DOCBSAS/10: Proyecciones especiales

Del 15 al 24 de octubre de 2010

Proyecciones especiales. Quince títulos, la mayoría en estreno para América latina. Los films que integran esta sección son, claramente, en primer lugar, trabajos de grandes autores del cine contemporáneo. Pero además tienen su proa dirigida hacia los márgenes, intentando iluminar zonas opacadas o directamente negadas por el ruido mediático. Son trabajos que se resisten a ser encasillados, que eluden las categorizaciones fáciles, que se rigen por duraciones y formatos atípicos (hay largos y cortos, ensayos y registros directos, montajes de archivo y comedias absurdas). Pero finalmente todos ambicionan un poco lo mismo: remontar el curso de la Historia, buscar conexiones entre el pasado y el presente, restablecer al cine como herramienta del conocimiento.

Boxing Gym

ESTADOS UNIDOS, 2010, 91’

DIRECCIÓN Frederick Wiseman PRODUCCIÓN Frederick Wiseman IMAGEN John Davey MONTAJE Frederick Wiseman SONIDO Frederick Wiseman PRODUCIDA POR Zipporah Film.

Austin, Texas. El gimnasio de Lord fue fundado hace dieciséis años por Richard Lord, un ex boxeador profesional. Una gran variedad de personas de todas las edades, razas, etnias y clases sociales se entrenan en el gimnasio: hombres, mujeres, niños, doctores, abogados, jueces, empresarios y empresarias, inmigrantes, boxeadores profesionales y personas que quieren ser boxeadores profesionales, junto a aficionados que aman el deporte y adolescentes que están tratando de desarrollar fuerza y energía. El gimnasio es un ejemplo del “crisol” americano, donde la gente se encuentra, habla y entrena.

“La violencia humana en su casi infinita variedad de formas y consecuencias es un tema ligado a muchas de mis películas. (...) El deporte del boxeo es la expresión controlada de una forma de violencia. El boxeo es un deporte que exige una aplicación habilidosa del uso disciplinado de una violencia ritualizada como defensa personal, deporte (amateur o profesional) o algún otro aspecto de desarrollo personal como la fuerza o la imagen. El boxeo es complicado y está lleno de contradicciones. Puede ser sangriento, dañino y cruel, sin embargo requiere dedicación, disciplina, concentración, un trabajo extenuante, ética, sacrificio, condicionamiento y terribles exigencias al cuerpo y la mente”. (Frederick Wiseman).

El sicario, habitación 164

El sicario, Room 164

FRANCIA/ITALIA, 2010, 80’

DIRECCIÓN Gianfranco Rosi GUIÓN Gianfranco Rosi, Charles Bowden PRODUCCIÓN Gianfranco Rosi, Serge Lalou IMAGEN Gianfranco Rosi MONTAJE Jacopo Quadri SONIDO Dominique Vieillard MÚSICA Abraham Spector PRODUCIDA POR Robofilms, Les Films d'Ici.

Un asesino a sueldo se confiesa: mató a cientos de personas, es experto en tortura y secuestros y fue oficial de policía en el estado de Chihuahua, México. Incluso fue entrenado por el FBI. Vivió en Juárez y se movió libremente entre México y Estados Unidos. Hoy está huyendo y su cabeza tiene un precio: 250.000 dólares. Sin embargo está libre y nunca ha sido condenado. La película transcurre en un cuarto de motel, en la frontera entre México y Estados Unidos. El film está basado en el artículo “El Sicario”, escrito por Charles Borden y publicado en la revista Harper en 2009.

El hombre sin nombre

Man With No Name

CHINA, 2009, 97’

DIRECCIÓN Wang Bing GUIÓN Wang Bing PRODUCIDA POR Galerie Chantal Crousel.

La historia transcurre en las ruinas de una aldea desierta, rodeada de un antiguo muro, donde sólo vive un hombre de 40 años. No tiene nombre. Durante el día trabaja como un animal en las ruinas y a la noche duerme como un primitivo en una caverna. En el invierno sale temprano de la caverna y se va lejos, a campos desiertos, a buscar estiércol de vacas y ovejas para abonar su huerta. En primavera, las ruinas del pueblo están cubiertas de pasto, él cultiva su huerta y siembra. En verano recoge pequeñas piedras del pasto para construir su casa. En otoño cosecha. Obtiene su comida de su propia cosecha o de lo que encuentra en otras aldeas. Nunca dice una palabra. A veces se habla a sí mismo. A veces estalla en risas. El tazón, el barril de agua y otros objetos de la vida cotidiana son desechos industriales. Noche y día, mes y año, vive de esta manera hasta su muerte en la caverna, en las ruinas o en el campo.

“El personaje de esta historia vive alejado del mundo material y espiritual. Construyó sus propias condiciones de subsistencia. Pero un ser humano sigue siendo un ser humano. Busca razones para seguir viviendo”. (Wang Bing)

Corneille-Brecht ó “¡Roma, el único objeto de mi resentimiento!”

Corneille-Brecht ou “Rome, l’unique objet de mon ressentiment!”

FRANCIA, 2009, 78’ (26’ X 3)

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub PRODUCCIÓN Jean-Marie Straub IMAGEN Christophe Clavert SONIDO Christophe Clavert INTÉRPRETES Cornelia Geiser PRODUCIDA POR Straub-Huillet, Pierre Grise Productions.

Éstos son dos extractos breves de “Horacio” y “Otón” de Corneille,

y un largo extracto de “Das Verhör des Lukullus” (El proceso de Lucullus) de Bertold Brecht, una obra radiofónica de 1939. La película es un arreglo de cuentas con Roma y una deslumbrante propuesta de trabajo con los textos. Hay tres versiones del filme, que cuenta con tres ediciones distintas. Verlas juntas nos da la posibilidad de experimentar más intensamente lo que se puede producir con un texto extraño y familiar al mismo tiempo –es decir, sacándolo de su proximidad a lo familiar. Jean-Marie Straub ofrece una lección suprema del celebrado “efecto distancia” brechtiano, con Cornelia Geiser, una actriz franco-alemana que logra hacer resonar todas las voces de esta partitura.

Europa 2005 – 27 de octubre

Europa 2005 - 27 octobre

ITALIA, 2006, 11’

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub, Danièle Huillet PRODUCCIÓN Enrico Chezzi

En la noche del jueves 27 al viernes 28 de octubre se producen enfrentamientos particularmente violentos en los barrios de viviendas populares de Cliché-sous-Bois y de la ciudad vecina de Montfermeil en Seine-Saint-Denis. Grupos de jóvenes furiosos por la muerte de dos de sus amigos se enfrentan a los bomberos y a la policía. Luego de un robo, la policía interrogó a seis personas. Otras tres se ocultaron en un transformador eléctrico y se electrocutaron. Dos jóvenes franceses, de origen maliense y turco, mueren, y un tercero es internado en grave estado. Entonces los grupos atacan un cuartel de bomberos, incendian vehículos y apedrean edificios. La violencia se extiende hasta las dos de la mañana. Claude Dilain (PS) intendente de Cliché-sous-Bois asegura que los hechos no se deben a una degradación de su ciudad. (Le Monde, 29-10-2005).

Joachim Gatti

FRANCIA, 2009, 1’

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub.

Jean-Jacques Rousseau escribió: “Solamente los peligros de la entera sociedad perturban el sueño tranquilo del filósofo y lo arrancan de su cama. Pueden degollar impunemente a su prójimo bajo su ventana; le basta tapar los oídos con sus manos y argumentar un poco para evitar que la naturaleza que se subleva en él lo identifique con quien es asesinado. El hombre primitivo no tiene ese talento admirable, y como le falta sabiduría y razón siempre lo vemos entregarse aturdido al primer sentimiento de la humanidad. En los motines, en las peleas callejeras, el populacho se reúne y el hombre prudente se aleja: es la chusma, son las mujeres de los Halles que separan a los combatientes e impiden que las personas honestas se degüellen entre ellas”. Y yo, Straub, les digo: la policía armada por el capital es la que mata.

Texto de Jean-Jacques Rousseau: Extracto del Discurso sobre el origen y los fundamentos de la desigualdad entre los hombres, 1755.

O somma luce

FRANCIA, 2010, 18’

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub PRODUCCIÓN Martine Marignac IMAGEN Renato Berta MONTAJE Jean-Marie Straub SONIDO Jean-Pierre Duret INTÉRPRETES Giorgio Passerone PRODUCIDA POR Straub-Huillet, Pierre Grise Productions.

“El fin del paraíso terrenal”. J.M.S.

Los versos del 33º y último canto del “Paraíso” de la Divina Comedia de Dante Alighieri. El filme comienza con el verso 67: “O somma luce...” y llega hasta el final. “O somma luce”, ese inicio del verso recuerda a Empédocles en La muerte de Empédocles, película de Danièle Huillet y Jean-Marie Straub de 1987, que dice: “O himmlisch Licht!” “¡O luz celeste!” Ese extracto del texto de Hölderlin también se encuentra inserto en Cézanne de 1989. “O somma luce...” remite a una utopía, otra vez u-topos. Dante, Hölderlin, Cézanne, el movimiento de la cámara, que recuerda a Sísifo, parece indicar la dificultad en las panorámicas de O somma luce. O somma luce es la primera película que Jean-Marie Straub filmó en HD.

Chef d'oeuvre?

FRANCIA, 2010, 13’

DIRECCIÓN Luc Moullet GUIÓN Luc Moullet PRODUCCIÓN Richard Copans IMAGEN Pierre Stoeber MONTAJE Anthony Verpoort SONIDO Julien Cloquet MÚSICA Patrice Moullet PRODUCIDA POR Les Films d'Ici, Centre Pompidou-Metz.

“No existe la definición de obra maestra ni denominador común para esos trabajos de excepción. Orson Welles y John Keats crearon su obra maestra a una edad en la que muchos todavía no han terminado la universidad. Manuel de Oliveira, Thomas Mann y Pablo Picasso terminaron algunas de sus obras maestras cuando tenían más de 80 años. Algunas son muy pequeñas, como la Gioconda, otras gigantescas, como el Palacio Ideal del Cartero Cheval, la Capilla Sixtina o Hitler de Syberberg. Sin embargo notamos que muchas conquistaron su fama varios años después de terminadas, y que es peligroso para el público sólo querer conocer obras maestras. En efecto, éstas sólo pueden ser definidas como tales luego de conocer el camino, con frecuencia caótico y largo y con muchos altibajos que llevó a los creadores a semejante perfección. Sin esa experiencia, el lector o el espectador pueden sentirse muy desconcertados. Yo traté, a través de la literatura, la pintura, el grabado, la escultura, la música, el cine (que es más mi campo y que en parte he privilegiado) de visitar ese panorama, sobrevolando rápidamente este reino de la excelencia”. (Luc Moullet).

Film producido por el Centro Pompidou-Metz en el marco de la exposición "Chef-d'ouvre?".

Siempre menos

Toujours moins

FRANCIA, 2010, 14’

DIRECCIÓN Luc Moullet GUIÓN Luc Moullet IMAGEN Pierre Stoeber MONTAJE Anthony Verpoort, Aurélie Valentin SONIDO Olivier Schwob INTÉRPRETES Marion Billy, Nicolette Picheral, Hugo Hernandez, Zoltan Jakubiak, Giacomo Abbruzzese, Balthazar Auxietre PRODUCIDA POR Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains, Les Films d'Ici.

“En 1993 yo había filmado Siempre más. Faltaba por lo tanto el complemento indispensable, Siempre menos, mi 40ª película. En catorce minutos evoca la evolución del incremento, de 1968 a 2010, de los dispositivos basados en la informática, robots, bornes y otros, que se encuentran en todos los ámbitos. El objetivo de nuestro sistema actual parece ser no emplear más que una sola persona por sector de actividad. Todavía no hemos llegado a eso pero estamos cerca. Un mundo esquizofrénico porque, al mismo tiempo, las empresas pagan el costo de estas supresiones de manera indirecta. Es que no se puede dejar en la calle a millones de seres humanos. Una constatación amarga y divertida al mismo tiempo: los medios de esta reducción perpetua son sorprendentes, cómicos”. (Luc Moullet).

Gauguin en Tahití y en las Marquesas

Gauguin à Tahiti et aux Marquises

FRANCIA, 2010, 66’

DIRECCIÓN Richard Dindo PRODUCCIÓN Serge Lalou, Richard Dindo PRODUCIDA POR Léa Produktion, Les films d'Ici.

Los últimos años de la vida de Paul Gauguin en Tahití y las Islas Marquesas. Un filme íntimo y poético, sin entrevistas, explicaciones o análisis que simplemente le permite al pintor hablar a través de sus libros y cartas y que, mediante sus cuadros, trata de lograr una profunda comprensión del regreso de Gauguin “a la naturaleza”, “al paraíso”, su “profética” huida de la industrialización capitalista que, en su opinión, destruiría al mundo.

Helsinki, para siempre

Helsinki, ikuisesti

FINLANDIA, 2008, 75’

DIRECCIÓN Peter von Bagh GUIÓN Peter von Bagh PRODUCCIÓN Jouko Aaltonen IMAGEN Pekka Aine, Felix Forsman, Pirjo Honkasalo, Timo Salminen MONTAJE Petteri Evilampi SONIDO Ilmo Lintonen MÚSICA Henrik Otto Donner PRODUCIDA POR Illume Ltd., The Finnish Film Foundation.

Helsinki, para siempre es un film de montaje sobre la ciudad de Helsinki del premiado director y académico finlandés Peter von Bagh. La película traza un retrato de Helsinki y también es un ensayo sobre la cultura finlandesa en un sentido más amplio. Muestra a Helsinki captada por importantes directores finlandeses de ficción y de documentales a lo largo de un período de cien años.

“Una hermosa sinfonía de ciudad, que también es una historia de Helsinki (y de Finlandia, de su cine y de su música popular), relatada con clips y cuadros por tres voces; cada voz recita lo que parece ser un estilo de discurso poético y ensayístico ligeramente distinto. En diferentes etapas nos presentan las mejores cámaras y los mejores musicales finlandeses; nos invitan a explorar distintos barrios y épocas (y a considerar contrastes en poblaciones e índices de divorcio), y finalmente nos obligan a admitir que de este país y de esta ciudad surgió una cantidad sorprendente de impactantes filmaciones”. (Jonathan Rosenbaum)

Berlin-Stettin

ALEMANIA, 2009, 110’

DIRECCIÓN Volker Koepp GUIÓN Volker Koepp IMAGEN Christian Lehmann, Thomas Plenert MONTAJE Beatrice Babin SONIDO Jens Pfuhler MÚSICA Rainer Böhm PRODUCIDA POR Vineta Film.

Berlin-Stettin. Entre estas dos ciudades se encuentran importantes escenarios de la vida y del cine de Volker Koepp, quien nació en 1944 en Stettin y creció en Berlin-Karlshorst. Aquí a menudo filmó y estuvo con gente cuyo concepto de patria estaba influenciado -como el suyo- por las corrientes de la historia: Segunda Guerra Mundial; expulsión, división y reunificación; emigración y recolonización; relación tensa con el país vecino, Polonia. En esta, probablemente su película más autobiográfica, Volker Koepp viaja entre Berlín y Stettin. Se encuentra con protagonistas de sus películas anteriores e incorpora a otros. La película evoca una región del Este de Alemania sin glorificar ni devaluar su pasado y nos enseña que vale la pena redescubrirla.

Canción de cuna

Wiegenlieder

ALEMANIA, 2010, 98’

DIRECCIÓN Johann Feindt, Tamara Trampe GUIÓN Johann Feindt, Tamara Trampe PRODUCCIÓN Thomas Kufus IMAGEN Johann Feindt, Jule Cramer MONTAJE Stephan Krumbiegel SONIDO Thomas Keller, Christian Lutz, Oliver Lumpe, Stefan Neuberger, Paul Oberle, Udo Radek, Patrick Veigel, André Zacher PRODUCIDA POR Zero one film, ZDF, Arte.

Las canciones de cuna son nuestro primer vínculo con el mundo, una experiencia universal que todos compartimos pero que sigue siendo profundamente personal. “¿Recuerdas una canción que su madre le cantaba para hacerlo dormir?”. Es la pregunta que Tamara Trampe y Johann Feindt hacen a las personas que encuentran en las calles de Berlín. Una pregunta simple. Algunos empiezan a cantar, otros sonríen, alguien empieza a llorar. El recuerdo de la madre, de la infancia, abre la puerta a las historias de la gente. Historias de cálido abrigo, de soledad y exclusión, de hogar y exterior. Fragmentos de melodías, unas pocas frases, una canción, a veces una historia completa de vida. Como las recurrentes burbujas de jabón bailando sobre la ciudad, la película flota a través de Berlín. Los relatos y canciones de la gente, su música a veces tierna y cautivante, otras insistente y expresiva grabados en las toscas imágenes de la metrópolis crean un poema fílmico y polifónico.

Guest

ESPAÑA, 2010, 124’

DIRECCIÓN José Luis Guerín PRODUCCIÓN Adrián Guerra, José Tito Martínez IMAGEN José Luis Guerín MONTAJE José Tito Martínez SONIDO Amanda Villavieja MÚSICA Gorka Benítez PRODUCIDA POR Versus Entertainment, Roxbury Pictures.

Durante la promoción de una película por diversos festivales del mundo, su director callejea con una pequeña cámara al encuentro de un motivo o personaje para su próxima obra. Con forma de diario de viajes, Guest presenta los registros tomados por este cineasta. Bajo el trenzado aparentemente azaroso de cada uno de estos apuntes late una película; la situación, el conflicto, el personaje que debería gestarla. “Lo observado” se manifiesta como estadio primero, esencial e inagotable del cine.

“Hay un trabajo de selección muy importante y algunas renuncias muy dolorosas: personajes extraordinarios que no consiguen cohesionarse con la estructura que vas creando. Yo he salido en cada ciudad al improviso, sin ideas predeterminadas pero con una predisposición a la revelación, a asistir a ella. Esa revelación puede venir de un vendedor ambulante, de un retratista callejero... Para hacer una película se necesita ese grado de tensión, de excitación, de que en tus soliloquios urbanos puedes encontrar a alguien que te dé una frase esencial, algo revelador". (José Luis Guerín).

Cuentos

Contes

FILIPINAS/FRANCIA, 2010, 21’

DIRECCIÓN Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion PRODUCCIÓN Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion INTÉRPRETES Saskia Gruyaert, Antoine Thirion.

Tras la muerte de su novio, una joven parte hacia el sur de la campiña francesa en busca de la naturaleza, las flores, los espíritus. Me fui para perderme y ellos están muertos. Entonces inicié un verdadero viaje, que ya casi acaba.

Las funciones se llevarán a cabo en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda.Corrientes 1530).