Doha Film Fest returns for second year (Variety)

By RAMSAY SHORT

It may only be the Doha Tribeca Film Festival's second year but this celebration of all things film is slowly beginning to make a mark in a region suddenly awash in fests.

Doho Tribeca will present four world premieres, 30 titles in its World Panorama section and for the first time host two competitions: the Arab Film Competition and Arab Short Film Competition.

For Amanda Palmer, executive director of the Doha Film Institute, it's the festival's expansion and championing of regional filmmakers in 2010 that has made all the difference.

"In our first year, we wanted to create a small festival and to bring attention to Doha as a film destination but also promote world film to our local audience," Palmer says. "To evolve and to show that we are a festival with ambitions, we took the step of creating two new Arab film competitions for features and shorts.

The response from regional filmmakers has been phenomenal, Palmer says.

"When you create a juried Arab film competition at a festival, you have the chance to showcase your film to an international audience, especially with the industry professionals who come to the festival," she says.

Despite its being a debut year for the competition sections, programmers received more than 300 submissions from better than 50 countries. There is no doubt the kudos -- the two Arab Film Competition prizes and the two audience awards each carry a $100,000 prize -- have made a difference.

"These are great prizes," Palmer says. "We know that its very hard to get financing these days, and so the awards can help our filmmakers from getting out of debt to finishing a film or starting a new one. My hope is that our prizes will help the winners to go on and create more."

"The films in our Arab Film Competition are evocative of the trials, tribulations and bittersweet facets of everyday life in the Arab world," says Palestinian director Scandar Copti, one of two Arab programmers this year alongside Lebanese programmer Hania Mroue. "As an Arab filmmaker, I am particularly proud of our four world premieres that will give our international audience an insider's look at modern realities around the region, and help emerging and established filmmakers get the support they deserve," Copti says.

The lineup includes a wide range of films from the Arab diaspora and includes work from seasoned auteurs as well as first-time filmmakers. The world preems include "Grandma, a Thousand Times" by Mahmoud Kaabour, "Hawi" by Ibrahim El Batout, "Man Without a Cellphone" by Sameh Zoabi and "The Mountain" by Ghassan Salhab.

"The Arab Film Comp for me is one of the really exciting parts of the festival," adds Palmer. "To see how these filmmakers make something happen and then see their dreams up there for an international audience."

For Geoffrey Gilmore, chief creative officer of Tribeca Enterprises and one of the fest's programmers, it is the openness and diversity of the lineup that is impressive.

"The distinction at Doha this year is that we've made a commitment to the national and regional focus that extends beyond the parameters of what a festival is," Gilmore says. "Doha Tribeca has to be part of an overall goal that is developing the regional industry."

Gilmore adds that the fest's objectives represent no single agenda.

"We have long-term goals, and that is to make an impact not just locally but worldwide by promoting new stories and creating a gateway to the West for these stories," he says.

New this year will be the Katara cultural village, an open-air cinema and two other state-of-the-art screening rooms.

"My first focus is always the local audience when it comes to the festival and the programming. The local audience is number one," says Palmer.

"I was enormously impressed by the audiences that came out to the festival last year -- it filled us with pride," Gilmore says. "And the range of the films that we are presenting this year I believe will go down very well -- there's edgy independent filmmaking as well as studio projects and an exciting family section. One of our objectives was to promote diversity, and we've accomplished that I think. It's a real course in film appreciation."

DOHA DEBUT
Institute not only funds regional filmmakers but raises profile with year-round education programs

When the Doha Film Institute announced its film financing program at Cannes in May, executive director Amanda Palmer was keen to make sure that any announcement was backed up with real projects.

Now, in just six months, the DFI has already invested in and supported six new films.

"Our aim is to invest in 10 new films a year from filmmakers in Qatar and the Arab world, and we have already helped six filmmakers finish their projects," says Palmer, though she won't for the moment elaborate on what they are or how much has been invested in terms of budgets.

Founded in 2010 by H.E. Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al-Thani, the Doha Film Institute's initiatives include funding film and television productions, year-round teaching and film appreciation programs, as well as the Doha Tribeca Film Festival.

"Our strategy at the DFI and in Qatar is that we do not attach figures to our financing," Palmer says. "We do not believe that such announcements will necessarily benefit the projects we are working on or help them to success.

"But I can tell you that our financing model is a very flexible one -- we start as low as $5,000 and go all the way up. Qatar is dedicated to creating a sustainable industry here. It is not grant-based, though some will be straight grants, but we also work with equity and international co-productions. We are still exploring the different ways of financing, as really at the moment there is not a good model (for) film financing in the region."

Key to the DFI's long-term plan to build a sustainable film industry in Qatar are year-round education programs as well as financing all with the aim to spearhead a new wave of Arab filmmaking. The DFI is, however, particularly keen to emphasize that it is interested in international productions too, not only films from the Arab world.

"Co-productions and international projects are a great to way to share the risk, learn about the process and stimulate the film business, so we are really open to projects around the world," says Palmer.

"The aim with the financing of international productions is one that is beyond the business of telling great stories and making great films but about ensuring that local filmmakers here and the regional film industry can benefit," she adds. "So any international productions we do invest in will be contingent on helping to educate local talent and provide experience for that local talent in the international arena."

Radio Micropsia: Episodio 48 (programa y playlist para bajar)

Un poco más tarde que de costumbre, pero fieles al hábito, el programa del domingo de Micropsia (el episodio 48), en versión completa, lo pueden bajar por aquí.

Y el playlist de las canciones del programa (no completo, porque si subimos todas las canciones de Dylan nos cae encima la "yuta online") que se escuchan con la calidad de audio original, por aquí.

FIPRESCI - Latin American Lifetime Achievement Award 2010: Pablo Trapero and Martina Gusman

Pablo Trapero is not yet 40 years old but has already directed six films and produced even more, an unusual feat not only in Argentina, where he lives and works with his wife - actress and coproducer Martina Gusman -, but worldwide.

Since the beginning of his career and, later, when he started working with Gusman, Trapero showed a particular talent for making personal films, filled with his own themes and obsessions, that also had commercial appeal. Carancho, his latest film, was the most successful of his career and is, from beginning to end, a rough and tough 'Trapero' film, with no concessions to the so-called 'market', even when the main actor is Argentina's top star Ricardo Darín.

As the official story already goes, Trapero was a big part of the seismic generation change that took place in Argentine Cinema during the second part of the 90's. His first movie, Crane World (Mundo Grúa), gave him international visibility, winning awards in Venice, Rotterdam and Havana, among many others. Crane World, a small film shot over weekends with friends, was also a surprise commercial hit in Argentina, allowing him to create a bigger, more dense, story about police corruption in El Bonaerense (2002), a film that was shown in Cannes.

After forming the production company, Matanza Cine, and starting to work with Martina Gusman, Trapero continued to direct films that showed different facets of his cinematic personality: from the low key comedy of Rolling Family (Familia rodante, 2004) to the tough family drama Born and Bred (Nacido y criado, 2006), a film in which his wife (a professional actress) also started appearing in front of the camera.

With Lion's Den (Leonera, 2008) and Carancho (2010), Trapero reconfirmed his place as one of Latin America's top filmmakers. Both were very well received in Cannes — Lion's Den was his first in competition for the Palme d'Or — and became hugely successful at home. And both, of course, showed the considerable strength and talent of Gusman as a lead actress, confirming the great instinct of Trapero with his characteristically unusual choice of actors. Her performance in Lions' Den has been bestowed the high accolade as one of the greatest in the history of Argentine cinema.

Carancho marked a new level of risk and exposition for Trapero: working with a well known star (with very few exceptions, his films always used little-known or non professional actors) such as Darín. And he handled it very well, creating a film that can be watched as a companion piece to El Bonaerense: another incursion into the dark world of crime in the Buenos Aires province. Carancho is a film noir with a realistic streak. And, as Lion's Den before it, a story about the pursuit of love even in the most difficult circumstances. You can say the same about all his movies. As different as they may look from the outside, at the core there are films about fighting moral corruption and finding a place in a tough world, with the help of the very few people who you trust and love.

A 'family guy', Trapero always used members of his own 'familia' in his movies, most famously his grandmother, Graciela Chironi, a main character in Crane World and Familia rodante. The same can be said about the structure of his company and his crew: a group of friends and collaborators who have been working together for more than a decade creating that same sense of 'home' their films have.

Pablo Trapero and Martina Gusman are one of the biggest creative forces of the last decade in Argentine cinema and will doubtless be a great inspiration for future generations of Latin American directors and producers.

Diego Lerer
© FIPRESCI 2010

"Red social/The Social Network", de David Fincher (crítica - versión completa)

Versión completa, bastante más larga, sin editar y con algunas diferencias (la versión publicada fue modificada por razones de espacio, además de simplificada y alterada por mí en varias partes). Aquí, la versión del diario. La que sigue, será, calculo, un 50% más larga.

Por Diego Lerer

Las intenciones de David Fincher y de su guionista Aaron Sorkin eran claras: construir, con la historia del fundador de Facebook, Mark Zuckerberg, y las disputas legales que surgieron de esos improbables inicios, una suerte de Ciudadano contemporáneo. Los elementos están ahí: el trauma iniciático, la soledad del multimillonario, el intento por ingresar a un mundo “ajeno”, la puesta en escena armada a partir de testimonios (la historia, tanto en el clásico de Orson Welles como aquí, está relatada por testigos de los hechos, de manera indirecta) y la idea de los costos que implica la creación de un imperio.

Pero el filme de Fincher es más modesto en su ambición temporal –es apenas el inicio de la carrera de Zuckerberg, hoy de apenas 26 años- y también estética, manteniéndose desde lo visual siempre funcional al relato y sin intentar replantearse la idea de puesta en escena en cada plano.

Las comparaciones son odiosas y más si esta dupla tiene el “tupé” de mirar de frente a la habitualmente considerada como la mejor película de la historia. Y si en esa partida pierde con Welles, hay otra en la que el filme revela sus mejores armas: “Red social” es una película acerca de su época, un relato fiel –en ritmo, en estilo, en comprensión del comportamiento de sus criaturas- a la historia que cuenta.

Resumiendo una trama algo compleja, el filme se centra en Mark (Jesse Eisenberg, en una actuación perfecta por su contención y su rigurosidad) y los inicios de Facebook, a partir de una ruptura sentimental que lo llevaron a inventar un website en el que se comparaba la belleza, o no, de las estudiantes de Harvard. El éxito de ese website lo llevó a ser convocado por dos hermanos (los Winklevoss), pertenecientes a la elite socioeconómica de esa universidad, a la que Mark (un chico judío, nerd y poco sociable, un outsider en esos mundos de privilegio) no podía ingresar, para armar otra página que conectara a los estudiantes privilegiados de allí.

Pero Zuckerberg, un genio de la programación, empieza a pensar en grande y toma esa idea para crear The Facebook (así se llamaba al principio), una red social que crece y crece a niveles insospechados y pronto sale de Harvard y del mundo de las universidades. Su gran colaborador en la tarea es Eduardo Saverin (Andrew Garfield, el nuevo Hombre Araña), acaso el alma del filme, el que le otorga un grado de humanidad que el mecanizado y aparentemente insensible Zuckerberg no tiene. Veremos, en paralelo, que entre ellos todo terminó mal y que él, además de los blondos mellizos de estirpe, le están haciendo millonarios juicios.

“Red social” tiene una pátina de thriller empresario que recubre lo que finalmente es: una suerte de cruda, pero nunca cruel, mirada a una generación obsesionada por los contactos más que por las relaciones, por la “pertenencia” más que por los afectos, en donde el dinero, la notoriedad y la posibilidad de ser “aceptados” es central.

Y si bien el guión de Sorkin –veloz, sagaz, lleno de frases recordables- pinta a un grupo humano con el que resulta difícil sentir empatía (Justin Timberlake como el fundador de Napster, Sean Parker, le otorga gracia y brillo a un papel bastante maquiavélico), el real logro de Fincher (Zodíaco, El club de la pelea, Pecados capitales) es reflejar cierta empatía por esos personajes tan brillantes como obsesivos, tan talentosos como solitarios, incapaces de comunicarse y, tal vez por eso, necesitados de fundar un sitio de Internet que les evite ese problema en la vida real.

Fincher ha demostrado en su carrera su comprensión por ese tipo de personajes apasionados y autodestructivos, y es gracias a él que Zuckerberg nunca es un monstruo, sino un chico confundido, sobrepasado y llevado por falta de carácter, inseguridad y acaso por una imposibilidad por entender ciertas complejidades del género humano (no por nada su ductilidad con las máquinas es inversamente proporcional a su torpeza e insensibilidad cuando el que está enfrente suyo no es una máquina) a ganar el paraíso de los billones y, a la vez, a perder a la poca gente que, en el mundo no virtual, lo tomaba en cuenta.

“Red social” –la amplitud de connotaciones del título deja en claro las posibles metáforas de la película- no es un filme sobre Facebook en el sentido de la experiencia del usuario. Si bien se habla de sus funciones, poco y nada de su estructura se ve en el filme. La red, si se quiere, es otra: la que liga y a la vez separa lo virtual de lo real. Cuando la experiencia humana se torna medible y cuantificable (en cantidad de amigos o de billones, es lo de menos), este notable e intenso filme parece querer decirnos que algo de lo que llamamos humano se nos escapa. O que, tal vez, lo que esté naciendo sea una nueva era, una en la que ciertas nociones del siglo XX –el espacio público, el humanismo en el sentido más tradicional del término- esté terminando para dar paso a un nuevo tipo de persona. Persona que hoy nos resulta, por un lado, distante y temible. Pero que, a la vez, sentimos reconocible, cercana, parte de la gran “red social”.

Entrevista a Jean-Louis Comolli (versión completa)

Motivos de espacio impidieron que la entrevista a Comolli sea publicada en toda su extensión en la edición de Clarín de hoy. Aquí abajo está el texto, casi el doble de extenso -aunque sin editar-, de la nota al cineasta y crítico francés. Y aquí, el texto publicado, en lo que tal vez sea mi debut en el blog como editor culposo.

Por Damián Damore

La visita más notable que tiene el festival de cine DOCBsAs –parada obligada para los cinéfilos porteños, que pueden continuar el correlato del BAFICI-, hasta el 24 de octubre, es el escritor y cineasta francés Jean-Louis Comolli, crítico de la segunda generación de la licuadora de ideas cinematográficas que representó la revista Cahiers du Cinema, incubadora que llevó a dirigir a cineastas como Francois Truffaut, Claude Chabrol o Jean-Luc Godard, entre tantos. En su tercera visita a Buenos Aires, Comolli dictó un seminario –qué rápidamente agotó sus cupos-, presentará once de sus documentales y un libro, Cine contra espectáculo, seguido de técnica e Ideología, un volumen que extiende su vasta e influyente obra teórica y su praxis cinematográfica compuesta de más de cuarenta trabajos. El acto de ver una película cambió mucho desde que el cine fue cine, hace ya más de cien años. Comolli le explica a Clarín el desarrollo del espectador en ese lapso. Motivado por las respuestas que puede dar, se ríe con ganas ante cada pregunta y se frota las manos como un villano de película.

-¿Cómo se fue construyendo la idea de realismo en el cine y cómo evolucionó el espectador?
-Desde hace años la presión ideológica que se ejerce desde la parte técnica en el cine tiene como efecto naturalizar la impresión de realidad que produce. En 1895, en los inicios, el espectador se encontró de repente con imágenes que no pertenecían a la vida, pero que se identificaban con ella. Había un plano, un encuadre, pero no se parecía mucho a lo que uno veía todos los días. Ese espectador de los inicios del cine, hizo un trabajo de abstracción muy grande para decir “esto es como la vida”. Había una distancia enorme entre el cine y la vida. La industria, poco a poco, fue reduciéndola; del blanco y negro se pasó al color; la pantalla se agrandó para aproximarse al campo visual humano; se mejoró el sonido y hoy tenemos relieve con el 3D. El espectador de hoy no necesita hacer aquel trabajo de abstracción, porque la confusión entre lo que veo en la pantalla y lo que veo en la vida es una confusión automática.

-¿El 3D nos acerca al ‘cine total’?
-El cine total es una idea de la década de los cincuenta y ya no estamos en los cincuenta. Por esos años había una diferencia cierta entre el cine y la vida. Pero el mundo cambió mucho. Todo el desarrollo tecnológico se extendió tanto que en el cine nos encontramos con una intensificación de la parte visible del mundo. La industria siempre intentó abolir la distancia entre cine y vida. Eso es muy grave.

-¿Por qué?
-Hay que sospechar de la idea de reducir al mundo a su parte visible. En un punto se unen información con espectáculo. Eso resulta confuso. Como arte, el cine tiene el objetivo de desplazar la realidad. De mostrarla de otro modo, desde otra perspectiva. Así la comprendemos mejor. Se debe mantener la distancia con el mundo real para permitirnos pensar. Si confundimos representación con realidad caemos en una trampa.

-¿Con qué mecanismos se mantiene al espectador?
-La creencia del espectador es paradojal. Cree una parte de eso que se dice realismo. Y aunque el resto es algo personal sobre lo que ve, esa creencia nunca es conciente. Hay una parte de esa creencia que se sostiene en “lo suyo”. “Lo suyo” es lo que se parece pero que no es lo mismo. El espectador no se pregunta cosas del realismo de base, sabe que un cuerpo filmado se parece a un cuerpo de la calle. El realismo es delicado por eso mismo, cuando se trata de un elemento artístico, el espectador entra en la cultura de un saber: no identifica eso como algo realista, sino como algo natural.

-¿Con la tecnología todo es posible?
-No estamos sino en los comienzos de la tecnología. Pronto tendremos cámaras en lugar de ojos (risas). Vertov ya lo había imaginado en El hombre de la cámara. El sistema de prótesis se va a ampliar, eso seguro. Eso le da cierto poder al ser humano. Yo pienso que es mejor quitarle poder al ser humano. Supuestamente, la lógica creativa es una lógica que quita, que retira, ¿no? Podemos decir que entramos en una especie de delirio óptico, lo que el psicoanálisis definió como pulsión escópica. Eso es el poder que rige el mundo de hoy. Y eso va en contra del cine. No digo que haya que llegar a la pantalla negra, aunque tal vez sí para detener este crecimiento vertiginoso. Pronto no va a ver más que lo visible. Ver y ser visto al mismo tiempo: es un destino muy triste para la humanidad.

-Los críticos de cine de Cahiers Du Cinema trazaron un puente entre pensar el cine y hacerlo, ¿existen hoy seguidores de esa idea?
-Por supuesto, ¡yo soy uno de ellos! Son los que dirigen eso que hoy se llama documentales. Muchos cineastas franceses se hacen preguntas morales y políticas. Son los más perjudicados con el mundo transformado en un espectáculo. En las ficciones no se hacen esas preguntas. Nosotros tenemos que enfrentarnos con el mundo del espectáculo. No hay que hacer películas con… sino contra.

-¿Qué film vio últimamente en 3·D?
-Vi Avatar, de James Cameron. También tuve otras experiencias, como subir escaleras y pasillos virtuales. Es algo que me interesa mucho.

-¿Cuál es la mayor importancia del cine?
-El cuadro. Si no hay encuadre, no hay cine. Puede estar bien o mal encuadrado, pero si no hay cuadro, no hay película. La intensificación de las están anulando el cuadro. Lo que se pone en juego es la conciencia que el espectador tiene acerca del cuadro. Ahí se produce una paradoja: el espectador ve lo que hay adentro del cuadro, pero no ve el cuadro. El trabajo crítico es percibir al espectador; que hay un cuadro, que se trata de una operación artificial. Es una decisión humana, ¡no es Dios! (risas). Si el espectador entiende esto, recupera armas intelectuales para funcionar en el mundo. Si cree que no hay cuadro, se sumerge en él y se ve desbordado por el espectáculo. El cuadro es una cuestión política. Hay que volver el cuadro perceptible.

-¿Los multicines han creado a un nuevo tipo de espectador?
-Históricamente el cine fabricó al espectador. Tal como el cine creó al espectador no es muy útil para el mercado. Es un espectador lento y hoy hay que acelerarlo. Se lo puede acelerar con planos cortos, con miles de planos o con el zapping. Otra forma de acelerarlo en dejarlo afuera de la película, de modo que consuma las imágenes como consume el pochocho. Esta es una operación en curso que por ahora no encuentra mucha resistencia. Durante una hora y media el desarrollo de la subjetividad y el espectador son cómplices. Una hora y media de película hacen trabajar al sujeto. Pero claro, se trata de un trabajo no rentable. En cambio, si el espectador se mantiene como consumidor de imágenes por fuera del film, eso es otra cosa. Serge Daney decía que el cine es el espectador. Puede haber una cabina, un proyector, una imagen que se proyecta, pero si no hay nadie en la sala no hay cine. El cine es el encuentro entre la pantalla del cine y la pantalla mental, sin pantalla mental, es decir sin nosotros espectadores, no hay cine.

Festival de Mar del Plata: todas las competencias

Competencia Internacional

Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner - Argentina
Chantrapas, de Otar Iosseliani - Francia / Georgia
Chassis, de Adolfo Alix Jr. - Filipinas
De caravana, de Rosendo Ruiz - Argentina
Essential Killing, de Jerzy Skolimoswki - Polonia / Noruega / Irlanda / Hungría
Fase 7, deNicolás Goldbart - Argentina
L'ilusionniste, de Sylvain Chomet - Reino Unido /Francia
Silent Souls, de Alexei Fedorchenko - Rusia
The Fourth Portrait, de Mong-Hong Chung - Taiwán
The Hunter, de Rafi Pitts - Alemania, Irán
Todos vós sodes capitáns, de Oliver Laxe - España
Tuesday, After Christmas, de Radu Muntean - Rumania
White White World, de Oleg Novkovic - Serbia /Alemania / Suecia

Competencia Latinoamericana de Largometrajes

Abel, de Diego Luna - México
Agua y Sal, de Alejo Taube - Argentina / Alemania
Amor en tránsito, de Lucas Blanco - Argentina
Año bisiesto, de Michael Rowe - México
Caño dorado, de Eduardo Pinto - Argentina / España
La vieja de atrás, de Pablo Meza - Argentina / Brasil
La vigilia, de Augusto Tamayo - Perú
Novena, de Enrique Collar - Paraguay /Holanda
O Coro, de Werner Schumann - Brasil / Reino Unido
Octubre, de Daniel Vega y Diego Vega - Perú / Venezuela / España

Competencia Latinoamericana de Cortometrajes

18 peniques, de Peter McPhee - Chile
Alijuna, de Cristina Escoda - Colombia
Efecto dominó, de Gabriel Gauchet - Cuba / Alemania.
Ensolarado, de Ricardo Targino - Brasil
Go to Sleep, de Luis Carlos Uribe - Colombia
La llama doble, de Raúl Ramón - México
Mar blindado, de Gerard Uzcátegui - Venezuela
Q'eros: Hombres de altura, de Róger Neyra - Perú
Tempestade, de Cesar Cabral - Brasil


Competencia Argentina

Antes del estreno, de Santiago Giralt
Arrieros, de Juan Baldana
AU3 (Autopista Central), de Alejandro Hartmann
Domingo de Ramos, de José Glusman
El camino del vino, de Nicolás Carreras
El mal del sauce, de Sebastián Sarquís
La palabra empeñada, de Juan Pablo Ruiz y Martín Masetti
Malón, de Fabián Fattore
Pompeya, de Tamae Garateguy
Road July, de Gaspar Gómez
Tiempo muerto, de Baltazar Tokman e Iván Tokman
Un rey para la Patagonia, de Lucas Turturro
Verano maldito, de Luis Ortega

Competencia Argentina de Cortometrajes

Doble Deportivo, de Guillermo Greco
El otro día, desde el bondi, te vi con Lucía, de Laureano Rizzo
Incordia, de Pablo Polledri
Livianas, de Alejandro Jovic
Los caminos que esperan, de Adrián Suárez
Lote 30, de Christian Leiva
Pies, de Nicolás León Tannchen
Todos tienen algo que ocultar, excepto yo, de Iván Vescovo
Tres minutos de mar, de Emiliano Penelas

WIP – Work in Progress

Cracs de nácar, de Daniel Casabe y Edgardo Dieleke
Cornelia frente al espejo, de Daniel Rossenfeld
Cuidado con los trenes, de Verónica Rocha
El fin del Potemkin, de Misael Bustos
Ella se lo buscó, de Susana Nieri
Grisel, de Jorge Leandro Colás
La mujer del eternauta, de Adan Aliaga
La música callada, de Fernando Boto
Nadie nació para ser puta, de Claudio Posse
Planetario, de Baltazar Tokman
Sadourni, de Dario Nardi
Tierra de los padres, de Nicolás Prividera

Radio Micropsia - Episodio 47: playlist para bajar

Playlist de la música que pasamos ayer en el programa, por acá. Incluyendo The Posies, Elvis Costello, Stereolab, Panda Bear, Avey Tare y más...

El programa entero lo subo más tarde...

Curso de crítica de cine

Manos a la obra: los nuevos desafíos de la crítica cinematográfica por Diego Lerer

Durante el mes de Noviembre, se llevará a cabo el curso Manos a la obra: los nuevos desafíos de la crítica cinematográfica, dictado por Diego Lerer.

El curso estará a cargo del, periodista, crítico y docente Diego Lerer, responsable de la sección cine del suplemento espectáculos del Diario Clarín.

Consistirá en cuatro encuentros semanales, durante los cuales se trabajará acerca de la problemática del trabajo de la crítica reflexionando acerca de los muy diversos aspectos que esta actividad puede abarcar.

Este curso tiene como objetivo analizar los aspectos estéticos, artísticos y prácticos de la composición y creación de críticas y re! flexiones en torno al cine. Haciéndose hincapié en ciertos temas que orienten cada encuentro considerando cada uno de estos vínculos también como una herramienta creativa.

-Cine & Rock

-El "Nuevo cine Argentino"

-Crítica en la "era digital"

-La relación entre críticos y festivales

El curso será abierto al público en general y estará orientado a estudiantes de cine, letras, periodismo y comunicación. Por supuesto, realizadores e interesados en general por la problemática de la crítica en su relación con el los distintos aspectos de esta actividad.

El curso tendrá 10 horas de duración en total y se llevará a cabo los días siguentes días:

Lunes 8, 15, 22 y 29 de Noviembre de 18.30 a 21.00 horas

INSCRIPCION: Finalizará el 15 de Octubre.

El curso será gratuito exclusivamente para Alumnos y Graduados de la Universidad del Cine. !

Para los participantes externos el costo total del curs! o es de 300 pesos.

Para la aplicación del público en general:

Enviar un e-mail a espaciocursos@ucine.edu.ar a donde recibirá las instrucciones para efectuar el pago a través de una transferencia bancaria.

De esta forma, garantizará la inscripción al curso. Para la aplicación de los interesados de la Universidad del Cine, deberán reunir los siguientes requisitos:

- tener cursada la materia Guión I e Historia del Cine I

- enviar un CV a espaciocursos@ucine.edu.ar junto con el número de matrícula.

Se tendrá en cuenta el promedio y se privilegiarán los alumnos de la carrera de Crítica.

DIEGO LERER

Es crítico y editor de la sección de cine del diario Clarín. Licenciado en Ciencias de la Comunicación, fue profesor titular de Semiótica y Teoría de la Comunicación en el Centro de Investigación Cinematográfica (C.I.C.) Becario del Journalism Fellowship Program de la Universidad! de Michigan, es coautor y coeditor del libro "Nuevo cine argentino –temas, autores y tendencias de una renovación" (Fipresci – Argentina) y ha publicado artículos sobre cine en revistas como Los Angeles Weekly (EE.UU.), Cinema Scope (Canadá), Schinitt (Alemania), Die Filmkrant (Holanda) y Rant (Estados Unidos), entre otras. Es presidente de Fipresci Argentina y fue vicepresidente de dicha federación a nivel internacional entre 2005 y 2009. Mantiene un blog llamado Micropsia.

Disculpas, explicaciones, esas cosas...

Por algún motivo, mi correo me está enviando todos los comentarios que envían al blog a la sección SPAM y recién ahora, luego de muchos días, entré a ver qué había allí y descubrí decenas de comentarios, especialmente del viaje a Colombia. Me disculpo desde ya por no haberlos respondido, pero no los vi en su momento: acabo de darme cuenta de que están allí.

También los comentarios entran aquí al blog, pero el 99% de lo que recibo como "comment" es usualmente SPAM en serio, así que siempre espero a recibirlos via email, pero por algún motivo ahora todos -anónimos o no- van a parar al basurero.

Eso, disculpas, espero estar más atento a esos contratiempos y, claro, tener más tiempo como para ponerme a revisar la carpeta SPAM.

Entrevista a Adrián Biniez, director de "Gigante" (versión completa)

Como la nota con el director de GIGANTE fue mucho más larga de lo humanamente publicable en un diario aquí va la versión completa, casi sin editar (algunas expresiones soeces, onda "la concha de tu madre" fueron sacadas para no herir la sensibilidad del lector) y con el triple de carácteres de lo que salió en el diario. Y sí, con algunos errores de ortografía, no se pongan pesados, dale? La nota tal como salió publicada está en Clarín y debería aparecer en su versión online, pero por el momento no la vi...

¿Contame el inicio del proyecto y cómo llegaste a producirlo desde Uruguay?

El proyecto comenzó con un guión escrito entre agosto y octubre del 2004. Ese mismo año yo me había mudado a Montevideo, pero si me decían que un par de años después iba a estar dirigiendo una peli no me lo creía. Yo en Argentina no tenia contactos con gente metida en el cine – no solo a nivel industrial, de hecho ni conocía a ninguno que estudiara cine, yo tampoco estudié-, por lo que allá lo mío era “cinefilia suburbana”, esto es: vhs, tv y tv por cable, El amante, Film, y no mucho más, a la Lugones y al cine normal de vez en cuando pero era todo un presupuesto.

En los años previos a mi ida a Uruguay me había hecho amigo de Rebella y Stoll. Yo tenía una banda que se llamaba Reverb, e iba a tocar una o dos veces por año a Montevideo y así los conocí. Por medio de ellos conocí a otras personas. Así que fue lógico pasarles el guión de Gigante a ellos. A ellos les gustó y decidieron producirlo pero como nunca antes había filmado nada y no había estado en un set decidieron producirme un corto para probarme. “8 horas” se llamaba el corto. Lo probamos y les gustó y allí empezamos a buscar financiación. La peli se rodó en 24 días en abril-mayo de 2008, después con el primer corte salimos a buscar el resto de la plata para terminar de producirla.

Obviamente, la rareza del caso de un argentino viviendo en Uruguay y haciendo cine cuando lo más común (Caetano, etc etc) podría ser lo opuesto, o hacer directamente pelis aca. ¿Cómo fue que decidiste quedarte allá, radicarte, eso?

Es muy común cuando comento a un uruguayo que me vine para acá, mas en los primeros años, que me dijeran “¿qué carajo estas haciendo acá”, cuando lo normal es que vayan para allá. Primero, yo me puse de novio y me vine para acá, ya tenia amigos por lo que fue muy fácil adaptarme – amén de que todo es muy parecido-, allá como te dije en cuanto a cine , no conocía a nadie, es mas a los 27 años me acuerdo que descarté por completo el sueño de ser director de cine que lo tenía desde los ocho, pero cuando me cruce acá se me reactivó toda esa parte. Pero no vine con la idea de hacer cine a Uruguay. Tenía 29 años y las cosas estaban bastante jodidas en Buenos Aires para mi, cero futuro, no ya en el cine o la música, si no en perspectivas laborales normales.

Con la música todo fue facil, mas alla del dolor de dejar de tocar con Reverb con los cuales lo había hecho por 9 años. Acá empecé a tocar con Federico Deutsch, y ya lo venimos haciendo desde hace 8 años y sacamos dos discos.

Qué sentis que tienen en comun tus pelis con cierto estilo, llamemoslo, "rioplatense", joven, de hacer cine.

Que pregunta difícil la c... tuya. No sé, eso quizás se puede dar cuenta alguien de afuera. Aún así yo reconozco ciertas cosas, podría hablar de puesta en escena o de estilo, pero lo que más creo es que hay una cierta vitalidad en hacer cine que veo en los últimos trece años que antes no existía. Acordate el páramo que era el cine argentino de los 80 y 90s. Digo trece años porque para mi el año cero fue el estreno de Pizza, Birra, Faso en enero del 98, para mi fue como ver a los Sex Pistols. Todo un shock: la película estaba filmada en el Ugis del obelisco donde comía todos los días cuando trabajaba. Y era otra cosa, un mundo nuevo, me acuerdo de los carteles en la calle, la tapa de El amante, para mi empezó todo ahí. Obvio que esta Rejtman antes con Rapado, pero es más Roxy Music – es un halago, pero no tuvo el impacto de Pizza...- Y la película tuvo mucha vitalidad. Y yo creo que sigue estando en el cine argentino, esa vitalidad, obviamente dando paso a gente nueva. ¿Qué tiene en común con el cine uruguayo? Lo mismo vitalidad, está todo por hacerse. Donde el cine argentino era nuevo cine argentino el uruguayo es cine uruguayo a secas, impulsado por directores jóvenes. El siglo pasado fueron films aislados y hoy es una cinematografía pequeña pero constituida. Lo único que creo que falta en el cine de estos lados es género. No sé, estoy obsesionado con esto últimamente, creo que haría mucho mas complejo nuestros cines. Ta, igual, vistes como es, si se llega a dar y dentro de quince años todos filman comedias, policiales y terror, uno va a estar pidiendo a gritos por favor que alguien haga una peli a lo Benning.

Con qué cineastas te sentis mas identificado en términos de estilo, tanto rioplatenses (que hincha que es poner rioplatense cada vez!!) como de afuera...

Otra pregunta jodida, ja! Yo soy fanático de mucho directores y, creo, que de los que mas fanático soy no se si es tan permeable la influencia en la peli. De hecho, te digo Rohmer, y vos te cagas de risa. ¿Qué mierda tiene "Gigante" de Rohmer? Esta en las antípodas! Pero no, con La Mujer del Aviador comparte varias cosas, hay persecuciones, hay deseo y hay una forma de filmar las persecuciones, en cuanto a valor de plano y movimientos, inspiradas en Rohmer. Aunque el resto de la película es muy diferente.

Pero si me gustan mucho y más algunos por cuestión de cariño: Rohmer, Godard, Apatow, Eastwood, Moretti, Carpenter, To, Casavettes, Tsui Hark, Ford , Hawks, Fuller, Fassbinder, Dante, Kitano, Lubischt, Spielberg, Tarantino, Akerman, Cronenberg, Ozu, Winding Refn y muchos otros. Me salio media canónica la lista – media con un ojo-, pero es asi. Yo que odio los canon.

De por acá me gustan mucho Caetano- el mas imprevisible de todos. Caetano llega primero a terreno nuevo y lo abandona y se va a otro. Acuña, Alonso, Llinas y su mafia filman mejor que ninguno, Katz, Murga y hay más.

Uruguayos: Stoll me gusta mucho y después creo que hay una camada muy buena: Veiroj, Nieto, Hendler. Con los uruguayos pasa lo que pasa siempre en Buenos Aires. Al principio no les dan bola y después le terminan diciendo que son raros y les rinden pleitesía. Ya va a suceder con el cine como con la literatura.

Cómo nace la historia, la anécdota, y como llegas a los intérpretes?

Yo tenia un cuaderno donde anoto ideas y en un momento me plantee empezar a escribir un guión, y leí esta, que por la ubicación debía de ser de la primera que anoté, y como me pareció que algo se podía hacer le empece a dar para adelante.

A la actriz, Leonor Svarcas, la tenía desde el principio como el personaje de Julia. Con el actor, al principio me inspire en un amigo mio, Fabian Jara, que vive en Buenos Aires. Solo en el nombre y el fisico. Luego tratamos de hacer unas pruebas, pero no es actor y las cosas no se dieron. Así que empezamos a hacer el casting y alli apareció Horacio Camandulle, de hecho fue el primero que vino al casting, y vino medio obligado y de pasada, porque odia hacer casting y se creia que nunca lo ibamos a llamar.

La experiencia de ganar en Berlin fue fuerte para todos ustedes, como me has contado alguna vez. ¿Cómo la sentís casi dos años después, a la distancia?

La experiencia fue fuerte y bizarra. Nunca había ido a un festival de cine del lado de adentro y es muy raro. Mas un festival como Berlin. Está bueno para empezar, pero yo quiero hacer peliculas. Ya me olvide de Berlin y ahora que estoy tratando de llevar acabo nuevos proyectos: siento que empiezo de cero y que realmente no conozco el medio lo suficiente y mucho no lo entiendo tampoco. Lo que mas me flashea es que se vendio a muchos territorios y es algo que repercute aún hoy.

¿Esperabas que una peli tan chica, hecha de entrecasa, tuviera tanta repercusión?

Para nada y no es falsa humildad. Cuando la estábamos editando con Epstein nos preguntabamos que carajo iba a pasar con la peli. Yo estaba muy feliz de poder haber hecho una pelicula. Yo no la veía nada festivalera aunque lo termino siendo. Cuando nos seleccionaron para Berlin estuvimos muy contentos pero al mismo tiempo al principio no queríamos ir porque queríamos disfrutar relajados la postproducción y aparte era la primera vez que afrontaba eso y no sabía si me iba a dar la cabeza para terminar la post en tiempo y forma. Pero al final dijimos que si y terminamos la peli en 35 dias: sonido, música y correcion de color y esas pedorradas.

En que estás ahora? Proyectos, esas cosas?

Estoy con una peli para hacer en Buenos Aires. Es sobre los seis ultimos meses de un futbolista del ascenso de 35 años que decide retirarse. Pero aunque parezca una peli de futbol, que lo es, es mas sobre la relación con su pareja que lo ayuda a afrontar el proceso. También estoy con una peli uruguaya borgeana de karate. Es en mini dv o algo asi. Proyectos tengo lo que faltan son sponsors.Parezco un vendedor de feria!!

¿Quedarte a vivir alla lo consideras como algo definitivo o tal vez regreses a la Argentina?

Nunca crei que me iba a venir a vivir aca, asi que no pongo las manos en el fuego por mis decisiones domiciliarias en el futuro.

¿Como viviste el Mundial de Futbol, te gastaron mucho?

Yo el mundial lo viví bárbaro. Era la primera vez en mi vida que tenía dos equipos para hinchar en el mundial. El unico problema era si se cruzaban, ahí si iba por Argentina. Pero no se cruzaron y festejé el doble. Y los dos hicieron buenos mundiales. Altamente recomendado, por momentos te parece que vas a explotar de los nervios viendo partidos y sufriendolos pero garpa como loco. No me cargaron mucho.

¿Cómo laburaste la musica en la peli? ¿Es de tu banda?

Yo hice la musica incidental y Daniel Yafalian la arregló y la produjo. La musica es muy simple, tenia una idea de que sea a lo John Carpenter mezclado con Neu! Y fui por ese lado. Por otra parte después está la musica que escucha el protagonista. Que es un amante del thrash, hardcore, etc. Tipico adolescente de finales de los 80, principios de los 90 y que queda prendido de esa musica por el resto de su vida. Ahí hay una mezcla de cosas: The Fuck –que era una banda de la que solo grabamos canciones hace diez años, tipo thrash industrial- lo hicimos para joder y termino en la peli porque es más barato de derechos y porque quedaba bien. También hay Reverb, que es el grupo en el que cante desde los principios de los 90 hasta que me fui a Montevideo, Radikal, un grupo de trash uruguayo y otras cosas.

Con respecto a mi con la musica, empezó a los 13 años, el fanatismo y a los 14 empeze a tocar. Bah, tocar, siempre fui cantante. En el 93 nos juntamos con amigos del barrio – Remedios de Escalada -y un año después se sumó Julieta que era bajista y de Chacarita y armamos Reverb y tocamos muchos años de manera bastante under. Hicimos un disco “Musica para Camaleones” en el 99, bien casero y el mismo año empezamos a ir seguido a tocar a Montevideo. Era indie post punk onda Wire, Public Image, The Fall y encima yo cantaba en inglés.

¿No temías que la pelicula podía ser vista como el seguimiento o la apologia de un "stalker", un perseguidor obsesionado con alguien? ¿Cómo hiciste para evitar que el tipo no parezca un perverso?

Aunque por momentos me gustó jugar con la ambigüedad hasta que uno descubre que es un tipo con buenas intenciones. Siempre me esforce por hacer que no parezca un stalker aunque por momentos es lo que hace. Igual eso es una cuestion de grados, moralmente hablando. Tambien confiaba en la forma de que estaba narrando y en la empatía que despertaba Horacio y el personaje. No quería "hanekear" en lo más mínimo la peli.

Hubert Bals: 24 proyectos que recibirán apoyo

40th International Film Festival Rotterdam
January 26 – February 6, 2011


Hubert Bals Fund supports 24 film projects in thirteen countries

The Hubert Bals Fund of the International Film Festival Rotterdam (IFFR) has selected twenty-four film projects that receive grants for script development, digital production, postproduction, distribution or workshops. In its Fall 2010 selection, the Fund gives 349 thousand Euro to projects from thirteen Asian, African or Latin-American countries. The selection includes new films by acclaimed filmmakers such as Martín Rejtman, Enrique Rivero, James Lee and many first time filmmakers. (See full list below)

After a successful season with HBF supported films winning top awards in Cannes (Uncle Boonmee, Palme d’Or), Locarno (Winter Vacation, Golden Leopard) and Sarajevo (Tilva Ros, Heart of Sarajevo), the Fund’s Fall 2010 Selection Round includes remarkable projects by a promising line up of upcoming filmmakers.

Postproduction
In the postproduction category, the HBF has selected five film projects. Milagros Mumenthalers Ausencias (Argentina), coproduced by Waterland Film (The Netherlands), is a subtle début comedy about two sisters living in the house of their recently deceased grandmother. Miaoyan Zhang’s Black Blood (China) tells a powerful story of illegal blood selling in a remote desert area. Sanjeewa Pelanwattage’s début feature Flying Fish is one of two film projects in this selection round dealing with the aftermath of the conflicts in Sri Lanka’s Northern region. The other project, selected for script development support, is While Waiting for You by Prasanna Vithanage. Li Ruijun’s The Old Donkey (China) premiers in Pusan’s New Currents Section. Yulene Olaizola’s fiction feature début Artificial Paradises (Mexico) about a young girl’s battle against her drug addiction follows her successful documentary Shakespeare and Victor Hugo´s Intimacies (2008).

Digital production
In the digital production category, Mexican filmmaker Carlos Armella directs Las Voces (The Voices), exploring the contrast between documentary and fictional filmmaking in a father and son story set in a remote Mexican village. Armella co-directed Toro Negro (2005) with Pedro Gonzalez-Rubio, whose second fictional feature project Tree Shade receives HBF script development support in this selection round. Gonzalez-Rubio won a 2010 Tiger Award for his Alamar.

Script development
The category of grants for script development includes Mai morire, second feature film project of Enrique Rivero, whose début work Parque vía won Locarno’s Golden Leopard in 2008. Rey (King) is Chilean director Niles Atallah’s second feature film about a Frenchman that becomes king of the Mapucho territory in southern Chile. Atallah’s début feature Lucia, also supported by the Hubert Bals Fund, competed this year in San Sebastian’s New Directors section. Promising Ukrainian filmmaker Myroslav Slaboshpytskiy receives support for his first feature film project Plemya (The Tribe), about a deaf mute teenager’s struggle to fit into the boarding school system.

Distribution & HBF Award
This selection round’s distribution category supports the screening of Iraqi filmmaker Oday Rasheed’s new film Qarantina in Baghdad as well as a research project that investigates the possibilities of screening independent cinema in Iraq. Encouraging independent filmmaking in India, the Fund will hand out its HBF Award for Best Film Project during the Goa Film Bazaar.



The line up of the IFFR’s Hubert Bals Fund Fall 2010 Selection Round in full:

Postproduction & Final Financing
Ausensias (Absences) - Milagros Mumenthaler; Argentina
Black Blood - Miaoyan Zhang; China
Flying Fish - Sanjeewa Pelanwattage; Sri Lanka
The Old Donkey - Li Ruijun; China
Paraísos Artificiales (Artificial Paradises) - Yulene Olaizola; Mexico

Digital Production
If It Is Not Now, Then When? - James Lee; Malaysia
Ang Mundo sa Panahon ng Bakal (Steel is the Earth) - Mes de Guzman; Philippines
Las Voces (The Voices) - Carlos Armella; Mexico

Script & Project Development
Cactus Flower - Hala Elkoussy; Egypt
Conurbano - Gregorio Cramer; Argentina
Dos Disparos (Two Shots) - Martín Rejtman; Argentina
Mai morire - Enrique Rivero; Mexico
Marustali - Geethu Mohan Das; India
La mujer de barro (The Mud Woman) - Sergio Castro San-Martín; Chile
Niu pi san (Oxhide 3) - Liu Jiayin; China
Rey (King) - Niles Atallah; Chile
Sombra del arbol (Tree Shade) - Pedro Gonzalez-Rubio; Mexico
Plemya (The Tribe) - Myroslav Slaboshpytskiy; Ukraine
While Waiting For You - Prasanna Vithanage; Sri Lanka

Distribution
Amakula Mobile Cinema - Amakula Kampala IFF; Uganda
Qarantina - Oday Rasheed; Iraq
Year Without A Summer - Tan Chui Mui; Malaysia

Workshops/Special Projects
Goa Film Bazaar: HBF Award – NFDC ; India
Maisha Filmmakers and Technical Lab - Musarait Kashmiri; Uganda

(End of list)


Profile of the Hubert Bals Fund

Along with CineMart, the Hubert Bals Fund (HBF) is part of the International Film Festival Rotterdam (IFFR). The 40th IFFR will take place January 26 – February 6, 2011. Year-round news on IFFR, HBF and CineMart can be found on the festival website www.filmfestivalrotterdam.com.

The Hubert Bals Fund is designed to bring remarkable or urgent feature films and feature-length creative documentaries by innovative and talented filmmakers from developing countries closer to completion. The Hubert Bals Fund provides grants that often turn out to play a crucial role in enabling these filmmakers to realize their projects. Although the Fund looks closely at the financial aspects of a project, the decisive factors remain its content and artistic value. Since the Fund started in 1988, more than 900 projects from independent filmmakers in Asia, the Middle East, Eastern Europe, Africa and Latin America have received support. Approximately 80% of these projects have been realised or are currently in production. Every year, the IFFR screens completed films supported by the Fund. The audience favorite among the HBF supported films screening in the festival receives the Dioraphte Award of 10,000 Euro.

The Hubert Bals Fund is supported by the Dutch Ministry of Foreign Affairs, Dutch non-governmental development organizations Hivos-NCDO Culture Foundation, the DOEN Foundation and the Dioraphte Foundation

Grants and selection rounds
Annually, the Hubert Bals Fund has close to Euro 1 million at its disposal and is able to make individual grants of up to Euro 10,000 for script and project development, Euro 20,000 for digital production, Euro 30,000 for post-production, Euro 15,000 towards distribution costs in the country of origin or Euro 10,000 for special projects such as training workshops. Selection rounds take place twice a year and have application deadlines on March 1 and August 1.

Training, workshops, the Hubert Bals Fund Awards
The Fund supports training initiatives for filmmakers in co-production meetings around the world. Occasionally, the Hubert Bals Fund grants Awards to the most promising film project at these co-production meetings.

DOCBSAS/10: Proyecciones especiales

Del 15 al 24 de octubre de 2010

Proyecciones especiales. Quince títulos, la mayoría en estreno para América latina. Los films que integran esta sección son, claramente, en primer lugar, trabajos de grandes autores del cine contemporáneo. Pero además tienen su proa dirigida hacia los márgenes, intentando iluminar zonas opacadas o directamente negadas por el ruido mediático. Son trabajos que se resisten a ser encasillados, que eluden las categorizaciones fáciles, que se rigen por duraciones y formatos atípicos (hay largos y cortos, ensayos y registros directos, montajes de archivo y comedias absurdas). Pero finalmente todos ambicionan un poco lo mismo: remontar el curso de la Historia, buscar conexiones entre el pasado y el presente, restablecer al cine como herramienta del conocimiento.

Boxing Gym

ESTADOS UNIDOS, 2010, 91’

DIRECCIÓN Frederick Wiseman PRODUCCIÓN Frederick Wiseman IMAGEN John Davey MONTAJE Frederick Wiseman SONIDO Frederick Wiseman PRODUCIDA POR Zipporah Film.

Austin, Texas. El gimnasio de Lord fue fundado hace dieciséis años por Richard Lord, un ex boxeador profesional. Una gran variedad de personas de todas las edades, razas, etnias y clases sociales se entrenan en el gimnasio: hombres, mujeres, niños, doctores, abogados, jueces, empresarios y empresarias, inmigrantes, boxeadores profesionales y personas que quieren ser boxeadores profesionales, junto a aficionados que aman el deporte y adolescentes que están tratando de desarrollar fuerza y energía. El gimnasio es un ejemplo del “crisol” americano, donde la gente se encuentra, habla y entrena.

“La violencia humana en su casi infinita variedad de formas y consecuencias es un tema ligado a muchas de mis películas. (...) El deporte del boxeo es la expresión controlada de una forma de violencia. El boxeo es un deporte que exige una aplicación habilidosa del uso disciplinado de una violencia ritualizada como defensa personal, deporte (amateur o profesional) o algún otro aspecto de desarrollo personal como la fuerza o la imagen. El boxeo es complicado y está lleno de contradicciones. Puede ser sangriento, dañino y cruel, sin embargo requiere dedicación, disciplina, concentración, un trabajo extenuante, ética, sacrificio, condicionamiento y terribles exigencias al cuerpo y la mente”. (Frederick Wiseman).

El sicario, habitación 164

El sicario, Room 164

FRANCIA/ITALIA, 2010, 80’

DIRECCIÓN Gianfranco Rosi GUIÓN Gianfranco Rosi, Charles Bowden PRODUCCIÓN Gianfranco Rosi, Serge Lalou IMAGEN Gianfranco Rosi MONTAJE Jacopo Quadri SONIDO Dominique Vieillard MÚSICA Abraham Spector PRODUCIDA POR Robofilms, Les Films d'Ici.

Un asesino a sueldo se confiesa: mató a cientos de personas, es experto en tortura y secuestros y fue oficial de policía en el estado de Chihuahua, México. Incluso fue entrenado por el FBI. Vivió en Juárez y se movió libremente entre México y Estados Unidos. Hoy está huyendo y su cabeza tiene un precio: 250.000 dólares. Sin embargo está libre y nunca ha sido condenado. La película transcurre en un cuarto de motel, en la frontera entre México y Estados Unidos. El film está basado en el artículo “El Sicario”, escrito por Charles Borden y publicado en la revista Harper en 2009.

El hombre sin nombre

Man With No Name

CHINA, 2009, 97’

DIRECCIÓN Wang Bing GUIÓN Wang Bing PRODUCIDA POR Galerie Chantal Crousel.

La historia transcurre en las ruinas de una aldea desierta, rodeada de un antiguo muro, donde sólo vive un hombre de 40 años. No tiene nombre. Durante el día trabaja como un animal en las ruinas y a la noche duerme como un primitivo en una caverna. En el invierno sale temprano de la caverna y se va lejos, a campos desiertos, a buscar estiércol de vacas y ovejas para abonar su huerta. En primavera, las ruinas del pueblo están cubiertas de pasto, él cultiva su huerta y siembra. En verano recoge pequeñas piedras del pasto para construir su casa. En otoño cosecha. Obtiene su comida de su propia cosecha o de lo que encuentra en otras aldeas. Nunca dice una palabra. A veces se habla a sí mismo. A veces estalla en risas. El tazón, el barril de agua y otros objetos de la vida cotidiana son desechos industriales. Noche y día, mes y año, vive de esta manera hasta su muerte en la caverna, en las ruinas o en el campo.

“El personaje de esta historia vive alejado del mundo material y espiritual. Construyó sus propias condiciones de subsistencia. Pero un ser humano sigue siendo un ser humano. Busca razones para seguir viviendo”. (Wang Bing)

Corneille-Brecht ó “¡Roma, el único objeto de mi resentimiento!”

Corneille-Brecht ou “Rome, l’unique objet de mon ressentiment!”

FRANCIA, 2009, 78’ (26’ X 3)

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub PRODUCCIÓN Jean-Marie Straub IMAGEN Christophe Clavert SONIDO Christophe Clavert INTÉRPRETES Cornelia Geiser PRODUCIDA POR Straub-Huillet, Pierre Grise Productions.

Éstos son dos extractos breves de “Horacio” y “Otón” de Corneille,

y un largo extracto de “Das Verhör des Lukullus” (El proceso de Lucullus) de Bertold Brecht, una obra radiofónica de 1939. La película es un arreglo de cuentas con Roma y una deslumbrante propuesta de trabajo con los textos. Hay tres versiones del filme, que cuenta con tres ediciones distintas. Verlas juntas nos da la posibilidad de experimentar más intensamente lo que se puede producir con un texto extraño y familiar al mismo tiempo –es decir, sacándolo de su proximidad a lo familiar. Jean-Marie Straub ofrece una lección suprema del celebrado “efecto distancia” brechtiano, con Cornelia Geiser, una actriz franco-alemana que logra hacer resonar todas las voces de esta partitura.

Europa 2005 – 27 de octubre

Europa 2005 - 27 octobre

ITALIA, 2006, 11’

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub, Danièle Huillet PRODUCCIÓN Enrico Chezzi

En la noche del jueves 27 al viernes 28 de octubre se producen enfrentamientos particularmente violentos en los barrios de viviendas populares de Cliché-sous-Bois y de la ciudad vecina de Montfermeil en Seine-Saint-Denis. Grupos de jóvenes furiosos por la muerte de dos de sus amigos se enfrentan a los bomberos y a la policía. Luego de un robo, la policía interrogó a seis personas. Otras tres se ocultaron en un transformador eléctrico y se electrocutaron. Dos jóvenes franceses, de origen maliense y turco, mueren, y un tercero es internado en grave estado. Entonces los grupos atacan un cuartel de bomberos, incendian vehículos y apedrean edificios. La violencia se extiende hasta las dos de la mañana. Claude Dilain (PS) intendente de Cliché-sous-Bois asegura que los hechos no se deben a una degradación de su ciudad. (Le Monde, 29-10-2005).

Joachim Gatti

FRANCIA, 2009, 1’

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub.

Jean-Jacques Rousseau escribió: “Solamente los peligros de la entera sociedad perturban el sueño tranquilo del filósofo y lo arrancan de su cama. Pueden degollar impunemente a su prójimo bajo su ventana; le basta tapar los oídos con sus manos y argumentar un poco para evitar que la naturaleza que se subleva en él lo identifique con quien es asesinado. El hombre primitivo no tiene ese talento admirable, y como le falta sabiduría y razón siempre lo vemos entregarse aturdido al primer sentimiento de la humanidad. En los motines, en las peleas callejeras, el populacho se reúne y el hombre prudente se aleja: es la chusma, son las mujeres de los Halles que separan a los combatientes e impiden que las personas honestas se degüellen entre ellas”. Y yo, Straub, les digo: la policía armada por el capital es la que mata.

Texto de Jean-Jacques Rousseau: Extracto del Discurso sobre el origen y los fundamentos de la desigualdad entre los hombres, 1755.

O somma luce

FRANCIA, 2010, 18’

DIRECCIÓN Jean-Marie Straub PRODUCCIÓN Martine Marignac IMAGEN Renato Berta MONTAJE Jean-Marie Straub SONIDO Jean-Pierre Duret INTÉRPRETES Giorgio Passerone PRODUCIDA POR Straub-Huillet, Pierre Grise Productions.

“El fin del paraíso terrenal”. J.M.S.

Los versos del 33º y último canto del “Paraíso” de la Divina Comedia de Dante Alighieri. El filme comienza con el verso 67: “O somma luce...” y llega hasta el final. “O somma luce”, ese inicio del verso recuerda a Empédocles en La muerte de Empédocles, película de Danièle Huillet y Jean-Marie Straub de 1987, que dice: “O himmlisch Licht!” “¡O luz celeste!” Ese extracto del texto de Hölderlin también se encuentra inserto en Cézanne de 1989. “O somma luce...” remite a una utopía, otra vez u-topos. Dante, Hölderlin, Cézanne, el movimiento de la cámara, que recuerda a Sísifo, parece indicar la dificultad en las panorámicas de O somma luce. O somma luce es la primera película que Jean-Marie Straub filmó en HD.

Chef d'oeuvre?

FRANCIA, 2010, 13’

DIRECCIÓN Luc Moullet GUIÓN Luc Moullet PRODUCCIÓN Richard Copans IMAGEN Pierre Stoeber MONTAJE Anthony Verpoort SONIDO Julien Cloquet MÚSICA Patrice Moullet PRODUCIDA POR Les Films d'Ici, Centre Pompidou-Metz.

“No existe la definición de obra maestra ni denominador común para esos trabajos de excepción. Orson Welles y John Keats crearon su obra maestra a una edad en la que muchos todavía no han terminado la universidad. Manuel de Oliveira, Thomas Mann y Pablo Picasso terminaron algunas de sus obras maestras cuando tenían más de 80 años. Algunas son muy pequeñas, como la Gioconda, otras gigantescas, como el Palacio Ideal del Cartero Cheval, la Capilla Sixtina o Hitler de Syberberg. Sin embargo notamos que muchas conquistaron su fama varios años después de terminadas, y que es peligroso para el público sólo querer conocer obras maestras. En efecto, éstas sólo pueden ser definidas como tales luego de conocer el camino, con frecuencia caótico y largo y con muchos altibajos que llevó a los creadores a semejante perfección. Sin esa experiencia, el lector o el espectador pueden sentirse muy desconcertados. Yo traté, a través de la literatura, la pintura, el grabado, la escultura, la música, el cine (que es más mi campo y que en parte he privilegiado) de visitar ese panorama, sobrevolando rápidamente este reino de la excelencia”. (Luc Moullet).

Film producido por el Centro Pompidou-Metz en el marco de la exposición "Chef-d'ouvre?".

Siempre menos

Toujours moins

FRANCIA, 2010, 14’

DIRECCIÓN Luc Moullet GUIÓN Luc Moullet IMAGEN Pierre Stoeber MONTAJE Anthony Verpoort, Aurélie Valentin SONIDO Olivier Schwob INTÉRPRETES Marion Billy, Nicolette Picheral, Hugo Hernandez, Zoltan Jakubiak, Giacomo Abbruzzese, Balthazar Auxietre PRODUCIDA POR Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains, Les Films d'Ici.

“En 1993 yo había filmado Siempre más. Faltaba por lo tanto el complemento indispensable, Siempre menos, mi 40ª película. En catorce minutos evoca la evolución del incremento, de 1968 a 2010, de los dispositivos basados en la informática, robots, bornes y otros, que se encuentran en todos los ámbitos. El objetivo de nuestro sistema actual parece ser no emplear más que una sola persona por sector de actividad. Todavía no hemos llegado a eso pero estamos cerca. Un mundo esquizofrénico porque, al mismo tiempo, las empresas pagan el costo de estas supresiones de manera indirecta. Es que no se puede dejar en la calle a millones de seres humanos. Una constatación amarga y divertida al mismo tiempo: los medios de esta reducción perpetua son sorprendentes, cómicos”. (Luc Moullet).

Gauguin en Tahití y en las Marquesas

Gauguin à Tahiti et aux Marquises

FRANCIA, 2010, 66’

DIRECCIÓN Richard Dindo PRODUCCIÓN Serge Lalou, Richard Dindo PRODUCIDA POR Léa Produktion, Les films d'Ici.

Los últimos años de la vida de Paul Gauguin en Tahití y las Islas Marquesas. Un filme íntimo y poético, sin entrevistas, explicaciones o análisis que simplemente le permite al pintor hablar a través de sus libros y cartas y que, mediante sus cuadros, trata de lograr una profunda comprensión del regreso de Gauguin “a la naturaleza”, “al paraíso”, su “profética” huida de la industrialización capitalista que, en su opinión, destruiría al mundo.

Helsinki, para siempre

Helsinki, ikuisesti

FINLANDIA, 2008, 75’

DIRECCIÓN Peter von Bagh GUIÓN Peter von Bagh PRODUCCIÓN Jouko Aaltonen IMAGEN Pekka Aine, Felix Forsman, Pirjo Honkasalo, Timo Salminen MONTAJE Petteri Evilampi SONIDO Ilmo Lintonen MÚSICA Henrik Otto Donner PRODUCIDA POR Illume Ltd., The Finnish Film Foundation.

Helsinki, para siempre es un film de montaje sobre la ciudad de Helsinki del premiado director y académico finlandés Peter von Bagh. La película traza un retrato de Helsinki y también es un ensayo sobre la cultura finlandesa en un sentido más amplio. Muestra a Helsinki captada por importantes directores finlandeses de ficción y de documentales a lo largo de un período de cien años.

“Una hermosa sinfonía de ciudad, que también es una historia de Helsinki (y de Finlandia, de su cine y de su música popular), relatada con clips y cuadros por tres voces; cada voz recita lo que parece ser un estilo de discurso poético y ensayístico ligeramente distinto. En diferentes etapas nos presentan las mejores cámaras y los mejores musicales finlandeses; nos invitan a explorar distintos barrios y épocas (y a considerar contrastes en poblaciones e índices de divorcio), y finalmente nos obligan a admitir que de este país y de esta ciudad surgió una cantidad sorprendente de impactantes filmaciones”. (Jonathan Rosenbaum)

Berlin-Stettin

ALEMANIA, 2009, 110’

DIRECCIÓN Volker Koepp GUIÓN Volker Koepp IMAGEN Christian Lehmann, Thomas Plenert MONTAJE Beatrice Babin SONIDO Jens Pfuhler MÚSICA Rainer Böhm PRODUCIDA POR Vineta Film.

Berlin-Stettin. Entre estas dos ciudades se encuentran importantes escenarios de la vida y del cine de Volker Koepp, quien nació en 1944 en Stettin y creció en Berlin-Karlshorst. Aquí a menudo filmó y estuvo con gente cuyo concepto de patria estaba influenciado -como el suyo- por las corrientes de la historia: Segunda Guerra Mundial; expulsión, división y reunificación; emigración y recolonización; relación tensa con el país vecino, Polonia. En esta, probablemente su película más autobiográfica, Volker Koepp viaja entre Berlín y Stettin. Se encuentra con protagonistas de sus películas anteriores e incorpora a otros. La película evoca una región del Este de Alemania sin glorificar ni devaluar su pasado y nos enseña que vale la pena redescubrirla.

Canción de cuna

Wiegenlieder

ALEMANIA, 2010, 98’

DIRECCIÓN Johann Feindt, Tamara Trampe GUIÓN Johann Feindt, Tamara Trampe PRODUCCIÓN Thomas Kufus IMAGEN Johann Feindt, Jule Cramer MONTAJE Stephan Krumbiegel SONIDO Thomas Keller, Christian Lutz, Oliver Lumpe, Stefan Neuberger, Paul Oberle, Udo Radek, Patrick Veigel, André Zacher PRODUCIDA POR Zero one film, ZDF, Arte.

Las canciones de cuna son nuestro primer vínculo con el mundo, una experiencia universal que todos compartimos pero que sigue siendo profundamente personal. “¿Recuerdas una canción que su madre le cantaba para hacerlo dormir?”. Es la pregunta que Tamara Trampe y Johann Feindt hacen a las personas que encuentran en las calles de Berlín. Una pregunta simple. Algunos empiezan a cantar, otros sonríen, alguien empieza a llorar. El recuerdo de la madre, de la infancia, abre la puerta a las historias de la gente. Historias de cálido abrigo, de soledad y exclusión, de hogar y exterior. Fragmentos de melodías, unas pocas frases, una canción, a veces una historia completa de vida. Como las recurrentes burbujas de jabón bailando sobre la ciudad, la película flota a través de Berlín. Los relatos y canciones de la gente, su música a veces tierna y cautivante, otras insistente y expresiva grabados en las toscas imágenes de la metrópolis crean un poema fílmico y polifónico.

Guest

ESPAÑA, 2010, 124’

DIRECCIÓN José Luis Guerín PRODUCCIÓN Adrián Guerra, José Tito Martínez IMAGEN José Luis Guerín MONTAJE José Tito Martínez SONIDO Amanda Villavieja MÚSICA Gorka Benítez PRODUCIDA POR Versus Entertainment, Roxbury Pictures.

Durante la promoción de una película por diversos festivales del mundo, su director callejea con una pequeña cámara al encuentro de un motivo o personaje para su próxima obra. Con forma de diario de viajes, Guest presenta los registros tomados por este cineasta. Bajo el trenzado aparentemente azaroso de cada uno de estos apuntes late una película; la situación, el conflicto, el personaje que debería gestarla. “Lo observado” se manifiesta como estadio primero, esencial e inagotable del cine.

“Hay un trabajo de selección muy importante y algunas renuncias muy dolorosas: personajes extraordinarios que no consiguen cohesionarse con la estructura que vas creando. Yo he salido en cada ciudad al improviso, sin ideas predeterminadas pero con una predisposición a la revelación, a asistir a ella. Esa revelación puede venir de un vendedor ambulante, de un retratista callejero... Para hacer una película se necesita ese grado de tensión, de excitación, de que en tus soliloquios urbanos puedes encontrar a alguien que te dé una frase esencial, algo revelador". (José Luis Guerín).

Cuentos

Contes

FILIPINAS/FRANCIA, 2010, 21’

DIRECCIÓN Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion PRODUCCIÓN Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion INTÉRPRETES Saskia Gruyaert, Antoine Thirion.

Tras la muerte de su novio, una joven parte hacia el sur de la campiña francesa en busca de la naturaleza, las flores, los espíritus. Me fui para perderme y ellos están muertos. Entonces inicié un verdadero viaje, que ya casi acaba.

Las funciones se llevarán a cabo en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda.Corrientes 1530).