenaje co-dirigido por Raya Martin y Adolfo Alix Jr., Manila toma como referencia el cine filipino realizado en los años 70 y 80. Ambas historias de este díptico están protagonizadas por el actor Piolo Pascual. El primer segmento, dirigido por Martin, está inspirado en Manila de noche, de Ishmael Bernal. En él William, un drogadicto, trata de conectarse nuevamente con la gente cercana. Lentamente, mientras la noche va cayendo, descubre que no hay nadie en quien confiar, ni siquiera en él mismo. En el segundo segmento, basado en Jaguar, de Lino Brocka, el actor interpreta a Philip, un guardaespaldas que trabaja para el hijo de un político y que tras un tiroteo huye hacia las más oscuras esquinas de la ciudad.
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas. (90’)
Jueves 1º Manila de noche
(Manila By Night – City After Dark; Filipinas, 1980)
Dirección: Ishmael Bernal.
Con Charito Solis, Alma Moreno, Lorna Tolentino.
La vida nocturna de la gente corriente de Manila al descubierto. Los problemas cotidianos se mezclan con conflictos urbanos como las drogas o la prostitución en una trama episódica que busca mostrar cómo la supervivencia de uno pasa por la degradación del otro. Un clásico del cine filipino que por su vívida violencia y miseria tuvo que retirar de su título original, Manila by Night, la referencia a la ciudad de Manila a instancias de quien después se convertiría en primera dama del país, Imelda Marcos, cambiándose su nombre a City After Dark. En ella se inspiró Raya Martin para rodar su episodio diurno de Manila.
A las 14:30, 18 y 21 horas (150’).
Viernes 2 Una película corta acerca del Indio Nacional
(Maicling pelicula nañg ysañg Indio Nacional; Filipinas, 2005)
Dirección: Raya Martin.
Con Russell Ongkeko, Bodjie Pascua, Suzette Velasco.
A las 14:30 y 19:30 horas (96’).
Independencia
(Filipinas/Francia/Alemania/Holanda, 2009)
Dirección: Raya Martin.
Con Sid Lucero, Alessandra de Rossi, Tetchie Agbayani.
A las 17 y 22 horas (77’).
Sábado 3 y Independencia
domingo 4 (Filipinas/Francia/Alemania/Holanda, 2009)
Dirección: Raya Martin.
Con Sid Lucero, Alessandra de Rossi, Tetchie Agbayani.
A las 14:30, 17, 19:30 y 22 horas (77’).
3.5.10
Integral Jacques Tati en la Sala Lugones
El Complejo Teatral de Buenos Aires, la Embajada de Francia y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado una muestra denominada Días de fiesta con Jacques Tati, que se llevará a cabo del miércoles 5 al miércoles 12 de mayo, en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530).
La muestra estará integrada por los seis largometrajes escritos y dirigidos por este comediante y cineasta de una originalidad absoluta, considerado uno de los grandes maestros de la historia del cine. Se verán copias 35mm restauradas por la Cinemateca Francesa y enviadas especialmente desde París para este ciclo. Entre ellas, se destacan la restauración 2009 de Las vacaciones del señor Hulot (1953) y Parade (1974), el film más extraño y menos conocido de toda su obra, nunca estrenado en Argentina, con lo cual ésta será su primera proyección pública en el país.
"Tati y Bresson son los dos genios gemelos del cine francés", escribió alguna vez Marguerite Duras. Para Jean-Luc Godard, "Tati tenía el sentido de la comedia porque tenía el sentido de la extrañeza". Y según François Truffaut, "Tati, como Bresson, reinventa el cine en cada film". Formado en el ambiente del teatro de varieté y el music-hall, Jacques Tati (1909-1982), le dedicó al cine una obra tan escasa como influyente, apenas seis largos y un puñado de cortos de un rigor y una pureza extremas. Actor, guionista, productor y director de sus propios films, Tati fue un autor total, que gozó simultáneamente de la popularidad del gran público (particularmente en sus primeros tres films) al mismo tiempo que era admirado y celebrado por sus colegas más exigentes. Su figura ha quedado asociada por siempre con la de su creación, el legendario Señor Hulot, protagonista de casi todos sus films e incansable batallador por un mundo más habitable, a escala humana, contra la homogeneización y la frivolidad de una cultura que se dice moderna. Para Serge Toubiana, director de la Cinémathèque française, "en sus seis películas Tati captó algo esencial: el paso del tiempo, la evolución del mundo". Y el crítico Michel Chion sintetizó: "Tati es un mundo en sí mismo".
La agenda completa es la siguiente:
Miércoles 5: Día de fiesta
(Jour de fête; Francia, 1949)
Dirección: Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Paul Frankeur, Guy Decomble.
El pueblo de Follainville está de fiesta. En el cine se proyecta un documental donde se ve el servicio de correos de Estados Unidos, que cuenta con un helicóptero para distribuir las cartas. François, el cartero del pueblo, herido en su orgullo, se lanzará a la distribución del correo más acrobática jamás vista. El primer largo de Tati es "una obra maestra de una de las figuras clave de la historia del cine" (Jonathan Rosenbaum). Se exhibe la versión en colores rescatada por la hija de Tati, Sophie Tatischeff.
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (70'; 35 mm.)
Jueves 6: Las vacaciones del Señor Hulot
(Les vacances de Monsieur Hulot; Francia, 1953)
Dirección: Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Nathalie Pascaud, Michèle Rolla.
En un complejo de la costa balnearia, los veraneantes se instalan con sus costumbres urbanas. Hasta que llega Monsieur Hulot al volante de su viejo automóvil y rompe la calma del lugar. Un film que se disfruta inmensamente, de comienzo a fin, y que está considerado por las firmas más prestigiosas del análisis cinematográfico -Noel Bürch, Jean-Pierre Fieschi, Kristin Thompson- como un precursor del mejor cine moderno. "La importancia de Les vacances de Monsieur Hulot no debe ser subestimada. No sólo es el film cómico más importante desde la desaparición de los hermanos Marx; también es un acontecimiento en la historia del cine sonoro" (André Bazin).
Versión nueva restaurada en 2009.
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (96'; 35 mm.)
Viernes 7: Mi tío
(Mon oncle; Francia, 1958)
Dirección: Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Jean-Pierre Zola, Adrienne Servantie.
El mundo de M. Hulot es el del viejo París patinado por el tiempo y el desgaste de los hombres que han vivido y viven aún en él, el de los perros vagabundos y los mercados ruidosos, el de los niños sucios y alegres, y los vecinos confianzudos, el de las borracheras dominicales y las juergas nocturnas. El otro mundo, el de la hermana de M. Hulot y su esposo (el que Tati odia) es el de un París flamante injertado en el otro por hombres que creen vivir en él, el de las casas ultramodernas y las cocinas automáticas, el de las señales de tránsito y los ojos eléctricos, el de las relaciones humanas prefabricadas. "Como Chaplin en Tiempos modernos, como René Clair en Para nosotros la libertad, Tati se adelantó a su época" (François Truffaut).
A las 14.30, 18 y 21 horas (120'; 35mm.)
Sábado 8: Playtime
(Playtime; Francia, 1967)
Dirección: Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Barbara Dennek, Jacqueline Lecomte.
Unas turistas estadounidenses hacen una visita guiada por Europa. Programa: una capital por día. Pero al llegar a París, se dan cuenta que el aeropuerto es exactamente igual al que acaban de dejar en Roma. Una sátira delirante al turismo organizado y a la banalidad del mundo moderno, que le exigió a Tati una reconstrucción minuciosa de la realidad, para después destruirla. La banda de sonido, compuesta únicamente de ruidos, es una obra maestra de la música concreta. "Uno de los diez mejores films de todos los tiempos" (Jonathan Rosenbaum).
A las 14.30, 18 y 21 horas (123'; 35 mm.)
Domingo 9: Traffic
(Francia; 1971)
Dirección: Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Marcel Fraval, Honoré Bostel.
Traffic no tiene nada que envidiarle a Playtime cuando se trata de risas e imaginación cinematográfica. Monsieur Hulot es un diseñador de autos y su compañía lo envía desde París a un show automovilístico en Ámsterdam, donde deberá presentar su nueva creación, una casa rodante provista de los últimos adelantos tecnológicos, a cual más absurdo. Pero para llegar a destino, Hulot deberá atravesar un camino repleto de accidentes y catástrofes. "Traffic es un trabajo muy especial de un cineasta con un talento único para la comedia puramente visual" (Vincent Canby en The New York Times).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (100'; 35 mm.)
Lunes 10: No hay función
Martes 11: Parade
(Francia, 1974)
Dirección: Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Karl Kossmayer, Pierre Bramma.
El último film realizado por Tati es también el más extraño y el menos conocido de toda su obra (de hecho, nunca se estrenó en Argentina y ésta es su primera proyección pública en el país). Rodado en un primitivo formato video para la televisión sueca, Parade presenta a Tati como Monsieur Loyal, quien actúa para un público de circo sus más famosos gags y pantomimas, entre ellos la de un agitado jugador de tenis de principios del siglo XX y la de un pescador incompetente. Si hubiera que buscar un equivalente cinematográfico, sólo se podría pensar en Los payasos, de Federico Fellini.
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (75'; 35 mm.)
Miércoles 12: Cuida tu izquierda
(Soigne ton gauche; Francia, 1936)
Dirección: René Clément.
Con Jacques Tati.
Tati comenzó su carrera actuando para otros directores (entre ellos Claude Autant-Lara) y este corto es el más famoso de esos inicios. Aquí Tati interpreta a un granjero obsesionado en convertirse en campeón de boxeo, un personaje en quien el crítico Claude Beylie ha sabido ver "una de las mejores encarnaciones de la libertad del hombre". (20').
Clase nocturna
(Cours du soir, 1966)
Dirección: Nicolas Ribowski, Jacques Tati.
Con Jacques Tati, Marc Monjou.
Aprovechando los escenarios de Playtime, Tati rodó este corto, muy crítico sobre la educación, que permite apreciar aquello que estaba detrás de la escena de su gran largometraje. (30').
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (50' duración total; dvd)
Informamos que las localidades para la Sala Leopoldo Lugones podrán adquirirse personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las boleterías del Teatro San Martín.
Precio de las localidades en la Sala Leopoldo Lugones $ 10.- Estudiantes y jubilados $ 5.- (Los interesados deberán tramitar su credencial de descuento en el 4° piso del Teatro San Martín, de lunes a viernes de 10 a 16 horas.)
"En el año del 50º aniversario del Teatro San Martín"
9.2.10
La retrospectiva clásica estará dedicada al director Don Siegel en la 58 edición del Festival de San Sebastián
El Festival de San Sebastián dedicará en su 58 edición una retrospectiva completa a la obra del director estadounidense Don Siegel, creador de obras fundamentales de la serie B como Invasion of the Body Snatchers (La invasión de los ladrones de cuerpos, 1956) renovador del cine policíaco en los años 60 y 70 con The Killers (Código del hampa, 1964) y Dirty Harry (Harry, el sucio, 1971) e impulsor de la carrera de Clint Eastwood como actor y director. Continuando con la labor que viene realizando en la revisión de la obra no siempre suficientemente valorada de destacados cineastas clásicos, el Festival de San Sebastián ofrecerá una perspectiva completa sobre la gran influencia que ejerció Siegel sobre el cine de género con un punto de vista inconformista y revitalizador a lo largo de más de tres décadas.
“Él me animó a que dirigiera y yo le animé a ser actor... Yo creo que si hay algo que verdaderamente aprendí de Don Siegel es a saber lo que quieres rodar y a saber qué estás viendo cuando lo ves; y eso es algo que no he visto muchas veces en todos estos años”. Así se expresaba Clint Eastwood sobre su amigo Don Siegel, para quien trabajó como actor en cinco películas, entre las que destacan Dirty Harry (Harry, el sucio 1971) y Escape from Alcatraz (Fuga de Alcatraz, 1979). El estilo de Siegel, directo, siempre centrado en la esencia del relato y con un ritmo enérgico e impactante que aprendió a modelar en la sala de montaje, tuvo una importante influencia en el cine de Clint Eastwood como director, y es cercano al de otros cineastas que también pertenecieron a la llamada “generación de la violencia”: R obert Aldrich, Richard Fleischer, Samuel Fuller, Richard Brooks o Nicholas Ray.
Don Siegel (Chicago, 1912-Nipomo, California, 1991) destacó desde sus primeros pasos como director: sus dos primeros cortometrajes, Star in the Night (1945) y Hitler Lives (1945) recibieron el Oscar en el mismo año, 1946, en las categorías de Mejor Corto de Ficción y Mejor Corto Documental.
Pero para entonces Don Siegel ya gozaba de gran prestigio como montador. Había estudiado en Cambridge (Inglaterra) y encontró trabajo en Hollywood en los estudios Warner Bros., donde ejerció de montador en numerosas películas, muchas de ellas sin acreditar. Entre las más destacadas están algunas de las mejores obras de Anatole Litvak (Confessions of a Nazi Spy, 1939; All This and Heaven Too / El cielo y tú, 1940), Raoul Walsh (The Roaring Twenties / Los violentos años 20, 1939; They Drive by Night / La pasión ciega, 1940; They Died with Their Boots On / Murieron con las botas puestas, 1941 y Gentleman Jim, 1942) y Michael Curtiz (Mission to Moscow, 1943).
Tras sus dos premiados cortos, debutó en la dirección de largometrajes con The Verdict (1946), la primera de una serie de pequeñas producciones con las que Siegel logró trascender las limitaciones de la serie B y aportar títulos muy significativos a distintos géneros en la década de los 50: el film noir y el thriller con The Big Steal (1949), Count the Hours (1953) y Private Hell 36 (1954); el western con The Duel at Silver Creek (1952) y sobre todo la ciencia-ficción con uno de los títulos fundamentales de la paranoia política, científica y extraterrestre: Invasion of the Body Snatchers (La invasión de los ladrones de cuerpos, 1956).
Acostumbrado a trabajar a destajo y a sacar la máxima expresividad a los recursos limitados, en 1960 dirigió a Elvis Presley en Flaming Star (Estrella de fuego, 1960), con lo que accedió a producciónes de mayor envergadura. Mientras alternaba trabajos para la televisión, su labor en el cine de los años 60 quedó marcada por dos films de gran importancia en la renovación del thriller y el cine policíaco: The Killers (Código del hampa, 1964), protagonizada por Lee Marvin y Angie Dickinson, y Madigan (Brigada homicida, 1968) con Richard Widmark y Henry Fonda, que dio lugar a una serie de televisión del mismo título. En ese mismo año, comenzó a trabajar con Clint Eastwood en el policíaco Coogan’s Bluff (La jungla humana, 1968), al que siguieron el western Two Mules for Sister Sara (Dos mulas y una mujer, 1970), la inquietante The Beguiled (El seductor, 1971) y la mítica Harry, el sucio, todo un icono del cine policíaco y de acción de los 70. La quinta y última colaboración de Eastwood y Siegel se produjo al final de la década en Escape from Alcatraz (Fuga de Alcatraz, 1979).
Otros excelentes policíacos como Charley Varrick (La gran estafa, 1973), The Black Windmill (El molino negro, 1974) y Telefon (Teléfono, 1977), así como la última película que rodó John Wayne, la emotiva The Shootist (El último pistolero, 1976), forman también parte de una carrera que se cerró con dos películas en los años 80, Rough Cut (Golpe Audaz, 1980) y Blackjack / Jinxed! (1982).
Además, Don Siegel, que ha aparecido ocasionalmente en sus propias películas, tuvo papeles como actor en la primera película dirigida por Clint Eastwood, Play Misty for Me (Escalofrío en la noche, 1971) y en el remake de Invasion of the Body Snatchers (La invasión de los ladrones de cuerpos, 1978) que dirigió Philip Kaufman.
La 58 edición del Festival de San Sebastián contará con una segunda retrospectiva, que se dará a conocer en su momento.
26.11.09
Ride Lonesome: The Films of Lisandro Alonso (TIFF Cinemateque)
November 27 - December 1
“I’m interested in the world of prisoners.” – Lisandro Alonso
“The slow-moving minimalism of new Argentine cinema finds its poet and master in Lisandro Alonso.” – Deborah Young, Variety
Lisandro Alonso established his themes and method with La Libertad (2001), a slip of a film shot in nine days for very little money, which chronicles a single day in the life of Misael Saavedra, a young woodcutter Alonso met on his father’s farm. (The incongruous, semi-ominous thrash of techno percussion accompanying the credits would become an Alonso trademark, as would the subsequent avoidance of non-diegetic music.) So matter-of-fact and uninflected is Libertad’s recording of Misael’s daily routines, faithfully recreated from weeks of Alonso’s close observation of his actual life and edited so that several sequences seem to adhere as real time, that the film has been hailed as the apotheosis of Bazinian realism. Spare in dialogue – the first, a simple salutation, comes as a shock almost half an hour into the seventy-three-minute film – and attuned to the rhythms of daily existence (chopping, eating, shitting, sleeping, buying and selling), the film elicited inevitable claims of the boundary between fiction and documentary being blurred, collapsed, or straddled. But Alonso’s reliance on Bressonian synecdoche, both within the image (truncated framing) and within the narrative, and his exacting management of sound and image, suggest a reality heightened enough to leave all notions of a modern-day Flaherty behind.
If Lucrecia Martel is the Chekhov of the so-called New Argentine Cinema, there’s a touch of Tolstoy in Alonso’s portrait of this country peasant. Simple, authentic, uncorrupted, Misael is, unlike Alonso’s subsequent protagonists, gregarious in his solitude, which seems less innate than imposed by circumstance. By comparison, Argentino Vargas, the fifty-four-year-old principal of Alonso’s next film, Los Muertos (2004), appears pathologically opaque, his reticence and detachment a result of guilt, grief, or homicidal instincts, it is never clear. Vargas’s concealed emotions and motivation allow Alonso to explain nothing while manipulating narrative expectation and assumption as willfully as any genre director.
Like Misael in Libertad, Vargas is a non-actor whose character carries his real-life name, but whose being is subsumed more intensely and intensively into Alonso’s fiction. Though he is capable of banter, Vargas’s natural disposition is mute aloneness, and, as with Farrel in Liverpool, the director repeatedly shows his protagonist at a remove from humanity, isolated in the frame or tellingly separated from surrounding groups: men watching soccer or huddled in the prison yard, a clutch of children buying treats in a rural store. (All of Alonso’s films feature protracted scenes of men eating by themselves, social ritual transformed into its opposite.) The film’s incidental religious-mythological associations aside – a shot of Vargas’ head in frame with a devotional in the police station; Vargas carrying bread and wine to a couple called Maria and Angel; the Charon-like aura of his boat drifting toward death – Los Muertos retains the minimal, materialist approach of La Libertad. Alonso wants to besot with the ordinary.
Duration is of prime importance to the economical Alonso, who is sparing with both edits and running time. (The Average Shot Lengths of his work must run extraordinarily high; note also the shorn simplicity of the films’ titles.) The diurnal span of La Libertad and the elliptical, four-day course of Los Muertos are further abbreviated in Fantasma (2006), which barely breaks the one-hour mark in transcribing the short visit of Argentino Vargas to a Buenos Aires theatre to watch, for the first time, the film he starred in. Though set within the confines of a cultural centre and its cinema, Fantasma is no less a film of landscape than the previous two. Like the pampas of La Libertad and jungle of Los Muertos, the labyrinthine interior becomes Fantasma’s second character: as much as the camera lingers on a now gaunter Vargas, in from the wild and uneasier than ever, Fantasma makes setting its preoccupation.
Stealthily shot in slow dollies, pans, and tracks, Fantasma has been both dismissed as insular or narcissistic (one of the other characters transiting the building is none other than Misael Saavedra) and justified as an experiment or etude. Though Alonso stated at the time of its release that Fantasma completed a trilogy with his first two films, it is now best seen as a pendant to the actual trilogy, which consists of that early duo plus his latest, Liverpool. Longer, more complex, with greater reach and maturity than La Libertad and Los Muertos, Liverpool nevertheless repeats their template, from the driving drums and guitar over the credits, to its inscrutable, tamped protagonist, who travels lone through an adverse landscape only to arrive where he departed: “I’m off,” Farrel mutters as he escapes the place to which he has laboriously journeyed. Even as Liverpool’s snowy environs contrast with Alonso’s previous films, much harks back to compositions and themes in his earlier work, from the hitched ride on the back of a truck, to the long shot in which Farrel trudges through a field towards the horizon line, recreating Misael’s cross-plain journey near the end of La Libertad. Alonso’s fondness for abruptly cutting from loud sound to silence (a curt transition from buzzsaw to the quiet of a bedroom), for disorienting transitions of setting (that mockery of an establishing shot in the unidentifiable transport equipped with ripped seats and torn mattress), and for restating moments in variation (Farrel’s two solo meals, the twinned inscriptions on a post) also remain. But Liverpool exhibits a greater variety of settings and shots, colour, if not new, newly emphasized. The green motif of Los Muertos – the jungle and foliage, the blouse Vargas buys his daughter, the two bottles hanging on the wall in Maria’s home, the “green-out” after the opening sequence – is here replaced by an insistence on red, all the more marked against the chill, achromatic locale. (One thinks of Oshima, another chronicler of broken families, who banished green from his palette as too anodyne, and aggressively filled his images with red.) Liverpool’s many red objects culminate in the walls of the bedroom in which Farrel’s mother sleeps away her final days, which look like incarnadine imports from the villa in Cries and Whispers. Liverpool explores Alonso’s signature theme of sole men on a journey, reticent men of obscure emotion and motive traveling through an isolated landscape, unchanged by their encounters with others. The men’s unyielding features and solitary, taciturn ways – they all “ride lonesome” – register less as enigmatic, the way the neutrality of Bresson’s “models” serves an aura of immanence and mystery, than as ramparts against the world. Precarious, inward, lost even to themselves, Alonso’s men are separated, estranged, or sundered from their families and wary of connection; they make small talk but withdraw at any demand of divulgence. They evade – “That’s all in the past; I’ve already forgotten,” Vargas tells a boatman inquiring after his crime in Los Muertos – or look past the question (Farrel’s sodden silence in Liverpool when asked why he has returned after such a long absence), but whether they are unable or merely unwilling to answer remains moot. – James Quandt Please note that this introduction is a condensed, edited version of an article which appeared in Artforum Magazine in November 2008. The full version of the essay will be available online at Artforum.com. TIFF Cinematheque would like to thank the following individuals for their assistance in the preparation of the Alonso & Martel retrospectives: Haden Guest, Harvard Film Archive, Cambridge; Marcus Hu, Strand Releasing, Culver City, CA; and Adam Sekuler, Northwest Film Forum, Seattle. The North American tour of Liverpool has been arranged Adam Sekuler. We thank Anne Götze, Match Factory, for her assistance.