31.3.09

Wooden Shjips - Dos (2009)


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Wooden Shjips (Omar Ahsanuddin – drums, Dusty Jermier – bass, Nash Whalen – organ, Erik "Ripley" Johnson – guitar) are a vital and refreshingly inspired quartet from San Francisco playing loud rock 'n' roll in a style heavily influenced by the experimentalism of psychedelia, classical minimalism and garage rock excess.

And here, we have the new Wooden Shjips record, "Dos".

Their second full length to date, "Dos" embraces a minimalist psych approach once offered by the likes of NEU and LOOP. Their trademark whipping fuzz hooks have become groovier and their Deerhunter style dance-drone far more inducing.

From the bleeding organ and cicada chirps on "Motorbike" to the shoulder dropping "For so long", the concise delivery of guitar offers up it's Fogerty/ Karoli vibe of stiff and loose kraut blues. "Aquarian time" marks a slightly more dense sound that (perhaps) demands more weed. It's blissed out sludge is accented by a steady plink of keys.

Diario de BAFICI (Parte 4)


Dos días más de BAFICI, algo menos intensos cinematográficamente porque tuve que cortar el día para ir al diario y porque después de una maratón de 15 películas en los primeros tres días me di cuenta que estaba exagerando un poco. Así que tengo sólo seis títulos para agregar: dos del domingo, tres de ayer y una que me había quedado pendiente.

LA MADRE, de Gustavo Fontán. "Una mujer de 45 años y su hijo de 18. Un padre ausente, buscado por ambos. Ella es alcohólica, depresiva, y es un verdadero problema tanto para ella como para su hijo, que ahora está en pareja pero no puede dejarla sola casi nunca. Fontán cuenta esta historia de una forma no tradicional, apelando a la contemplación del espacio y de los cuerpos de los protagonistas, con muy pocos diálogos y apelando a textos en off, narrando de forma circular, impresionista, vaga. Visualmente es una película muy bella y cuidada, especialmente en las escenas de exteriores y en los planos detalle. Los textos, sin embargo, resultan algo forzados y monótonos, haciendo extrañar los silencios de su anterior El árbol. " (Clarín)

COCINA, de Gonzalo Castro. "El segundo filme de Castro (Resfriada) se centra en Marcia Krygier, cocinera y arquitecta (además de cantante y hermana de Axel Krygier, algo que en el filme nunca se dice), y la sigue a lo largo de las preparaciones de platos y en conversaciones con amigos y alumnos de sus clases. Muy cuidada y fluída visualmente, el interés de la película (¿documental?) está en sus diálogos y en las observaciones que realizan Marcia y sus interlocutores. Ese interés, claro, crece y decrece según el diálogo. Por momentos uno se adentra en interesantes debates sobre preparaciones de postres o exámenes de arquitectura. Por otros, uno tiene la sensación de estar viendo una versión arty del canal Gourmet." (Clarín)

NUNCA ESTUVISTE TAN ADORABLE, de Mausi Martínez. Al no estar en ninguna competencia, escribiré más en detalle en el momento de su estreno. Por ahora me deja una sensación rara: la de intentar una búsqueda de transponer un lenguaje teatral a una cinematográfico de una obra que tenía, en sí, una estética de cine (al menos de los melodramas de los 50 y 60), y la de que el resultado no sea ni una cosa ni la otra, un extraño y curioso híbrido de estilos.

180°, de Raúl Perrone. De vuelta, al no estar en competencia, prefiero dejar su análisis detallado para otro momento. La película, en principio, puede ser atrapante un momento e irritante el siguiente, intensa y repetitiva, despareja y brillante: auténticamente "perronista".

MES PETITES AMOREUSES, de Jean Eustache (FOTO). Quedará entre lo mejor del festival, sin dudas. A mitad de camino entre Truffaut y Pialat, esta crónica de la pérdida de la inocencia de un chico que pasa del campo a la ciudad, de la primaria al ámbito laboral, de vivir con una abuela de cuento de hadas a mudarse con una muy extraña madre, es honesta, tocante, lírica, divertida, emocionante, humana y cinematográficamente bellísima. ¿Cuántas películas se hacen hoy así, simplemente hermosas?

GIGANTIC, de Matt Aselton. ¿Conocen ese juego de intentar armar una frase o un cuento con cinco o diez elementos completamente diferentes entre sí y que no pertenecen al mismo mundo? Bueno, uno puede imaginar que el director y guionista de esta película tuvo que responder a la siguiente apuesta: ¿a que no hacés una película que incluya vendedores de colchones suecos, adopciones de bebés chinos, chefs franceses, homeless asesinos, masajeadoras de penes, obesos con costumbres extravagantes, un laboratorio para experimentar con ratas y una familia de cazadores que hablan japonés? Y sí, el tipo la hizo. Y por momentos es divertida y por otros... es cualquiera. Sí, tiene música de Animal Collective y Paul Dano es igualito a Messi. Por lo demás, es como el hermano medio bobo de "Punch Drunk Love", de P.T. Anderson.

30.3.09

BAFICI: Premios del BAL

Buenos Aires Lab en el 11º BAFICI

El 11º BAFICI organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, informa la premiación de la 6ta edición del Buenos Aires Lab (BAL).

Los jurados que participaron en esta edición fueron: Rodrigo Moreno (Argentina, docente y premiado director de cine por películas como El custodio, 2006); Marit Van Den Elshout (Holanda, parte del comité de la Fundación Hubert Bals del Festival de Cine de Rotterdam y del comité de selección de Cortometrajes del Rotterdam Film Fund), Alesia Weston (Estados-Unidos, directora del Premio Sundance/NHK del Programa de Largometrajes del Sundance Institute y directora del Laboratorio de Guionistas de Medio Oriente).

La lista de los premiadosen la sexta edición del BAL en las secciones de Produire au Sud, Puentes, Encuentros de Coproducción y Work in Progress (WIP) fueron:

Premios Sección Encuentros de Coproducción

Co-Production Meetings section Awards

-Premio ARTE/ARTE Award

La cadena cultural europea Arte otorgó un premio de 5.000 euros al proyecto Leones (Argentina), de Jazmín López, producido por Benjamín Doménech.

-Cinecolor y Kodak

Otorgaron un primer premio consistente en servicios de revelado y transfer a una luz de quince 15 latas de 35mm y el revelado de las 15 latas de 35mm al proyecto El lugar del hijo (Uruguay), de Manuel Nieto Zas, producido por Manuel Nieto Zas y Nathalie Trafford.

-Cinecolor y Kodak

Otorgaron un segundo premio consistente en servicios de revelado y transfer a una luz de 10 latas de 35mm y el revelado de las 10 latas de 35mm para el proyecto Cuchillo de palo (Paraguay), de Renate Costa Perdomo producido por Marta Andreu.

-Premio Estudio Ñandú / Ñandú Studio Award

Estudio Ñandú otorgó un premio de 80 horas de postproducción de estudio y operador de armado de bandas al proyecto No temo el colapso (Argentina), de Alejo Franzetti producido por Luciana Civelli.

Premios Sección Work in Progress/ Work in Progress Awards

-Premio Lahaye / Lahaye Award

Lahaye otorgó el premio a elección del ganador de 20 jornadas de equipamiento de cámara HD ó 20 jornadas de edición y/o corrección de color HD, al ganador del Work in Progress al proyecto El fantasma, de Juan Ojuez producido por Sebastián Aloi.

-Premio Beta Plus / Betaplus Award

Beta Plus entregó al ganador del proyecto Todo lo sólido se desvanece en el aire, de José Luis García producido por Gabriel Kameniecki:

1 mes de post-producción en AVID DS Nitris (equivalente a 4 semanas -de lunes a viernes, horario pautado por Betaplus- de 8h diarias)

1 mes de off line en express pro HD (sin operador) bajadas de HD a DV (equivalente a 4 semanas -lunes a viernes, de 8h diarias, 20 jornadas) y; 1/2 mes de on-line de AVID DS Nitris (equivalente a 2 semanas -10 jornadas- de lunes a viernes, 8h cada día)

(Vigencia del premio: 2 años)

-Premio Tauro Digital / Tauro Digital Award

Tauro Digital otorgó el premio de 96 horas de estudio para posproducción, consistentes en 16h de mezcla de sonido y 80h de armado de bandas, al proyecto mateo oo de Gastón Solnicki producido por Kitao Sakurai.


Bob Dylan - "Beyond Here Lies Nothin'" (mp3)


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"Beyond Here Lies Nothin' ": Hidalgo's accordion is Dylan's muse throughout this album. The instrument turns what would be Jimmy Reed-style blues into something more wide-ranging: a celebration of the Latin influence that also shaped early rock. There's something Leonard Cohen-esque about Dylan's lyric, which is deeply existential and exceedingly debonair.
Ann Powers, Los Angeles Times

Savath & Savalas - La Llama (2009)



Savath & Savalas is Guillermo Scott Herren (perhaps best known as Prefuse 73), Eva Puyuelo Muns and Roberto Carlos Lange. We’ve been experimenting with some different ways of releasing our records, just as Guillermo Scott Herren is experimenting with a new way of releasing Savath & Savalas, his Catalan acid-folk project which even pre-dates Prefuse 73. We are proud to release the new album La Llama digitally next Monday 3/16, exclusively through stonesthrow.com. The worldwide release of CD/LP will be May 19.

Premios de la Crítica en Guadalajara y Toulouse

Toulouse (Rencontres des Cinémas d'Amérique Latine, France, March 20-29, 2009). Prize: Extraordinary Stories (Historias extraordinarias) by Mariano Llinás (Argentina, 2008, 252 min). Jury: Bojidar Manov, Bulgaria; Wolfgang Hamdorf, Germany; Maria Teresa Oleksiewicz, Poland.

Guadalajara (Mexico, March 19-27, 2009). Prize, Iberoamerican Competition: The Maid (La nana) by Sebastián Silva (Chile, 2009). Prize, Mexican Competiton: Black Sheep (Oveja negra) by Humberto Hinojosa Ozcariz (Mexico, 2009). Jury: Joao Antunes, Portugal, president; Francisco Eduardo Padrón Nodarse, Cuba; Dennis West, USA; Chiara Arroyo Cella, Spain/Mexico.


29.3.09

Diario de BAFICI (Parte 3)


Viene dura la mano de seguir el ritmo del blog, del diario y del BAFICI día por día. Trataré de hacer una síntesis de los dos últimos días de cine (viernes y sábado), un total de diez películas. Algunas críticas son versiones algo más extensas de las publicadas en "Clarín".

TODOS MIENTEN (foto). Siete personas (cuatro mujeres, tres hombres), reunidas en una casa de campo, algunos de ellos descendientes de Sarmiento y Rosas, inician una serie de juegos, trampas y traiciones durante una serie de días en los que aparecen tanto la literatura y la historia política argentina del siglo XIX como los devaneos románticos de los protagonistas. Una película juguetona, inteligente, sofisticada, por momentos disparatada y graciosa, el segundo largo de Piñeiro (El hombre robado) es un prodigio de puesta en escena, en un tono que recuerda ciertas tradiciones del cine francés (de Renoir a Rivette), pero que a la vez resulta original, extraño y extravagantemente argentino.

AQUEL QUERIDO MES DE AGOSTO. Un equipo de rodaje viaja a un pequeño pueblo del interior de Portugal a filmar una película. Las entrevistas a los posibles actores, las conversaciones, las fiestas que tienen lugar allí durante agosto (mes de reunión familiar, verano boreal) van dando paso, lentamente, a una ficción actuada por esos mismos habitantes del lugar, centrada en una relación bastante curiosa entre un padre, su hija y un primo. Una película placentera, musical, muy divertida, que borronea los límites entre ficción y realidad, y que supone que la fantasía puede ingresar en el mundo real de la manera menos pensada. Una de las películas más originales de los últimos tiempos.

SITA SINGS THE BLUES. La vi un poco de casualidad, por recomendación de un lector del blog y porque me quedaba justo entre dos películas, y me llevé una gran sorpresa. Es realmente complicado describirla: un filme animación que cuenta una leyenda india con música de jazz de los 20, con una muy graciosa narración en vivo y con la trama paralela de la vida de la directora. Realmente bizarra y muy original.

BEESWAX. Es la que menos me gustó de las películas de Andrew Bujalski, aunque de cualquier manera la recomiendo. Uno puede decir que todas las películas de Bujalski son una sola y que su estilo permanece inalterable, y que su naturalismo y sus personajes siguen siendo fascinantes. Aqui, el único problema es una trama algo insistente sobre un problema legal de la protagonista al que se le dedica mucho tiempo en el filme y que, en realidad, no es tan interesante como todo lo demás que sucede a la vez.

LA NANA. El filme del chileno Sebastián Silva, ganador de Sundance, me produjo una reacción extraña. Esta historia acerca de una niñera del infierno (pero finalmente querible, al menos eso supone el filme) es divertida y funciona bien con el público. Pero verla en el Atlas Santa Fé con un montón de señoras que se reían de las locuras y peculiaridades de "la nana" me irritó un poco. Reírse de "la nanny" no es una actividad que me resulte del todo edificante...

PLAN B. Una idea y un tema promisorio, algunos diálogos, situaciones y dos buenas actuaciones protagónicas no alcanzan para convertir a "Plan B" en una buena película. El problema es, básicamente, cinematográfico: de puesta en escena, de fotografía y, especialmente, de montaje. El filme acerca de un chico que, para reconquistar a su novia, elige acercarse al nuevo novio de ella, al que supone bisexual, juega con interesantes confusiones y conflictos acerca de la identidad sexual, pero muchos se van diluyendo con el correr de los minutos y a través de escenas excesivamente largas y repetitivas. Hay una mejor película de 80 minutos encerrada en otra de cien.

YAKUZA EIGA, UNA HISTORIA SECRETA DE CINE JAPONES. Nada nuevo por acá que no se conozca. Al menos los que sabemos, vimos y leímos algo de la historia de cine japonés. Un documental convencional centrado en el género "yakuza", de los gangsters japoneses.

MAMACHAS DEL RING.
El simpático "chiste" de ver cholas bolivianas haciendo catch se acaba pronto y el filme no va para ningún lado. A su favor se puede decir que nunca hace de su premisa una canchereada y que su personaje principal resulta tan querible como potencialmente irritante. Pero no hay mucho que contar por aquí. Sería un simpático informe televisivo y no mucho más.

THE PLEASURE OF BEING ROBBED. Liviana, ligera, fresca. Todo eso se puede decir de la película. También se puede decir que poco y nada interesante sucede en ella, que la protagonista es bastante insoportable y que no le sobran méritos cinematográficos de ninguna índole. Una película pequeña, pequeña.

ENTRENAMIENTO ELEMENTAL PARA ACTORES. A partir de las limitaciones del proyecto (filmar en un estudio del Canal 7, con los técnicos de ahí...), León y Rejtman crean un genial y monstruoso personaje, el de un apasionado y muy riguroso profesor de teatro que enseña actuación... a niños de 8 a 12 años. Lecciones de vida, como ellos dicen, dadas de una manera tremendamente creativa y graciosa. Un divertido ensayo que esconde una severa crítica a los lugares comunes más celebrados del cine, del teatro y de la actuación.

The Felice Brothers - Yonder is the Clock (2009)


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Team Love Records is proud to announce the release of The Felice Brothers’ latest full-length, Yonder Is The Clock. Due out April 7th, the album is the follow-up to their critically acclaimed self-titled record released in 2008, which was their first for Team Love.

Yonder Is The Clock is the band’s fourth record, including their 2006 self-released debut Through These Reins and Gone and their 2007 release Tonight At The Arizona. With Yonder Is The Clock, the Catskill Mountain natives look to build upon the praise heaped upon them in the past.“You won’t find more American music than that of The Felice Brothers,” wrote the New York Daily News. “With their wheezing accordions, broken-down pianos, flinty acoustic guitars and creaky vocals, the brothers capture the history – and mystery – of rural America.”


BAFICI: Entrevista a Martín Rejtman y Federico León


27.3.09

Diario de BAFICI (Parte 2)


Primer día de BAFICI y día intenso, claro. Después del fin de semana uno empieza a calmarse, pero las primeras horas son siempre de correr de película a nota, de nota a película, y así. Un arranque con cinco películas y un balance bastante positivo.

TEKTON, de Mariano Donoso (Foto). Ya discutían, a la salida de la proyección, sobre si la película era oficialista o fascista o un promocional de una constructora, todas teorías discutibles (la de fascista me parece ridícula, las otras se pueden entender). De cualquier manera, la película me gustó y acá está la crítica que escribí para "Clarín" en una versión apenas más larga...

"La nueva película del director de "Opus" retrata el proceso de construcción de un edificio de la gobernación de San Juan que estuvo parado durante tres décadas. Documental de observación, utiliza distintos formatos para cada capítulo, pero siempre prescindiendo de los diálogos: sonido directo, música, blanco y negro, color, cámara lenta/rápida. La película remite a otras del género --como "En el hoyo" o "En construcción"--, pero no se crean personajes ni se sabe nada de la vida de los obreros. Por el contrario, remite más bien al registro de los Lumiere mezclando la poética del trabajo con la belleza visual del proceso en sí. De no ser por ciertas debilidades del formato video y por algunos intertítulos innecesarios, la película es casi perfecta en su pequeño pero enorme retrato del mundo del trabajo."

RACHEL, de Simone Bitton. Lo que tiene de interesante la película, más allá del caso en sí (es como una investigación en la que los resultados se conocen de antemano), son algunos testimonios de militares israelíes que no se hacen cargo de nada (en este caso, de pasarle por arriba con una topadora a una chica norteamericana de una suerte de Peace Corp). Igual, la película se anula a sí misma cuando un personaje menciona a un palestino que murió y tanto ella como la directora coinciden en que nunca se hará una película sobre él. Entonces, ¿por qué deberían interesarme tantos detalles sobre cómo fue la vida y la muerte de esta pobre chica que murió y jamás me entero que pasaba por las cabezas de los miles de palestinos muertos en Gaza?

EVERYONE ELSE, de Maren Ade. Extended version de "Clarín"...

"Ganadora del Premio del Jurado y el de mejor actriz de la reciente Berlinale, este filme de la joven directora alemana de 32 años retrata unos días en la vida de una pareja alemana en un apacible y bello balneario de Cerdeña. El es un arquitecto al que le cuesta conseguir trabajo y ella trabaja como agente de prensa. La película va haciendo centro en una relación que parece feliz y perfecta pero que de a poco empieza a mostrar sus incomodidades, molestias y resentimientos. Un poco a la manera de "Viaje en Italia", de Rossellini, la película avanza descriptivamente y crece a partir de pequeños momentos y situaciones sin aparente importancia. Una muy buena muestra del Nuevo Cine Alemán."

MATERIAL, de Thomas Heise. Vi la mitad de las tres horas de duración (necesitaba cenar antes de la quinta peli) y sentí que era una película valiosísima, un gran documento sobre los últimos momentos "de vida" de la RDA y todo lo que implicaba. También, claro, sentí que podía ser más corta, o bien que podía durar diez o doce horas con todo el "material" encontrado. Sería genial poder hacer algo así con el archivo argentino reciente. Recopilar todo para cuando ya nadie recuerde nada...

EXCURSIONES, de Ezequiel Acuña. Hablaré de la peli de Ezequiel más extenso en el momento de su estreno, pero creo que ya todos saben que me encanta, que me parece al nivel de "Nadar solo", y con un agregado que pude notar mejor al verla por segunda vez: ES MUY DIVERTIDA!!! Los diálogos de los dos protagonistas son de un ritmo de "stand up comedy" y tienen un timing excelente, timing que no recuerdo haber visto aquí jamás. Sí, bueno, en las películas de Rejtman, pero esto es distinto: menos elaborado y estilizado, más natural, cotidiano. Y su forma de observar el mundo de la amistad masculina (celos, rivalidades, acercamientos y alejamientos) es más que precisa.

Respecto a lo extracinematográfico, sólo me queda tiempo para decir que la movida al Espacio BAFICI, si bien es entendible, por ahora ha desarmado el concepto del "meeting point" haciendo que uno de los atractivos del festival (el encuentro, la charla, el café) se haya borroneado. Espero que la gente encuentre un nuevo punto (en el espacio Bafici o en el patio de comidas, no sé), pero por ahora se ve a todo el mundo medio perdido.

Ah, y cerraron el restaurante peruano que está a la vuelta: todo mal! La noche BAFICI ya no es lo que era. ¿O será que me estoy poniendo viejo?

26.3.09

Peter Von Poehl - May Day (2009)


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For the traveller without a homeland or a fixed identity, music can provide sweet consolation offering the chance to adopt a country based not in geography but the imagination, a self-created world. On Peter von Poehl s first album, Going to Where the Tea Trees Are, the Swedish traveller who for many years has split his life between Malm Berlin and Paris, conjured up the vague sense of discomfort that can accompany this nomadic life one spent floating between different landscapes, languages and cultures.

The album saw him create a universe all his own, a silky universe weaved with the help of the golden threads of melody, delicate sonic textures, and finely embroidered orchestral motifs embroidered. Going to was a cozy cocoon, a home-sweet-home in which this eternal foreigner, a songwriter without a musical family (neither folk nor pop nor rock) finally found a way to feel at home. The whole album was centered on virtually the same theme, he remembers, so much so that that directed all the musical choices the melodies the arrangements, the general atmosphere.

Peter von Poehl's exile blues has been cured thanks to his music, which has built him a roof under which he has been able to cultivate a well-adjusted sensibility. Not that he s become a homebody his constant touring over the past few years has seen him regularly leave his lair but he has understood that it s only good to hide away if you then allow yourself the freedom to escape at a moment s notice to (re)discover the world. May Day embodies the jubilation of a man who, while discovering the edges of his own universe, has not been afraid to throw open the windows of his inspiration. May Day is a constant, voluptuous back-and-forth between the desire for an interior world and that of projecting oneself out into the exterior. You feel it immediately with Parliament a song whipped up by a wildly beating rhythm section and horns played with gusto. All von Poehl s virtues are on show: his classically elegant sense of melody, his ideally dosed melanges of instruments, his unique vocal touch, and his intensely personal way of mixing together words and sound. Yet the process through which all this is revealed is different, quite simply because a breath of fresh air has blown through Peter von Poehl s music, which has become less hermetically sealed.

The whole album is moved by new vibrations, which increase the songs intensity, even if they’ve once again been made by hand. Just like Going to Where the Tea Trees Are, the majority of May Day was put together in the middle of the Swedish countryside in Christoffer Lundquist s marvellous studio. (A longtime friend and collaborator, Lundquist is once again credited as co-producer.) The arrangements on May Day are bursting with discoveries you just know
were spontaneous, specific moments that grew organically out of the sessions. The tight groove of Carrier Pigeon, the irresistible pop whirlpool of Moonshot Falls, the rough blueprints of Dust in Heaven and Near the End of the World or the knowing layering of instruments in the knock-out Elisabeth all share the same sense of discovery and the same taste for play, which stretch across all the parts of von Poehl s unclassifiable songwriting. Utterly resistant to gratuitous stylistic devices from the arrangements to the style, the rhythms to the lyrics everything on May Day is there to benefit a musicality free of harmful gimmicks.

Descifrando el BAFICI (Final de la previa)


Estuve viendo varias películas en las últimas dos semanas, en preparación para el BAFICI. En realidad, más que preparación es una suerte de distribución más equitativa de las tareas: ver una docena o más películas antes del comienzo me libera horarios, me permite mayores posibilidades de elección.

En general tengo una teoría respecto a las películas que saco en videoteca para ver previamente: no son las de competencia internacional (salvo algunas que, por algún motivo, se que no podré ver en su pase de prensa asignado), ni mucho menos las argentinas. Son esas películas que sé que tal vez termine sin poder ver. Esa segunda línea de títulos que --por trabajo, por alguna complicación o por chocarse con otras películas-- imagino dejando de lado.

Un rápido repaso de lo que vi.

SELL OUT! (Cine del Futuro) Bizarra comedia de Malasia con tantos momentos divertidos como ridículos. Especialmente graciosos son los musicales: hasta tienen una cancion en karaoke para que la cante el público. No se preocupen, es en inglés... (de hecho, si la película no fuese casi toda en inglés sería más divertida... o no se notarían lo malos que son muchos chistes)

16MEMORIAS (Panorama) Muy buen trabajo de recuperación de archivos familiares, filmados en 16mm., por lo que parece ser una familia colombiana adinerada durante los años 60. La música y los intertítulos son un poco "corny", pero el material es excelente. Igual, sigo dudando si, como en el caso de la peli de Ospina, no es todo trucho... Lo cual sería mejor aún.

35RHUMS (Trayectorias) No la iba a ver en DVD, iba a verla al cine, pero alguien la tenía y no me pude resistir a ver lo nuevo de Claire Denis (una entrevista en puerta también me hizo sentir obligado a hacerlo). Pero hice mal: tenía que haberla visto en cine. Seguramente quedará en el Top 5 del festival. Impecable, emocionante, hermosa, humana. En la ruta Ozu-Hou Hsiao-hsien.

NO SUBTITLES NECCESARY: LASZLO AND VILMOS. Como documental, no es más que informativo. Pero los dos genios de la fotografía que son Vilmos Zsigmond y Laszlo Kovacs (que falleció en 2007) ameritan ver la película y observar como trabajan. Vilmos, un tipo al que conocí en Los Angeles y es tremendamente amable, viene a dar una Master Class. Vean la peli y a él. Un buen programa doble.

Vi más, pero no me alcanza el tiempo ahora para resumir todas. Continuará...

BAFICI: Entrevista a Miguel Gomes


Link (Clarín)

Casi un extracto de una entrevista que le hice a Miguel en Viena. En algún momento la publicaré, en algún lado, completa.


25.3.09

Películas del BAFICI, online


Digamos que usted, señor lector, tiene muchas ganas de ver cuatro o cinco películas por día en el BAFICI. Hizo las colas, pagó las entradas, para algunas encontró y para otras no. Para algunas, no le da el tiempo, entonces tiene que elegir, que sacrificar. "Esta no porque se va a estrenar", "esta sí porque si no la veo ahora no la vo más", "esta no porque a esa hora tengo médico", y así.

Un lector del blog y colega de este universo (chequeen su sitio aquí) me propone una solución posible para ese embrollo de querer ver más películas que las que se puede: evitar las que están online. Y sí, nos guste o no, algunas de las películas que da el BAFICI están en la red. Algunos dedicados cinéfilos ya lo saben y las han bajado, o han averiguado donde y cómo se encuentran. Otros, como yo, no hemos tenido tiempo de investigar demasiado.

Pero algunas películas están, dice el lector/investigador/blogger. Y agrega: "Fíjense acá, donde encontrarán una lista de links a películas que se pasan en BAFICI y que están en internet". Así, a la hora de elegir, ya pueden descartar algunas y ver otras. O los que viven lejos pueden sentir que tuvieron su pequeña parte del BAFICI. Que no hay tiempo de verse todo y que venirse a Buenos Aires sólo para el festival puede ser algo oneroso.

Imagino que a algunos organizadores/programadores del BAFICI este asunto les puede molestar, pero --vamos-- sería bastante necio e hipócrita negar que todos consumimos productos encontrados en el ciberespacio y que, de hecho, muchos hemos hecho una defensa de la posibilidad de acceder a este tipo de material por estas vías.

Así que allí tienen la opción. Después me cuentan...

John Vanderslice - Romanian Names (2009)


Link

John Vanderslice, San Francisco's Tiny Telephone helmsman, stills reigns supreme as the nicest guy in the indie-rock universe. His jump from his six-album label home at Barsuk to Austin, Texas' Dead Oceans brings his seventh longplayer, Romanian Names. After fretting over the Iraq war and his French girlfriend's passport troubles during 2007's Emerald City, Vanderslice is poised to return to the introspective character studies of albums like Pixel Revolt (2005) and Cellar Door (2004). Romanian Names' pensive title track recounts the tale of a persevering Olympic gymnast, whereas the dreamy survivor's tale "Too Much Time" sees its protagonist staying warm with a eucalyptus fire and pining for his lost love. "Freedom is overrated," indeed.

Vanderslice also told Stereogum that he kept of Montreal, Grandaddy and Beatles albums to listen to between writing sessions. His main goal was to write a "bunch of shorter, faster songs that were all about melody lines." In addition to the usual "Vanderslice sound," Romanian Names features flutes, clarinets, saxophones, marimba, viola, and even the Swedish nyckelharpa. Longtime producer Scott Solter joined in the fray again. Lyrically V-Slice says, "a lot of songs are about the difficulty of being in love. When you're in a very, very close relationship, there's a mirror in front of you all the time. So a lot of the songs, for me, are about that mirrored self and that almost suffocating thing that happens." Though the relationships are bleak on the album, Vanderslice assures that he's happily in love. How frreakin' adorable.~ Kyle Lemmon (Prefixmag)


BAFICI: Entrevista a Adrián Biniez, director de "Gigante"


AFI Fest taps Robert Koehler (Variety)

Un grosso, Bob...


Robert Koehler, longtime film critic and freelance writer for Variety and other publications, has been tapped director of programming for this year's edition of AFI Fest.

Due to assume his duties in May, Koehler will work as the fest's No. 2 under artistic director Rose Kuo and will scout for possible entries at numerous international festivals, beginning in Cannes.

Dates for this year's fest aren't yet finalized, but the event will run beginning at the end of October or early November.


24.3.09

Descifrando el BAFICI (Parte V)


Del resto de la programación del BAFICI no hay demasiado que pueda opinar. No vi ninguna de las colaboraciones del ciclo Tele-teatro aunque la dupla Rejtman/León me interesa sobremanera. De la sección Música me hablaron muy bien de "Soul Power", pero sólo vi la pésima (sí, pésima, irredimible, insalvable, atroz) película de ficción basada en una obra de teatro sobre la vida del productor musical Joe Meek, llamada "Telstar". De cualquier manera, hay muchas otras películas que me intrigan en esa sección.

De Nocturna sólo vi "Chelsea on the Rocks" (FOTO), de Abel Ferrara, que es una película menor, simpática, entre graciosa y melancólica sobre la venta del mítico Chelsea Hotel neoyorquino a una corporación. Ferrara celebra a sus peculiares habitantes, que van desde famosos hasta increíbles personajes que cuentan oscuras historias del lugar. "The Last Winter", de Larry Fessenden, la tengo por ahí, viene muy bien recomendada pero aún no la vi, mientras que poco y nada conozco del resto.

"Diálogos" me permite recomendar la dupla "El cant dels ocells/Waiting for Sancho". De la peli de Albert Serra ya se habló en extenso en este blog, mientras que del documental sobre el rodaje, que filmó el actor/crítico/cineasta/amigo Peranson puedo decir que respeta los códigos visuales, la estética y la lógica cinematográfica del catalán. Y de "Solaris" no voy a agregar mucho más de lo que ya se sabe: la oportunidad de verla en cine, si la copia es buena, es imperdible.

En "Clásicos modernos" me intriga ver "The Housemaid", acaso el gran clásico del cine coreano, de esos títulos que aparecen en todos los libros de cine de ese país (y asiáticos en general) y que nunca pude ver. "Archangel" es una pequeña maravilla de Guy Maddin que vi hace muchísimos años en VHS mientras que el imperdible evento de esta sección es "Milestones", de Robert Kramer/John Douglas, que quise ver en la Viennale pero sus cuatro horas de duración (y su coincidencia con varios títulos que tenía que cubrir) me lo impidieron.

No vi ninguna de las tres películas de James Benning del Foco que se exhibe aquí, pero como vengo invicto con su cine (todo lo que he visto me gustó), iré a verlas, con "RR", película sobre trenes (toda una pasión personal) como número puesto.

Me interesan ver los trabajos sobre las películas de Chaplin que integran el Foro Charles Chaplin aunque no creo que me de el tiempo. Y veré de hacerme un hueco para ver algo de Laila Pakálnina, Friedrich y Trestikova.

No tengo pudor en confesar que no me sumo a la pasión que muchos de mis colegas sienten por el cine de Jean-Marie Straub y Daniele Huillet. Me interesan sus posturas, su consistencia teórico/política, acuerdo con la mayoría de sus declaraciones públicas, pero su cine me deja helado. Me cuesta, igualmente, conciliar sus posiciones políticas de izquierda con su pedido de que sus películas se vean, por lo general, sin subtítulos, lo que me parece de un snobismo fuera de lo común (sé que su intención es otra, pero los resultados son esos) y que aleja a mucho público. Haré la prueba con algunos títulos que no vi, como "Trop tot, trop tard", "Class Relations" o "The Death of Empedocles", pero si no me pasa nada a la primera, abandono la lucha.

De "El cine fotografiado - Imágenes congeladas" no hace falta que recomiende "La Jetée", de Chris Marker ni la genial "Alicia en las ciudades", de Wim Wenders (¡hace cuánto que no usaba las palabras "genial" y Wenders en el mismo párrafo!), pero si decirles que no se pierdan el genial corto de mi colega y amigo Paulo Pécora llamado "Una forma estúpida de decir adiós" ni "Muhammad Ali the Greatest", de William Klein.

Pienso ver todo lo que hay de Jean Eustache, ya que mi experiencia con su cine se reduce a "Le Père Noël a les yeux bleus", "Numéro zéro" y, por supuesto, "La Maman et la putain", que son tres películas increíbles.

¿Qué decir del cine de Miguel Gomes? "Aquele querido mes de agosto" me parece una obra maestra, pero "La cara que mereces" tiene una gran primera media hora y luego se me fue tornando algo reiterativa. Vi tres cortos suyos y recomiendo especialmente "Entretanto". Los dos largos que vi de Kelly Reichardt son increíbles ("Old Joy" y "Wendy & Lucy"), por lo que estaré allí para ver lo que me falta.

Eso creo, al menos...

Years - Years (2009)


Link

Singer/songwriter Ron Louque has been in search of that elusive, perfect song since he was 15, when he shared a 6-track recorder and studio space with his father. Disillusioned with the grunge movement in the early 90s, he spent most of his high school days demoing progressive-rock masterpieces that mixed intricate time and chord changes, challenging riffs and thick vocal harmonies inspired by his lifelong love of The Beatles. During the mid-90s, popular music was definitely going through some big changes, with electronic music gaining momentum and artists like Garbage, Bjork, The Verve, and Radiohead coming to the forefront. "I began to change the way I approached songwriting." says Ron, "I suddenly realized that I didn't need a 6 minute song with a million parts to try and capture the mood I was going for. I started focusing on a simpler approach, a more directly emotive approach". And out of this direction, Years was born.



Ron's friend since childhood, Cam Arbogast would spend many of those long hours at the Louque household, laying down drum take after drum take and helping Ron write parts. The two were constantly in search of like-minded musicians but in Orange, VA this was a tall order. Ron and Cam carried on despite the frustration of not having a band and continued to record song after song, while auditioning people whenever the occasion arose.



In 1999, Brian Chenault formed the band Wisher with his long-time college friend Forrest. The two had recently moved back to Virginia after achieving moderate success with the band Bicycle, which was signed to Capricorn Records. Wisher spent the next few years building a fan base around Virginia and surrounding states and released their debut album in 2002, but personnel issues arose and Wisher disbanded in August of 2002. The bassist for Wisher, Brian Temples, was in no mood to sit around and mourn his band or let his bass strings rust and promptly started searching want ads for another project.



The first ad he responded to was placed by Ron and Cam, who were going under the name Lure. "We met Brian to give him a disc of tunes to learn and I also asked him what the guitarist for Wisher was up to after the breakup" says Ron. Ron had seen Brian Chenault on guitar with Wisher at the UVA Battle of the Bands (which they won incidentally): "I knew right away seeing him play that he'd be perfect for my band but I didn't have the nerve to go up to him after the show. I saw him at an Indian restaurant later on and didn't have it in me to approach him about playing music then either". Everything in it's own time, right? Brian Temples burned a copy of the Lure demos, Brian fell in love with it, both Brians auditioned, all four guys hit it off and Lure was off and running.




After a handful of shows around Charlottesville, Brian Temples and the band parted ways, and in June of 2003 Lure decided to take a break from gigging and focus on making a record. Over the course of the next 9 months the band wrote and recorded 11 songs at home and their debut record was released in May of 2004 under the new name of Years.





Radiohead Day


Estoy pensando que el concierto de Radiohead de esta noche en el Club Ciudad podría ser una buena despedida, para mí, de los shows en estadios, que ya me tienen un poco agotado. Sé que, seguramente, dentro de unos meses, cuando se anuncie alguna otra cosa, cambiaré de idea. ¿Pero no sería bueno retirarse con un gran show? ¿Para qué más? ¿Para qué peor? Nos vemos a la noche. Bah, no nos vemos nada, pero ustedes entienden...

Japanese cinema triumphs at Asian Film Awards in Hong Kong (ScreenDaily)


Japanese cinema triumphed at the Asian Film Awards last night, with three Japanese dramas – Tokyo Sonata, Still Walking and Departures – clinching four of the top prizes.

Kiyoshi Kurosawa’s Tokyo Sonata walked off with best film and best screenwriter; Hirokazu Kore-eda took the best director prize for Still Walking, and Motoki Masahiro scooped best actor for Oscar-winner Departures.

Best actress went to China’s Zhou Xun for Cao Baoping’s The Equation Of Love And Death, while best newcomer went to Chinese actor Yu Shaoqun who plays the young Mei Lanfang in Chen Kaige’s biopic Forever Enthralled.
Koran’s Jung Woo-sung picked up best suppporting actor for Kim Jee-woon’s The Good, The Bad, The Weird – which was the favourite going into the awards with eight nominations. Filipina actress Gina Pareno took best supporting actress for her role in Brillante Mendoza’s Service.

Best DoP went to Jola Dylewska for Tulpan; Hong Kong’s Daniel Lee took best production designer for Three Kingdoms: Resurrection Of The Dragon, and best editor went to Kim Sun-min for Korean thriller The Chaser. Craig Hayes took best visual effects for John Woo’s Red Cliff.

Japan also scored in the technical categories with Joe Hisaishi taking best composer for his work on Hiyao Miyazaki’s hit animation Ponyo On The Cliff By The Sea.

All three of the other Japanese winners at the AFAs have already won a slew of prizes over the past year – Tokyo Sonata started its awards haul by winning the jury prize in Un Certain Regard at Cannes last year; Still Walking has won awards at San Sebastian and Mar del Plata, while Departures was the surprise winner of best foreign-language film at the Academy Awards this year.

Hong Kong actress Michelle Yeoh headed the 13-person jury for this year’s AFAs, which also included festival programmers Noah Cowan (Toronto), Christian Jeune (Cannes), Christophe Terhechte (Berlin) and Jacob Wong (Hong Kong).

23.3.09

Retrospectiva BAFICI por Cablevisión Digital


Una propuesta interesante...

Lo mejor del cine independiente lo podes ver desde el living de tu casa.
Todos los días a las 21 hs por la señal 20

Del 25 de marzo hasta el 5 abril Fibertel presenta el ciclo Bafici Retrospectiva, una selección de las mejores películas que formaron parte de la historia del Festival. Los fanáticos del cine podrán disfrutar de este ciclo, todas las noches de 22 a 24 hs, a través de la señal 20 de nuestra pantalla.


A lo largo del ciclo se podrán ver las siguientes películas:


Modelo 73, de Rodrigo Moscoso: En la búsqueda de un verano divertido, tres jóvenes amigos deciden comprar un Chevy modelo 73. La primera noche que lo usan, el auto deja de funcionar y el ansia de popularidad de los chicos se desvanece poco a poco.

Berlín, de Homero Cirelli: sigue a personajes mínimos por una ciudad, que prescinde de los diálogos en favor de la respiración de sus escenarios, que se escapa de la postal turística para priorizar el mood de los momentos.

Opus, de Mariano Donoso: Es un documental acerca de la educación en San Juan: El primer día de rodaje se declara una huelga general de maestros por tiempo indeterminado, un giro inesperado que se traducirá en el film. Revela la trágica realidad argentina, mientras se embarca en una búsqueda con tintes de odisea.


Un Progrom en Buenos Aires, de Herman Szwarcbart: A principios del siglo pasado, muchos judíos llegaron a Argentina escapando de los ataques que sufrían en Europa. Y en 1919, en Buenos Aires, durante el conflicto obrero conocido como Semana Trágica, se produjo un pogrom.


Trelew, de Mariana Arruti: Agosto de 1972. El plan de fuga de más de un centenar de presos politicos bajo la dictadura militar se pone en marcha. Algunos logran alcanzar el aeropuerto de Trelew, su puerta de escape hacia el Chile Socialista, el resto correra distinta suerte.


El Hombre Robado, de Matías Piñeiro: El libro Campaña en el Ejército Grande de Domingo Faustino Sarmiento es la armadura de clave para esta fantasía sentimental que se organiza alrededor de Mercedes Montt, una joven argentina que trabaja de guía en el Museo de Arte Español Enrique Larreta, pero que ocupa sus ratos libres en la lectura apasionada de este texto sarmientino que aplica desprejuiciadamente a la vida sentimental y laboral de aquellos que la rodean.


Otra Vuelta, de Santiago Palavecino: Sebastián Pagani, un joven director de cine, vuelve a su pueblo natal para preparar un film sobre un cuento de Haroldo Conti. Allí lo espera un fantasma del pasado.


Nosotros Dos, de Raúl Perrone: Dos hermanos conviven en una casa, solos. Hay mucho que no se dicen entre ellos, porque seguramente ya se ha dicho antes. En cambio, las pocas charlas y ocasionales explosiones son por razones superficiales. Esos misterios, modestos pero ominosos, cargan al filme de un contenido latente, que se percibe aunque nunca se explicita.



Descifrando el BAFICI (Parte IV)


Vi muy pocas películas de las secciones que comento abajo, pero más vale algunas recomendaciones que un gran espacio en blanco. Asi que aquí van...

LA TIERRA TIEMBLA


-Be Calm and Count to Seven, de Ramtin Lavafipour (2008, 89'), Irán.

-California Company Town,
de Lee Anne Schmitt (2008, 77'), EE.UU.

-Defamation
, de Yoav Shamir (2009, 93'), Israel / Austria / EE.UU. / Dinamarca.

-Dick Cheney, in a Cold, Dark Cell,
de Jim Finn (2008, 3'), EE.UU.

-Great Man and Cinema,
de Jim Finn (2009, 4'), EE.UU.

-L’Encerclement - La démocratie dans les rets du néoliberalisme,
de Richard Brouillette (2008, 160'), Canadá.

-Evening’s Civil Twilight in Empires of Tin, de Jem Cohen (2008, 100'), Austria / EE.UU. / Canadá. Me pareció maravillosa esta combinación de show en vivo con imágenes a las que Cohen ha sumado nuevas filmaciones en su característico estilo (blanco y negro, en su mayoría, Super 8, cámaras lentas). Una elegía a la caída de los imperios: el austro-húngaro y el del Citibank...

-Examined Life
, de Astra Taylor (2008, 87'), Canadá. La vi con muchas expectativas tras leer excelentes comentarios pero debo decir que me decepcionó. Cualquier estudiante de filosofía de primer año va a sentir que la mayoría de los temas que se discuten en este documental en el que Astra entrevista durante diez minutos a una decena de filósofos no pasa del lugar común. Además, hacer que cada uno hable del tema que, evidentemente, más lo afecta física, racial o personalmente, es otro punto obvio. A su favor, la frescura de las imágenes (todas las entrevistas están rodadas en la calle, o en autos, caminando o en parques) y el episodio Zizek, que es el único que dice algo original, además de parecer un personaje de comedia...

-Food INC., de Robert Kenner (2008, 94'), EE.UU.

-La Forteresse, de Fernand Melgar (2008, 104'), Suiza.

-Los herederos
, de Eugenio Polgovsky (2008, 90'), México. Tiene todo para ser celebrada y celebrable (al menos, desde ciertos méritos cinematográficos), pero debo confesar que a mí me pareció cercana a la misma idea de "pornografía de la pobreza" para consumo de festivales que hacen uso y abuso otras cuantas películas. Será que la vi en Viena, rodeado de gente que miraba todo con una cara de terrible condescencia desde sus cómodas butacas y tras pagar 20 euros la entrada al cine. (FOTO)

-In Comparison
, de Harun Farocki (2009, 61'), Alemania / Austria.

-In the Holy Fire of Revolution, de Masja Novikova (2008, 113'), Holanda.

-L'initiation, de François-Xavier Drouet/Boris Carré (2007, 62'), Francia.

-Je veux voir, de Joana Hadjithomas/Khalil Joreige (2008, 75'), Francia / Líbano.

-Let's Make Money, de Erwin Wagenhofer (2008, 107'), Austria.

-Material, de Thomas Heise (2009, 166'), Alemania.

-Nord Paradis, de Christophe Lamotte (2009, 119'), Francia.

-Rachel, de Simone Bitton (2009, 100'), Francia / Bélgica.

-Rough Aunties,
de Kim Longinotto (2008, 103'), Reino Unido.

-Stalags - Holocaust and Pornography in Israel,
de Ari Libsker (2007, 62'), Israel.

-The Yes Men,
de Dan Ollman / Sarah Price / Chris Smith (2003, 83'), EE.UU.

-The Yes Men Fix the World, de Andy Bichlbaum / Mike Bonanno / Kurt Engfehr (2009,
85'), EE.UU.

De las secciones Cuerpos, Lugares, Personas y Personajes y Cine + Cine no vi prácticamente nada, así que quedarán desiertas, al menos por ahora...

Venetian Snares - Filth (2009)



Funk’s first release was the EP Greg Hates Car Culture, and released on History of the Future. His second album was Salt on Zhark International and Fuck Canada/Fuck America with Stunt Rock for CLFST. When Mike Paradinas heard Greg Hates Car Culture, he immediately signed

Funk for Planet Mu. The first Venetian Snares LP on Planet Mu, Making Orange Things (a co-production with Speedranch), was released in early 2001; following in short order were five more releases, all before the end of 2002. Funk continued recording for a variety of labels, including Hymen Records,Peace Off Records, Addict Records, and Sublight Records, and has also recorded albums under the names Last Step and Vsnares, recorded singles under the names Last Step, Snares Man! and Snares, appeared on compilations under the names Ventriloquist Snakes, Last Step, Puff, and Senetian Vnares, and did a split with Fanny under the name BeeSnares.

His style has been critically acclaimed, notably by the late British radio disc jockey John Peel. Venetian Snares is said to have reinvented breakcore and set the stage for many other artists such as UndaCova, Xanopticon, Enduser and Datach’i.

Venetian Snares composes much of his music with trackers. Before he began to release his music commercially, he worked primarily with OctaMED on an Amiga 500. At some point prior to 2000, he began using a PC and the Windows port of OctaMED, MED Soundstudio. During 2003 and 2005 he also used Cubase in addition to MED. Venetian Snares currently uses Renoise and has uploaded a video of his track ‘Vache’ playing in Renoise on Youtube. In a February 2003 interview, Funk was asked a question regarding the diverse mix of genres he draws upon in his music, a property which the interviewer labelled “eclecticism”. Funk replied: “I prefer to call it Surrealism.” wikipedia

Korean Directors Possible Candidates at Cannes (Korea Times)

"Thirst", de Park Chan-wook

By Hwang Sung-hee

Korea Times


There may be a possibility for two big name Korean film directors to compete in the Cannes International Film Festival, to be held in May 13 to 24. Park Chan-wook's newest release ``Thirst'' and Bong Jun-ho's new thriller ``Mother'' are the potential candidates, AFP reported Saturday.

Park Chan-wook, who won the top award at 2004 Cannes Film Festival for his internationally-acclaimed film ``Old Boy,'' will return to the movie scene with a vampire thriller, ``Thirst,'' after a three-year hiatus. It tells the story of a respectful priest (Song Kang-ho) who becomes a vampire after receiving a blood transfusion from an unknown source. The vampire-turned-priest then falls in love with his friend's wife (Kim Ok-bin) and the two lovers plot a murder. The movie is slated for release on April 30.

Bong's thriller ``Mother'' stars veteran actress Kim Hye-ja as its main character, differing from most thrillers which usually boasts a lineup of younger male actors. Kim plays the role of a distressed mother who fights against the world in her struggle to prove the innocence of her son (Won Bin) from a false charge of homicide. Slated for release in May, Bong hopes to explore the unconditional love that all mothers have for their children. The director received the award for Best Director at 2007 Oporto International Film Festival and at the 2007 (Korean) Grand Bell Awards for his monster film ``The Host.''

As for the potential winner of the Golden Palm, or the Palme d'Or, AFP listed world-renowned directors such as Jane Campion, Quentin Tarantino, Johnnie To Kei-Fung, Pedro Almodovar and Ken Loach.

The General Delegate of Cannes International Film Festival Thierry Fremaux told AFP that Cannes is always open to ``discovering new talented directors.'' The final list of successful candidates will be announced April 23.

22.3.09

"Adventureland": Directing to an ’80s Playlist (The New York Times)



IN the previous movie he directed, the 2007 hit teenage sex comedy “Superbad,” Greg Mottola telegraphed his intentions before even a single line of dialogue had been uttered. With a title taken from a James Brown song and a soundtrack that leaned heavily on funk hits from the 1970s, the contrast with the movie’s three main characters, suburban white boys as nerdy and insecure as they were randy, could hardly have been more pronounced.

Mr. Mottola’s new film, which he wrote as well as directed, is called “Adventureland,” and while it is another coming-of-age comedy, its tone is bittersweet, not raunchy or farcical. Once again he uses music to signal what is to come, but this time he kicks things off with the Replacements and the Velvet Underground.

After the startling commercial and critical success of “Superbad,” which earned more than $170 million at the box office, Mr. Mottola said he felt some Hollywood pressure to turn “Adventureland” into “Superbad II.”

“I had to indicate to the audience this may not be what you are expecting,” he explained during an interview this month, and the “Adventureland” soundtrack offered him the quickest, most efficient way to do that.

The movie, which opens on April 3, is a reflective period piece, set in a run-down Pittsburgh amusement park in the summer of 1987. It features Jesse Eisenberg, best known for his role as the troubled older son in “The Squid and The Whale,” and Kristen Stewart, who played Bella Swan in “Twilight,” as a pair of mopey game-booth workers hesitantly drawn to each other as they emerge from adolescence into adulthood.

On Sunday the Museum of the Moving Image will hold a retrospective of Mr. Mottola’s work, which will include a preview of “Adventureland”; showings of “Superbad” and his 1997 debut, “The Daytrippers”; and a question-and-answer session with the director.

“Adventureland” is based in part on Mr. Mottola’s own experiences working one summer at an amusement park of that name in Farmingdale, N.Y., on Long Island, near where he grew up. Some of his most enduring memories of that time stem from the exasperation he felt hearing the same songs played over and over on loudspeakers at the park, and the exhilaration he felt tuning in to college radio when he and his friends were off duty.

“I always wanted for this movie to have some of the flavor of a pop song, but without being overly sentimental or nostalgic for its own sake,” Mr. Mottola, who is 44, said. “How else do I give words to what it felt like growing up in the suburbs feeling largely misunderstood?”

It turned out that Tracy McKnight, the movie’s music supervisor, also worked at an amusement park, in Seaside Heights, N.J., in the 1980s. “I had Eddie Money embedded in my head” as a result, she said, along with Meat Loaf, Tommy Tutone and other masters of pop bombast. So as she and Mr. Mottola exchanged mixtapes and iPod playlists, they found it easy to agree on what styles of music the movie needed to include. “We were creating the soundtrack to our own life stories,” she said.

Ms. McKnight has worked on roughly 100 movies in her career, for John Waters and Edward Burns and for Jennifer Lopez and Marc Antony on “El Cantante,” among others. She said she is usually called on to negotiate the rights to use between 15 and 20 songs. “Adventureland,” in contrast, required her to obtain clearances for nearly 40, and with relatively modest resources.

“We weren’t exactly working with a ‘Batman’ budget,” Mr. Mottola said dryly. Or even “Superbad” for that matter. The rights to Van Halen’s “Panama,” featured in “Superbad,” “cost nearly as much as all of the songs in ‘Adventureland,’ ” he said.

Even with those financial constraints, music by some of the most emblematic artists of the era is included in the film, from cult bands like the Cure, Hüsker Dü, the New York Dolls and Big Star to big names like the Rolling Stones, David Bowie and Lou Reed. But in keeping with the true spirit of those times, the glam-metal band Poison and Falco’s lamentably unforgettable “Rock Me Amadeus” are also present, as are a Foreigner cover band and a park employee whose obsession with Rush recalls Jack Black at his most hyper.

Mr. Mottola acknowledged that he is “telling a familiar story” of first love found and apparently lost, and that he is working with “characters who are archetypes.” That helps to explain why and how he uses so much music to define his characters.

“It’s shorthand in the script,” he said. “Kristen’s character is already interesting to Jesse, but he falls for her when she plays Hüsker Dü on the tape player in her car.”

The movie’s pensive tone is maintained in its score, which was written by another group whose origins date to the ’80s: the indie favorites Yo La Tengo. Since 2001 this Hoboken trio has branched out to write music for six films, a sampling of which was released last year on a CD called “They Shoot, We Score.” The group’s members admired “The Daytrippers” and already knew Mr. Mottola, who is a fan of the band, and found that their notion of how music is best used in films meshed with his.

“I’m down on songs that literally describe the action on the screen, because that’s unimaginative,” said Ira Kaplan, who founded Yo La Tengo with his wife, Georgia Hubley. As a result, he said, in “Adventureland” “sometimes the music is ahead of the movie by a beat, or behind by a beat.”

One example Mr. Kaplan cited is a scene in which Ms. Stewart’s character has a bitter confrontation with her stepmother, played by Wendie Malick. “Our mission was not to express anger, because she was already doing that,” he said. “We wanted to bring out the sadness and confusion that result in her lashing out.”

Nowadays, Mr. Mottola listens more to jazz than to pop music, he said. But he remains nostalgic for the time portrayed in “Adventureland,” when “my perspective was naïve and romantic and probably childish, but sincere,” and the songs he heard on college radio seemed the ideal vehicle for those feelings.

“I’m still a sucker for that,” he said, and so “Adventureland” is his affectionate tribute to “the pop music that saved my life.”

SXSW 2009: The Decemberists - The Hazards of Love (NPR)



March 18, 2009 -
Fans of the beloved Portland, Ore., rock group The Decemberists already know the band for its outsized ambition. Frontman Colin Meloy's blend of sweeping melodies and hyperliterate, deliberately anachronistic references won the group major indie-pop laurels — and, as of its last album, the attention of a major label. But The Decemberists' newest project promises new heights of bombast: Its new record, The Hazards of Love, is a sprawling 17-part narrative song-cycle.

The band will premiere the music of Hazards in its entirety, and play music from the rest of its repertory, as part of NPR Music's official South by Southwest showcase. The show will be streamed and broadcast live from Stubb's Bar-B-Q in Austin, Tex., and archived online afterward, starting at 11 p.m. ET on Wed., March 18. (The Decemberists will take the stage at 1 a.m. ET, after opening acts The Avett Brothers and The Heartless Bastards.)

The Hazards of Love tells the woodland melodrama of a character named Margaret — voiced by Becky Stark of Lavender Diamond and Shara Worden of My Brightest Diamond, alternately — who encounters such obstacles as a lecherous villain, forest royalty and rapacious, shape-shifting fauna. As for the music itself, Meloy draws heavily from British folk, but also adds plenty of synthesizers and hard rock verging on heavy metal. Jim James of My Morning Jacket and Robyn Hitchcock also make guest appearances on the record.

Set to be released on March 24, The Hazards of Love is the band's fifth full-length release. The Decemberists' previous album, 2006's The Crane Wife, was named the top CD of 2006 by listeners of NPR's All Songs Considered. This Wednesday-night concert will also mark the third time the full band has performed a live webcast for NPR Music.


Soap and Skin - Lovetune For Vacuum (2009)


Link

Envy is a funny emotion to experience when first listening to an album. But when it’s an as powerful and haunting piece of work as the debut by Soap & Skin, it’s an apt description – frustration that they created such a piece and you haven’t. Then you find out ‘they’ is in fact just a single she, and she is only 18! Yet Anja Plaschg has crafted an incredible soundscape, reminiscent of Sigur Ros and their fellow pixie Scandinavian types, Lovetune For Vacuum contains soaring tunes, uplifting and whimsical one moment, plummeting to melancholic depths the next, all the while tied together by the somewhat ethereal tones of Anja’s singing.

The main downside for this album is the tags being banded about regarding it that will alienate some listeners before it gets near their ears. As with every other record no doubt released this month, it’s apparently an electronica album, creating a certain perception of its contents. There’s certainly electronic music on here, but this is used to create compositions that are delicate and feel almost acoustic in their disposition. In fact there’s only one tune that comfortably fits the electronic niche and yet this, annoyingly, demonstrates another string to Miss Plaschg’s already highly strung bow. Narcmedia


Descifrando el BAFICI (Parte III)


Sección Trayectorias

-180 grados,
de Raúl Perrone (2008, 70'), Argentina.

-35 rhums,
de Claire Denis (2008, 100'), Francia. La tengo ahí, no la vi todavía. Después les cuento...

-L'Intrus,
de Claire Denis (2004, 130'), Francia. Genial, brillante, hermosa, inconmensurable, incomprensible. Siéntense a verla y déjense llevar por las olas. No se hagan demasiadas preguntas y fluyan con las imágenes, con la película. Serán recompensados... por Manu Yáñez.

-A President to Remember: In the Company of John F. Kennedy,
de Robert Drew (2008, 90'), EE.UU.

-Achilles and the Tortoise,
de Takeshi Kitano (2008, 119'), Japón. La mejor, más sentida y divertida de las películas de esta etapa de suicidio profesional de Kitano. Ni Woody Allen en su momento más judaico fue tan autocrítico. Momentos de alta emoción.

-Adventureland : Un verano memorable,
de Greg Mottola (2009, 106'), EE.UU.

-Les Amours d'Astrée et de Céladon,
de Eric Rohmer (2007, 109'), Francia. Imperdible, Top 5 del Festival. Después de una serie de dramas históricos que no me interesaron demasiado, Rohmer vuelve a lo que sabe mejor hacer: a hablar de amor, de falta de amor, de los misterios del amor. Sí, es en el siglo V, con druidas y ninfas y con recitado poético, pero no cambia. Luminosa, como decía un procer de la crítica.

-Arroz con leche
, de Jorge Polaco (2008, 70'), Argentina.

-Barbe Bleue
, de Catherine Breillat (2009, 80'), Francia.

-Les Bureaux de Dieu
, de Claire Simon (2008, 122'), Francia.

-Il Divo
, de Paolo Sorrentino (2008, 118'), Italia / Francia. La verdad es que la vi con tan pocas expectativas que no me decepcionó. Es como una película sobre Menem hecha tipo cómic, con desbordes de todo tipo (visuales, musicales, actorales), pero que extrañamente tienen sentido en un país gobernado por un tipo como Mussolini. Requiere lectura previa de la política italiana de las últimas cuatro décadas, eso sí...

-FILM IST. a girl & a gun. de Gustave Deustch (2009, 93'), Austria.

-Four Nights with Anna, de Jerzy Skolimowski (2008, 87'), Polonia. No quiero sonar trágico, pero la que puede ser la última película del polaco Skolimovski es una obrita de cámara, graciosa y a la vez siniestra, sobre un hombre solitario obsesionado por su vecinita de enfrente. Un poco Hitchcock, un poco Polanski, totalmente centroeuropea...

-La Frontière de l'aube,
de Philippe Garrel (2008, 106'), Francia. Si la señora o el señor que está sentado a lado tuyo empieza a reírse cuando aparece el fantasma de la chica muerta en la ventana de Louis Garrel, pegale un codazo y desmayala. No dejés que el cinismo y la ironía del público promedio canchero Bafici no te permita disfrutar de esta oda al más afrancesado romanticismo trágico. Como una película de los 20, pero ahora...

-The Karamazovs. de Petr Zelenka (2008, 110'), República Checa / Reino Unido.

-Les Plages d' Agnès,
de Agnès Varda (2008, 110'), Francia. Ligera decepción cuando la vi, en Mar del Plata. Muy desmañada, reiterativa, autocelebratoria en extremo. Igualmente, una película despareja de Vardá le gana al 70% de cualquier programación de cualquier festival.

-Le Premier Venu
, de Jacques Doillon (2008, 123'), Francia / Bélgica.

-La Vie moderne,
de Raymond Depardon (2008, 90'), Francia. Los viejos solitarios y mañosos que viven y trabajan en el campo y que Depardon viene siguiendo hace años están en su mejor momento. Me los imagino en el sitcom más cáustico y bizarro de la tele, con zoofilia incluida y todo. Cualquier comparación con "el conflicto del campo" argentino no tiene ningún sentido... O si, no sé.

-Melancholia,
de Lav Díaz (2008, 480'), Filipinas. Sí, claro, y tu mamá también... Algún día, Lav, algún día, las veo todas juntas y te cuento...

-Ne touchez pas la hache,
de Jacques Rivette (2007, 137'), Francia. Era brillante con Depardieu vivo, imagino que con Depardieu muerto cobrará una gravedad y densidad impensada. Romance, tragedia, Lubtchansky: no, no es la de Garrel, pero podría haberlo sido, casi 200 años antes.

-Nucingen Haus,
de Raúl Ruiz (2008, 94'), Francia / Chile.

-Nulle part terre promise,
de Emmanuel Finkiel (2008, 94'), Francia.

-Secretos,
de Valeria Sarmiento (2008, 85'), Chile.

-Shirin,
de Abbas Kiarostami (2008, 93'), Irán.

-Singularidades de uma rapariga loura,
de Manoel de Oliveira (2009, 63'), Portugal/Francia / España.

-Teza,
de Haile Gerima (2008, 140'), Alemania / Francia / Etiopía.

-Tiempos malos,
de Cristian Sánchez (2009, 140'), Chile.

-Z32,
de Avi Mograbi (2008, 81'), Israel. Lo que siempre ayuda a las películas de Mograbi es que el tipo no se toma nunca demasiado en serio. De hecho, esa cosa fantasmagórica que usa para taparles las caras a los protagonistas termina siendo casi tan gracioso como las canciones que canta en su casa. Por si no se dieron cuenta, es un documental sobre un soldado israelí con culpa por haber entrado a un pueblo a matar gente... Se siente mal, el chico. Al menos, Mograbi se pregunta si debe o no debe hacer una película sobre este pibe. Y va y la hace igual. Queseyó!

-Un conte de Noël,
de Arnaud Desplechin (2008, 150'), Francia. Vayan y véanla. No me pidan que se las explique porque no podría. Es una "montaña rusa" de emociones junto a la familia más mala onda de la historia del cine. Y eso es sólo el 10 por ciento de la peli... No tan redonda como "Reyes y reina", pero con picos altísimos.