Dirty Projectors - Bitte Orca (2009)

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Brooklyn-based outfit Dirty Projectors have unveiled details of their forthcoming fifth longplayer. Entitled Bitte Orca, the album will be released by the band’s new label, domino, on June 9. Bitte Orca will be preceded by the single “Stillness is the Move,” which will be released on 12″, replete with Lucky Dragons remix, April 21.

Formed by Yale dropout Dave Longstreth in 2002, Dirty Projectors have grown into a unique musical hybrid; taking elements of classical and modern composition, radio-ready R&B production, West African guitar music, and prog-rock and fusing them into something singular, strange, and utterly compelling. On the last DP LP, 2007’s Rise Above, Longstreth “re-imagined” Black Flag’s 1981 punk landmark Damaged, radically recreating the songs to fit his half-dreamt remembrances of it.

Rise Above also found the once ever-changing outfit —whose membership has, over the years, included freak-folk songstress Larkin Grimm, and founding Vampire Weekend members Ezra Koenig and Rostam Batmaglij— settling on a solid four-man lineup. Bassist/vocalist Angel Deradoorian will continue the historical branching-off, though, releasing her debut solo EP, Mind Raft, under the name Deradoorian, on May 5.

This recent flurry of Dirty Projectors activity has also included their collaboration with legendary former Talking Heads frontman, David Byrne, “Knotty Pine,” which kicks off the almighty new Dark Was the Night compilation. Longstreth is also promising a record for his former label, Dead Oceans, before the year is out; making for an impossibly hectic 2009 for Dirty Projectors. altmusic

Algunas ideas y muy pocas conclusiones con respecto al BAFICI (Ultima parte)

De todos los campos de la crítica en la Argentina, al menos en los últimos quince, veinte años, la de cine fue siempre la que menos concesiones ha hecho a la industria. Sólo basta revisar las críticas musicales, las de teatro, las de televisión y, especialmente, las literarias, para notar que dentro del universo crítico, al menos en la Argentina, los que escribimos sobre cine siempre hemos mantenido una buena distancia respecto de los materiales sobre los que trabajamos y, en algunos casos, también de los creadores de dichos materiales.

Es cierto que, con el recambio generacional en ambos rubros (cineastas y críticos) se creó una serie de nexos y afinidades, relaciones establecidas, en principio, a partir de una serie de coincidencias estéticas que de alguna manera “hermanaban” en sus búsquedas a los cineastas y a los críticos. Esta relación no ha sido siempre feliz ni ideal. Tener una cierta amistad, conocimiento o al menos una buena relación entre críticos y cineastas (especialmente cuando en la Argentina, a diferencia de otros países del mundo, los mismos críticos somos periodistas, entrevistadores, redactores y en algunos casos también editores) ha hecho que muchas veces la zona de la crítica quede borroneada, o puesta en duda. Digámoslo de otro modo: "si van a tomar un café juntos, ¿cómo le va a escribir una crítica en contra?"

De hecho, una de las cosas que más nos molestaba a los críticos de la generación que empezó, como el Nuevo Cine Argentino, en los años 90, era que las relaciones de amistad entre los críticos y los cineastas que nos precedían generacionalmente, hacían que cualquier película argentina sea bien tratada en la prensa. Esto, da la impresión (al menos es lo que escucho en muchos lados) estaría sucediendo nuevamente. La relación entre críticos y cineastas forjada a lo largo de esta década y pico de renovación en el cine nacional impediría que nosotros (los críticos) seamos completamente honestos en nuestro trabajo.

Vayamos por partes. No se puede negar que en el pequeño micromundo que es el cine argentino nos conocemos casi todos. Pero a la vez, al menos hablo de mí, salvo con muy pocas excepciones, no me considero amigo de ningún realizador. Es decir –de vuelta, salvo dos o tres casos que luego nombraré-- nunca fui a cenar a la casa de ninguno, ni voy a sus cumpleaños, ni nos vamos de vacaciones juntos ni planeamos encontrarnos los fines de semana.

Sí, tenemos en muchos casos una buena relación, una cierta intimidad lograda a partir de años de cruzarnos aquí o allá (más en los viajes por festivales que en Buenos Aires), algo de confianza y ciertas afinidades. Pero amigos, no. Eximo de esto a un par porque los conozco hace años, desde antes de convertirse en cineastas, como Ezequiel Acuña o Juan Villegas, que era (es) crítico. Podría agregar a otro que "juega a dos puntas" como Paulo Pécora, colega de Télam y pequeño gran realizador.

Pero no me genera ningún inconveniente escribir una crítica mala sobre la película de un realizador que conozco. Obviamente seré todo lo cuidadoso que me sea posible ser (lo hago casi siempre) y explicar claramente los motivos de mi rechazo, pero no representa para mí un gran problema ni tengo necesidad de congraciarme con ellos, ni recibo prebendas de ningún tipo por tratarlos bien.

Sucede que, a diferencia de las películas de algunos cineastas de generaciones anteriores que recibían excelentes críticas cuando --al menos en nuestra opinión-- se trataban de títulos impresentables, no me cuesta defender los títulos de cine argentino que me parecen interesantes y que están hechos por realizadores que conozco. Me gustan la mayoría de las películas de Pablo Trapero, las de Lucrecia Martel, las de Lisandro Alonso, las de Martín Rejtman, las del "Taller Llinás" y las de la mayoría de los cineastas de la (ya no tan) nueva generación. No hay un "espíritu de cuerpo", no hay una "coalición" ni una "defensa corporativa". Simplemente son películas que --algunas más, algunas menos, otras pocas nada-- me interesan.

No veo que la relación entre cineastas y críticos tenga que ser de complicidad y complacencia. No creo que tengamos que aplaudir por aplaudir, para mantener viva la llama del Nuevo Cine Argentino. Si las películas fallan, esas fallas serán analizadas. Y si nos resultan aplaudibles, serán aplaudidas.

Tampoco creo que la relación entre cineastas y críticos tenga que ser de combate permanente. Especialmente si no existe una necesidad real o películas que lo motiven. Si a un crítico le parecen detestables, pongamos, "Castro" y "Todos mienten", que lo escriba, pero que no suponga que quien no comparte esa opinión es complaciente o cómplice de los directores en una mentira generalizada.

Respecto a lo escribió Mariano Llinás en el blog de Quintín, creo que da para una larga discusión y entiendo que este tipo de espacio no es el más adecuado para sostenerla. Llinás se despacha con una frase como para encender la polémica. Cito:

"En cuanto a la recurrencia a conceptos tales como “Factoría Llinás”, “Grupo Llinás” o el “Taller” recientemente acuñado, me limitaré a decir lo siguiente: Creo que restringir un cuerpo de películas y cineastas a la hipotética influencia de uno de sus integrantes, constituye no sólo un rasgo de pereza crítica sino una falta absoluta de respeto por esos cineastas y por esas películas. Quien crea que películas de la complejidad de “Castro” o “Todos mienten” pueden acotarse a unos supestos rasgos de estilo derivados de factorías o talleres, o a los designios de un quimérico mandamás (¡Dios mío, amigos, y ese Mandamás sería yo!) demuestra a mi criterio una incapacidad analítica lindante con la irresponsabilidad y la falta de ética."

Caramba! Si bien es cierto que ese tipo de reduccionismo (lo que Llinás llama "pereza") existe en la crítica desde hace tiempo, hay una lógica para que eso suceda. Se crean categorías un poco arbitrarias (el NCA, el NNCA, lo que sea...) con el objeto de reducir una serie de rasgos estéticos a unas categorías que sean algo más accesibles para el lector, de la misma manera que se crean otros motes (nuevo cine asiático, indie americano, postpunk, electro, nu-metal, lo que sea) para agrupar productos relativamente similares y ayudar al consumidor a ordenarse en un mundo lleno de opciones de consumo cultural.

Nadie dice con esto que todas las películas del NCA son iguales, ni que las del "Taller Llinás" sean iguales, ni que las bandas de "new wave" sean idénticas. Solamente se identifican rasgos en común. Y es innegable que, más allá de las obvias diferencias que existen en las películas que Llinás cita, hay también muchas similitudes, empezando por el elenco y pasando por un montón de referencias, modos del habla, cuestiones de puesta en escena, de tono y hasta de humor. Sí, claro que hay diferencias, y muchas. Pero digamos que cualquiera puede notar la evidente relación entre ambas si las compara, digamos, con el resto de las películas argentinas presentadas en el BAFICI.

Hablar de falta de ética de la crítica me parece muy poco atinado, por no decir una acusación burda y casi irresponsable. Si bien es cierto que el papel de Mariano Llinás como "quimérico mandamás" de este universo puede haberse exagerado un poco, también debería admitir que él mismo ha estado al pie del cañón, poniéndose al frente de las películas (especialmente "Castro", de la que es productor y coeditor) y cargándoselas al hombro para defenderlas. Es cierto que, acaso por su personalidad, verborragia y cierta fama, es utilizado como referencia más de lo que debería (yo escribí por allí que el nexo en común me parecía más Fillipelli que Llinás, y sé también que en el universo de "los chicos de la FUC" no todo es maravilloso ni son un club de boy-scouts en el que están todos unidos), pero son consecuencias con las que tendría que aprender a convivir. Nadie habla del "taller Mendilaharzu", por más que Agustín esté involucrado en casi todas las mismas películas. ¿Será porque tiene un perfil más bajo?

Creo ya que es hora de dejar que las emociones, exasperaciones, fastidios y apresuramientos del BAFICI den paso a un análisis más tranquilo y mesurado de lo que sucedió, de las películas que vimos y sacar, finalmente, algunas conclusiones algo más dignas que el cotorreo y el "Celebrity Death Match" en el que se ha convertido el mundo "blogger" estos últimos días. Con esto, creo, me despido del tema BAFICI por un buen rato.

Bah, al menos eso espero...

Hess Is More - Hits (2009)

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Hess is More is founded and directed by danish musician Mikkel Hess. Hess is More first and foremost represents the work of Mikkel Hess who througout the years has made music for films, theater and multimedia, including cooperations with the Royal Theatre, National Danish TV, The Danish Film School and a long list of danish and international production companies.

Mikkel Hess graduated from The Rhytmic Conservatory in the summer ‘02 with drums as his main instrument after studying with a.o. the legendary Ed Thigpen.

As a drummer and co-producer, Mikkel Hess can be heard on several albums including a.o. Luke: “Luke” (nominated at the Danish Music Awards as best new name ‘03) - Hess/ Potter/ Vincentz/ Teepe: “you should not do this if you are in a hurry” (with Jazzpar prize winner Chris Potter) - Hans Ulrik: “Jazz & Mambo” (recieved Grammy award ‘99 as best danish jazz album).

Mikkel Hess is a founding member of BoinkBox, a collaboration of creative, presenting clothes, music, films, graphics and more.

Los Campesinos: el 21/4 en La Trastienda (Buenos Aires)

Desde el Reino Unido llegan LOS CAMPESINOS, lo mejor del nuevo indie británico!

Martes 21 de Abril a las 21:00 hs.

La Trastienda Club

Entradas a la venta llamando a Ticketek al 5237-7200, en www.ticketek.com.ar, puntos de venta y en La Trastienda Club.

Para clientes del CITI hay un 15% de descuento y el 10% de descuento para socios del Club Personal.

"Será la más estruendosa explosión de adrenalina que vivirás este año..." All Music Guide

Una de las bandas más sorprendentes del momento visita Buenos Aires. Con 7 músicos en escena (guitarras, bajo, batería, teclados, violín) cautivan con un sonido INDIE bailable, fresco y atrevido. El público y la crítica mundial no han reservado alabanzas para su sonido y sentimiento:

"Los Campesinos!" es un septeto pop, formado por compañeros universitarios de Cardiff, Gales en 2006. Su particular estilo es conocido como "Twee Pop" o "Bubblegum Pop", un tipo de Indie-Pop caracterizado por letras y melodías dulces y simples, con guitarras melodiosas y tintineantes, y un notable énfasis en un aspecto de ingenuidad casi infantil.

El Reino Unido los considera la banda que mejor encapsuló y resumió las últimas 3 décadas de la influencia y participación del indie en la cultura popular. Su última producción: "We are Beautiful, We are Doomed" (2008) es, según Pitchfork Media, un caótico, glorioso, desordenado, y cohesivo documento artístico de la era internet/coffe/indie que encuentra su punto justo cuando se canta con corazón”. Su canción “You! Me! Dancing!” conquistó el número 1 del Top 25 de la prestigiosa publicación NME

Actualmente se encuentran realizando una gira por EE.UU. que tiene como punto destacado, la actuación en Abril ´09 en el mítico festival californiano “Coachella 2009”. Tan solo 3 días después de esa presentación, estarán entre nosotros en La Trastienda Club

Fechas de su gira latinoamericana:

Buenos Aires, Argentina (21.04)

Bogotá, Colombia (24.04)

Caracas, Venezuela (25.04)

Canciones recomendadas:

* You! Me! Dancing! (album Hold On Now, Youngster...)

* We Are Beautiful, We Are Doomed

* It Started With a Mixx

* Death To Los Campesinos

Algunas ideas y muy pocas conclusiones con respecto al BAFICI (Tercera parte)

Volviendo al BAFICI, me llama la atención la particular reacción que cada uno tiene de lo que escriben los demás. Quintín en su blog me acusa de "complaciente" con el cine argentino, algunos cineastas me acusan de todo lo contrario. No sé muy bien qué pensar de todo eso.

La "complacencia", sinceramente, no la veo. En mi lista de títulos más apreciados del BAFICI sólo figuran tres argentinas y debo haber visto quince. De hecho, hasta mi crítica de "Castro" en Clarín no fue del todo positiva, ya que en ese momento sentía que la película no lograba sostener el tono alocado durante todo el metraje y que se quedaba un poco girando sobre su propia premisa. Sigo pensando lo mismo --que hay fallas específicas, de escenas concretas, de situaciones--, pero no puedo negar que la propuesta de Alejo Moguillansky está a años luz de distancia de la mayoría de las películas argentinas que se vieron en BAFICI, a excepción de "Todos mienten" y "Excursiones".

Es cierto que casi ninguna me pareció abominable. Me gustó bastante "Bonus Track", de Raúl Perrone (no tanto "180°", aunque no está mal) y coincido con que la película de Pablo Agüero tiene momentos brillantes y otros (la voz en off, la zona onírica) incomprensibles. Me gustó mucho también la de Martín Rejtman y Federico León (y la de Mauro Andrizzi) y me resultaron pasables --con momentos interesantes y otros problemáticos-- "Tekton", "Cocina", "La madre", "Rosa Patria" y "8 semanas" (todas películas 6 puntos, por decir algo). El caso de "La risa" es muy particular: mientras la veía me parecía insoportable pero con el correr de los minutos me fue gustando cada vez más. Menos todavía me interesaron "Plan B" y "Nunca estuviste tan adorable". Y seguro me estoy olvidando de alguna (hay otras que no vi, como "El último verano de la Boyita", la de Jorge Polaco, etc.)

Mi sensación es que salvo las tres (o cuatro) citadas, la mayor parte de las películas argentinas tuvieron un nivel aceptable, aunque con muchas sentí que eran "menos de lo mismo". Es por eso que me alteran un poco las acusaciones a "Castro" o "Todos mienten". Entiendo de donde viene ese resentimiento con la FUC, lo que no me queda claro es porque lo que el año pasado era maravilloso --"El hombre robado", "Como estar muerto/Cómo estar muerto", "Historias extraordinarias"--, en sus nuevos exponentes pasó a ser despreciable. La idea de que hay un sistema que se repite y reitera puede ser interesante de analizar más a fondo, pero también siento que hay ahí una necesidad de "pegarle al consagrado", que las películas sólo son defendibles cuando nadie las defiende y que apenas se logra un cierto consenso crítico, es hora de bajarles los humos a los cineastas. Y es un caso que se reitera desde hace años.

El único que por motivos que desconozco ha logrado mantener respeto crítico afuera y adentro, consgaración mundial y aplauso local, es Lisandro Alonso. Los demás --nómbrenlos, no se salva ninguno-- son vapuleados apenas alcanzan un cierto respeto y consagración, digamos, oficial.

Pensando en el terreno internacional, la cosa es bastante similar. No me mueven un pelo "Hunger", ni "Tony Manero", ni "Derriere moi", ni "Marz" ni "The Blessing", ni "Un amor de perdicion" ni "El brau blau" ni "The Pleasure of Being Robbed" (digo, no creo que sean horribles, sólo que no me interesan demasiado) y ni hablar de "La teta asustada", que acabo de ver. Sí me interesaron en la competencia. "Aquele querido mes de agosto", "Everyone Else", "Treeless mountain" y un poco menos "Daytime Drinking" y "Parque Vía". Y hay varias de las competencias internacionales que no vi, por lo cual estoy seguro que la lista crecería. Y mucho...

Creo que, de cualquier manera, es el estado del cine del mundo. O, por ponerlo de otro modo: el estado del cine del mundo cuando uno lleva ya casi quince años dando vueltas por festivales. Las tendencias se repiten, las modas pasan, muchos realizadores pierden el rumbo y todo huele un poco a "esto ya lo vi". Por eso me atrae discutir y analizar las películas de "los chicos de la FUC". Si bien tienen deudas claras y evidentes con el pasado, las combinaciones y los aportes propios son innovadores e interesantes.

En este universo blogger regido por la dictadura virulenta de los "comments", prefiero que me tilden de antiguo y respetar más el análisis que las agresiones personales y las chicanas entre personas que firman con apodos. Ya volveré sobre las películas de la FUC y sobre la supuesta rivalidad entre críticos y cineastas. Ahora empiezan los partidos de la Champions...

Circus Devils - Gringo (2009)

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The critical community seems to lock in on specific characteristics of some artists with a high degree of uniformity. For some musicians, there’s a certain level of consistency across reviews of their work; people seem unable to write about them without mentioning the trait that seems to define the work. Nobody writes about Pete Doherty without mentioning that he’s a bit of a fuck-up. Nobody writes about the Yeah Yeah Yeahs without mentioning their incendiary live act. Nobody writes about TV on the Radio without insinuating that they’re significantly smarter than the rest of us. For Robert Pollard, the easy descriptor that everybody resorts to is that he’s uber-prolific. (I’m as guilty of that as anybody; when I reviewed the last Boston Spaceships album, I threw a paragraph at the number of records Pollard’s released in the last twelve months.) Maybe this analytical laziness has a legitimate base; maybe Pete Doherty’s records aren’t compelling without his battles with drugs and Yeah Yeah Yeah’s wouldn’t be worth writing about if she didn’t choke on a microphone now and again and TVOTR would suck if they didn’t read books or whatever. For Pollard, however, I’d argue that the prolific tag is, perhaps, misguided and reductive. If, say, 311 put out five albums a year, their output would be the only issue worth noting, as they’d probably just make the same record five times. For Pollard, however, the massive amount of material he pumps out is wildly diverse and consistently interesting. Barring his distinct voice, the new Circus Devils record sounds very little like the most recent Boston Spaceships record. Pollard has things to say and music to make. As listeners, we’re lucky that he makes as much of it as he does.

Circus Devils is the longest running Pollard project since the demise of Guided By Voices. Composed of Pollard and the multi-instrumental Tobias brothers, Todd and Tim, the Circus Devils’ previous six records have often been a repository for some of the farther-out, more experimental pieces in the Pollard catalog. (Check out “The Girls Will Make it Happen” from 2008’s Ataxia, via the Circus Devils website for a ten minutes of some lovely, spaced-out weirdness.) When Todd Tobias passed along a digital copy of Gringo to Citizen Dick world headquarters, he wrote that it was accessible and acoustic, “a first on both counts for Circus Devils.” Dude was right. There are a slew of tracks on Gringo that are insanely catchy. There’s still a dark undercurrent and the more straightforward rock edge of Boston Spaceships isn’t present, but songs like “Hot Water Wine” and “In Your Hour of Rescue” are “accesible” to the point of being damn near sing-a-longs. While listener-friendly, both still have an edge of the subversive to them, in the mid-song breakdown that leads into the dirge-like conclusion of the first and in the off-kilter multi-tracking of Pollard’s voice in the second. While those songs and others point to a more mainstream ethos, tracks like “Monky Head” and, to a lesser degree, “Ants” keep the weirdness intact. You’re not going to see Circus Devils on an NBC sitcom soon, but you could probably play a few of these at your company’s Christmas party without getting sideways looks.

Circus Devils’ website refers to Gringo as a song-cycle, detailing the life and times of the Gringo. This, to me, implies a narrative arc across the record, but it’s loosely defined. Many of the songs are sung in the first-person, so one could assume that most are from the point-of-view of the Gringo, but, as a listener, individual songs and lyrics jumped out at me more than a more cohesive story. If the Gringo has a story, it’s one that emerges from the record in the form of briefly glimpsed fragments and evocative moods. The decidedly upbeat “Before it Walks” has the narrator saying “I didn’t see nobody, I couldn’t finger anyone.” The minor-key stomp “Arizona Blacktop Company” describes a man who “calls himself Tex, but can’t have a drink with his boys” and the narrator in “In Your Hour of Rescue” declares that “I’m sober now, in my head.” Lyrics like this sketch a picture of a character with a shady past and an uncertain future, but it’s not as prescriptive as, say, Tommy. This also might vary from listener to listener. Kevin, for instance, is more likely to pick up on broad themes than I am (see his review of Benjy Ferree), but it’s a testament to the quality of the record that the songs stand up without requiring any connection amongst them. As a listener, I feel like there’s some grander meaning lurking beneath the surface, which is a compelling reason to re-listen.

The two songs below are indicative of the album’s ability to shift moods radically while maintaining a recognizable and consistent underlying sound. “Ships From Prison to Prison” is a contemplative, quiet acoustic ballad, seeming to focus lyrically on the mutable nature of existence. “Every Moment Flame On” is more anthemic, with a shuffling drum beat behind a shimmering, soaring chorus. This tonal shifting is all over the record, from the angry intensity of “Bad Baby Blue” to the zoned-out, near drone of “Stars on All Night.” While the acoustic guitar, as promised by Tobias, is omnipresent on the record there’s no stagnation or complacency. There are also some electrified moments which keep things fresh, notably the dirty, half funk riff of “The Gasoline Drinkers.” There’s enough sonic diversity here to keep listeners engaged, while hewing to a certain consistency of vibe.

We’re sure that Robert Pollard is going to have another album coming out soon. As long as he continues to produce high quality records, like Gringo, we’ll comment on them. Next time, I promise, I won’t say how many records he’s released or songs he’s written; I’m turning over a new leaf. In the meantime, snag this newest effort from Circus Devils when it drops on April 14th and soak in the rock genius of one of our favorite fellow Ohioans.
citizendick

Carta desde Buenos Aires (Lumière)

"Castro", de Alejo Moguillansky

Unas semanas antes del BAFICI, el colega y buen amigo serbio-catalán, Stefan Ivancic, me pidió un texto sobre Cine Argentino para el primer número del website Lumière, del que es redactor jefe. Sin saber ni intuir que el BAFICI iba a convertirse en el terreno de consagración y debate (¿el comienzo del "backlash", como dicen los americanos?) del fenómeno de los "chicos de la FUC", escribí algo que se centraba bastante en eso. Y ahora vi que ya está online.

Así visitan su sitio y ven los otros buenos textos que hay allí también (no el mío, que lo escribí en mis vacaciones y no en las mejores condiciones), les dejo directamente el link aquí para que lo visiten. Y después, si quieren, me cuentan. O le cuentan a él...

Les dejo acá un parrafito, de aperitivo:

"Lo que diferencia a este Nuevo Nuevo Cine (como algunos gustan llamarlo) está dado en su recuperación por el diálogo (obtuso, pero diálogo al fin), su mayor relación con la escena del teatro off e independiente (frente al uso de actores no profesionales de muchos de sus predecesores), su deuda más clara con la estética de cineastas como Godard o Rivette (la línea más dura de la Nouvelle Vague), sus juguetonas referencias históricas y literarias, y sus universos urbanos (la ciudad de Buenos Aires es un tema central de las películas de la «Escuela Fillipelli»), filmados preferentemente en blanco y negro."

Algunas ideas y muy pocas conclusiones con respecto al BAFICI (Segunda parte)

Siguiendo con el BAFICI --antes me desvié, acaso demasiado, para hablar de "los chicos de la FUC", pueden leer una entrevista a Moguillansky y Piñeiro aquí--, van otras impresiones sueltas.

-Coincido con los muchos que dicen que la competencia, así como está, no tiene demasiado sentido. "Parque Vía", "Hunger", "Tony Manero", "Aquel querido mes de agosto", "Everyone Else", por citar sólo algunas, son películas que tendrían que pasarse en un Panorama y no en una competencia que las pone frente a filmes nacionales de tan promocionado Estreno Mundial. De hecho, parece que han tenido que inventar un premio a la mejor película argentina en la competencia internacional para salvar este bache. No porque estas películas citadas tengan un certificado de obra maestra (la recepción local a casi todas ellas fue mixta), pero tienen un recorrido internacional grande, que las transforma en lugares comunes de una competencia. Es cierto que el BAFICI casi siempre hizo esto (de los tiempos de los premios a Apichatpong...), pero siento que el festival ya está a la altura de sentarse a discutir mano a mano con otros grandes eventos mundiales y una competencia tan "parasitaria" lo termina haciendo bajar un escalón. No intento decir que hay que pelear estrenos mundiales con Locarno o Rotterdam, pero sí apostar a más descubrimientos y no cerrar (prometer) lugares en competencia un año antes para asegurarse películas.

-Analizar el nivel de lo visto siempre es una apreciación muy personal. No sólo por que lo que opinamos de cada película puede llegar a ser muy diferente, sino --y fundamentalmente--, por las películas que vemos. Habiendo casi 300 programas (largos, medios o bloques de cortos), creo haber visto unas 110 películas (no me miren raro, no fue durante el BAFICI, son películas vistas a lo largo del año y pico más algunos clásicos que ya había visto) y mi experiencia con esa amplia muestra es más que positiva. Más allá de un par de "clavos" o películas no demasiado trascendentes, creo que en el BAFICI estuvo casi todo lo que tenía que estar. Sí, faltaron algunas películas, pero no tiene sentido entrar en eso... La programación sigue siendo la carta fuerte del festival.

-Ahora que me acuerdo: ¿yo lo soñé o en algún momento leí que se iba a dar "Unmade Beds", de Alexis dos Santos? Si era asi, ¿qué pasó? ¿O se dio y ni me enteré?

-La respuesta del público sigue siendo --cómo decirlo-- emocionante. Es increíble ver las salas llenas para ver la primera película de Kelly Reichardt o un mediometraje de Jean Eustache. Ya ni me interesan saber ni discutir los motivos --snobismo cultural, la moda, el ver y ser visto, real interés en el estado del cine del mundo, lo que sea--, sigue siendo un gran logro. Los que vienen de afuera lo agradecen, incrédulos.

-Siguiendo con los que vienen de afuera (ellos no lo van a decir porque son elegantes y les parece berreta quejarse públicamente de este tipo de cosas), pero lo cierto es que muchos sintieron que el festival no se ocupaba demasiado bien de los invitados. Tal vez porque ya habían venido, o tal vez porque el BAFICI se ganó la fama de ser un evento en el que las visitas son tratadas a cuerpo de rey (cenas, fiestas, transportes, asistentes, etc etc), pero varios farfullaban por tener que pagarse de su propio bolsillo prácticamente todo: desde los taxis y las comidas de las reuniones de jurados hasta las bebidas en las fiestas. Es cierto que hubo un recorte presupuestario y es también cierto que antes se los mimaba probablemente en demasía, pero hay que admitir que la fama del BAFICI en el mundo está relacionada con su gran programación, sí, pero también por ser un lugar donde los invitados de afuera lo pasan muy bien y son tratados como en pocos lugares. Más allá de las explicaciones, sería bueno no perder esto. Digo, aunque sea tírenles unos vouchers para el Patio de Comidas, que no todos los cineastas extranjeros nadan en dinero...

-Siguiendo el orden alfabético del website del BAFICI aqui va una lista de las mejores películas que vi.

-16memorias, de Camilo Botero Jaramillo
-35 rhums, de Claire Denis
-Aquiles y la tortuga, de Takeshi Kitano
-Afterschool, de Antonio Campos
-Alicia en las ciudades, de Wim Wenders (je!)
-Aquele querido mes de agosto, de Miguel Gomes
-Bagatela, de Jorge Caballero
-Boogie, de Radu Muntean
-Castro, de Alejo Moguillansky
-El cant dels ocells, de Albert Serra
-Everyone Else, de Maren Ade
-Excursiones, de Ezequiel Acuña
-Four Nights with Anna, de Jerzy Skolimovski
-Iraqi Short Films, de Mauro Andrizzi
-Jerichow, de Christian Petzold
-La frontera del alba, de Philippe Garrel
-La madre y la puta, de Jean Eustache (doble je!)
-La vie moderne, de Raymond Depardon
-Los amores de Astrea y Celadon, de Eric Rohmer
-Los rubios, de Albertina Carri (...)
-Mes petites amoureuses, de Jean Eustache
-Monsieur Verdoux, de Charles Chaplin...
-Ne touchez pas la hache, de Jacques Rivette
-Old Joy, de Kelly Reichardt
-Shara, de Naomi Kawase...
-Sita Sings the Blues, de Nina Paley
-Solaris, de Andrei Tarkovsky...
-Todos mienten, de Matías Piñeiro
-Treeless mountain, de So Yong-kim
-Tres es multitud (Rushmore), de Wes Anderson ...
-Un conte de Noël, de Arnaud Desplechin
-Wendy & Lucy, de Kelly Reichardt

-Veo que sólo ocho películas de todas estas las vi durante el BAFICI. Y si mal no hice las cuentas vi algo asi como 36 en las salas. No es que las otras hayan estado del todo mal, sólo que no me queda un recuerdo lo suficientemente importante de ellas como para incluirlas en esta lista.

-Películas que me perdí: las de James Benning, la de Catherine Breillat, la de Manoel de Oliveira, la de Kiarostami, "Teza", "Soul Power" y muchas cosas de retrospectivas y Cine del Futuro que no alcancé a ver.

-El tema Abasto vs. Espacio BAFICI. No es ridículo ni descabellado el intento de mover el punto de encuentro a Guardia Vieja. El problema es que la costumbre de encontrarse en el medio del Abasto era muy cómoda y conveniente --especialmente si tenías media hora o menos entre películas-- y todos estábamos acostumbrados a hacerlo así. La idea del Espacio BAFICI tiene su lógica (no es el único festival en el que hay que mover un poco el trasero para encontrarse, asi que no es necesario quejarse por quejarse), pero el problema finalmente fue otro: en el Espacio BAFICI no había donde encontrarse porque si te sentabas en una mesa del primer piso (el café del lugar) te empezaba una charla que te obligaba a participar o irte. ¿A nadie se le ocurrió que poner un café en el lugar donde se hacen las conferencias era un poco absurdo? Insisto, todo bien con que exista un Espacio BAFICI, pero habría que repensarlo un poco...

Sigo en la próxima...

St. Vincent - Actor (2009)

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The former Polyphonic Spree/Sufjan Stevens noisemaker’s follow-up to 2007’s Marry Me (oh Maeby Fünke!) was co-produced with Clark and John Congleton (Modest Mouse, The Thermals, Polyphonic Spree). The multi-instrumentalist wrote/arranged Actor’s 11 songs and sings, plays guitar, bass, and keys, but took on some additional players like Hideaki Aomori (Sufjan Stevens), Alex Sopp (Björk, Philip Glass), and maximized the rhythm section with Midlake’s McKenzie Smith and Paul Alexander. After throwing in some French horn, violin, and sarongi, Clark’s “Technicolor animatronic ride” description is wholly apt. She was also inspired by Pierrot le Fou, Badlands, Picnic at Hanging Rock, and Disney scores for Sleeping Beauty, Snow White, Beauty and the Beast, and The Lady and the Tramp.

Algunas ideas y muy pocas conclusiones con respecto al BAFICI (Primera parte)

Terminó el BAFICI. Por fin. Las pocas neuronas que me quedan están tratando de ser reanimadas en una terapia intensiva que incluye sólo escuchar música clásica (si es posible, sacra) durante unas semanas, no ver otra cosa que eventos deportivos por televisión, tratar de volver a comer algo cocinado por seres humanos y organizarme lo suficiente como para, por lo menos, evitar que me corten la luz que me olvidé de pagar.

Terminó el BAFICI y ni tiempo tuve de hacer listados, balances, análisis complejos ni nada por el estilo. Vengo escuchando todo tipo de comentarios desde que empezó el festival y trato de digerirlos y de combinarlos con mi propia experiencia "bafícica". Y, sinceramente, creo que no logro llegar a ninguna conclusión de esas puras y duras que suelen ser útiles para este tipo de balances. De esas como "Es la mejor edición de su historia", "o la peor", o "la más organizada", o "la menos".

Así que intentaré acercarme a lo que fue el BAFICI de un modo, digamos, impresionista, a la manera de apuntes mentales tomados a lo largo de muchos días y otras tantas noches del festival. Veamos adonde me lleva todo esto.

-La premiación fue casi irreprochable. Ganaron las mejores películas en la competencia internacional y la nacional. Vi muy poco de Cine del Futuro así que no puedo opinar al respecto. Sé que muchos critican la inclusión de "Gasolina" tan alto en el palmarés internacional, pero no la vi, asi que me reservo la opinión. El combo Gomes, Ade y Piñeiro es una buena síntesis de esa competencia. En la Argentina, "Castro" fue por lejos la mejor película, y siento que las de Agüero y Loza merecen estar allí tanto como cualquier otra. Mi sensación es que en esa competencia, salvo la película de Moguillansky, casi todas las demás están en igualdad de condiciones. Me gustan (no del todo), me resultan desparejas, tienen grandes momentos y otros no tanto. En suma, todas podrían recibir un calificativo de "Aceptable". Aunque no sé si eso es bueno o malo.

-Este triunfo y puesta en primer plano del universo de la FUC, con los debates y discusiones que ha traido, me resulta gratificante. Se pueden hacer análisis muy sólidos --tanto a favor como en contra-- del despegue definitivo de este grupo de cineastas que ya excede el facilista comentario de "herederos de Llinás" (de hecho, "herederos de Fillipelli" resultaría más apropiado, con su evidente conexión en el filme "A propósito de Buenos Aires"). Me interesa --mucho-- lo que hacen, me resulta provocativo y si bien reconozco sus variadas deudas (con la Nouvelle Vague, con el Teatro del Absurdo, etc, etc) no veo porqué eso debería quitarles méritos. Creo que las discusiones más interesantes que aportan películas como "Castro" y "Todos mienten" tienen que ver con la relación entre cine y teatro, o cine y literatura (algo que poco y nada entraba en el discurso del primer Nuevo Cine Argentino), y también en el concepto de la puesta en escena, como el trabajo sobre el plano secuencia, muy diferente --obviamente-- a lo que estamos acostumbrados en el nuevo cine criollo.

-Siguiendo con el "tema FUC", hay una serie de apreciaciones que me parecen descabelladas. Por un lado, el tema del "hermetismo" de las películas. Entendería esa calificación viniendo de parte de la crítica y el público que jamás apoyó las expresiones más radicales, si se quiere, del nuevo cine argentino. Pero no lo comprendo de parte de la crítica más abierta a propuestas de riesgo. "De fricción", como le gusta decir a Piñeiro. El filme de Piñeiro puede ser "hermético" para un espectador extranjero que desconoce todo sobre la historia argentina, pero no veo que los críticos locales tachen de herméticos a Straub/Huillet o al tan mencionado dúo Godard/Rivette cuando alaban sus películas. Sí, pueden ser cerradas. Sí, pueden ser difíciles. Pero no encuentro el problema en eso.

-Por ahí leía otra acusación fascinante: "cine concheto". Me supera, realmente. Digamos que el 90% de los cineastas argentinos son de clase media, media alta (o alta, en algunos casos). Son pocas las excepciones. Muchos fueron a la FUC (anteriores camadas o ésta) y pagaron sus costosos cursos. No veo la diferencia entre Alonso, Villegas, Murga o Trapero, con Piñeiro, Ferrari, Moguillansky o el propio Llinás. Hay algo que me supera en esa acusación: ¿en qué los transforma el hecho que sean rubios, carilindos y, por no encontrar otro término, "cultos" (no todos son rubios ni carilindos, aclaro...)? ¿En Barney Finn? A comparación con el resto de América latina, es muy claro que en la Argentina se encuentran muchos más cineastas, digamos, de "la burguesía" que en países como Brasil, Chile o México en las que quien no es hijo de banquero es pariente de diplomático o heredero de fortunas familiares. Pere Portabella, heredero --si mal no recuerdo-- de Danone España, ¿es un cineasta concheto? ("pijo", dirían los españoles; "fresa", los mexicanos). Alguien que me explique...

-De todos los debates suscitados por "los chicos de la FUC" el que más me interesa es el de la relación entre el cine y el teatro. Es evidente la influencia en estas películas del teatro off porteño. No sólo los actores, sino los ritmos, los modos del habla, la circulación de los cuerpos en el espacio. Muchas cosas remiten a cierto teatro local. En general, los críticos de cine argentinos hemos sido despreciativos o, por lo menos, ignorantes de lo que sucede en el teatro. Yo lo fui durante mucho tiempo y sigo creyendo que las relaciones entre cine y teatro son siempre ásperas, dificultosas. Pero estas películas plantean interrogantes nuevos y no ya la archiconocida crítica a la "actuación teatral" en el cine (vean para eso los análisis del profesor de teatro protagonista del filme de Rejtman/León). Traen del teatro, pero también del propio Rejtman, una afectación que a muchos colegas les resulta irritante, que los desacomoda. Para mí depende mucho de cada caso. Siendo películas "tonales" (todo en "Castro" y "Todos mienten" responde a un ritmo interno específico y de construcción formal muy elaborada), la sensación es que hay actores (y actuaciones) que funcionan mejor que otras.

-Pero, de cualquier manera, me parece que más allá de celebrar o atacar cada estilo actoral, la influencia del teatro en el cine propone otros debates: la sumisión de la imagen a la palabra, la construcción del espacio cinematográfico en relación al teatral, la sensación de "aprisionamiento" que puede afectar a los filmes (la idea de que todo es un armado de relojería que no da pie a la libertad). En ese sentido, las dos películas son muy distintas entre sí: "Todos mienten" transcurre en una casa y "Castro" en todas partes. Cada una construye esa relación de una manera diferente.

-Pariente de estas películas es "Excursiones", de Ezequiel Acuña. También hay allí una relación entre lo teatral y lo cinematográfico (no sólo en la forma sino en la trama misma de la película), pero el estilo de Acuña resulta menos áspero a los hábitos cinéfilos. Allí hay un mundo reconocible (el del autor) y unas referencias cinematográficas ineludibles y, si se quiere, más clásicas. Acuña logra una síntesis más familiar, más propia de un guión armadito en la que "el sistema" apreta pero no ahorca. Sí, por momentos parecen rutinas de "stand up" las de los amigos que la protagonizan, pero Acuña las resuelve de manera muy divertida, y no veo cuál es el problema en esa habilidad para el diálogo preciso y gracioso. Algo que muy pocas veces sale bien en el cine argentino.

Fin de la primera etapa. Después sigo...

Patrick Watson - Wooden Arms (2009)

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Written during a Montreal winter and recorded in Montreal and Iceland, Patrick Watson's 'Wooden Arms' cements him in the territory between serious composer and indie pop artist, with stage charisma to spare. Watson produced the album with his band, bassist Mishka Stein, drummer Robbie Kuster, and guitarist Simon Angell. Secret City Records will release 'Wooden Arms' on May 5 in the U.S.

BAFICI: Todos los ganadores

Premiación Oficial del 11º BAFICI, organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires

Nos complace anunciar a los ganadores del 11º BAFICI:
· FEISAL - Mención a GABRIEL MASCARO por Um lugar ao sol (Brasil)
- Premio a PABLO LARRAÍN por Tony Manero (Chile)

Premio Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos- Premio para MARIANO DONOSO por Tekton (Argentina)

Premio ADF
- Premio a SEAN BOBBITT por su trabajo en Hunger (Reino Unido)
Premio SIGNIS
- Premio al film BREATHLESS, de Yang Ik-june (Corea del Sur)

Premio FIPRESCI
- Premio a EVERYONE ELSE, de Maren Ade (Alemania)
Competencia Derechos Humanos - Mención para NoBody’s PERFECT, de Niko Von Glasow (Alemania)
- Mención para LA MÈRE, de Antoine Cattin y Pavel Kostomarov (Suiza y Rusia)
- Mención para LA FORTERESSE, de Fernand Melgar (Suiza)
- Mejor película BAGATELA, de Jorge Caballero (Colombia)


Cine del Futuro
- Mención para FILMEFOBIA, de Kiko Goifman (Brasil)
- Mejor Película auspiciado por I.SAT para LA NEIGE AU VILLAGE, de Martin Rit (Francia)

Competencia Oficial de Cortometrajes- Mejor Cortometraje auspiciado por CIEVYC para PEHUAJÓ, de Catalina Marín (Argentina-Uruguay)
- Mejor Cortometraje auspiciado por CIEVYC para YO, NATALIA, de Guillermina Pico (Argentina)
- Mejor Cortometraje auspiciado por Kodak para SILENCIO EN LA SALA, de Felipe Gálvez Haberle (Argentina)

Selección Oficial Argentina- Distinción Mejor Fotografía auspiciado por KODAK para GUSTAVO BIAZZI por la película CASTRO
- Premio Especial del Jurado auspiciado por CINECOLOR y KODAK para ROSA PATRIA, de Santiago Loza

- Premio Mejor Director auspiciado por Alta Definición Argentina - Metrovisión y Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias para Pablo Agüero por 77 DORONSHIP
-Premio Mejor Película auspiciado por el Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias y Hoyts para CASTRO de Alejo Moguillansky

Selección Oficial Internacional
- Mención Especial del Jurado para TODOS MIENTEN, de Matías Piñeiro (Argentina)



- Distinción a Mejor Película Argentina auspiciado por FUJI para TODOS MIENTEN, de Matías Piñeiro (Argentina)- Mejor Actor para ALFREDO CASTRO, por Tony Manero (Pablo Larraín, Chile)
- Mejor Actriz para MARÍA DINULESCU, por Hooked (Adrian Sitaru, Rumania)
- Premio Especial del Jurado para GASOLINA, de Julio Hernández Cordón (Guatemala)
- Mejor Director para MAREN ADE, por Everyone Else (Alemania)
- Mejor Película auspiciado por Z Films y Hoyts Abasto para AQUELE QUERIDO MÊS DE AGOSTO, de Miguel Gomes (Portugal)

BAFICI: los ganadores principales

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Mejor película: "Aquele querido mes de agosto", de Miguel Gomes (Portugal)
Mejor director: Maren Ade, por "Everyone Else" (Alemania)
Premio Especial del Jurado: "Gasolina", de Julio Hernández Cordòn (Guatemala)
Mejor película argentina: "Todos mienten", de Matías Piñeiro
Mejor actor: Alfredo Castro, por "Tony Manero", de Pablo Larraín (Chile)
Mejor actriz: María Dinulescu, por "Hooked", de Adrian Sitaru (Rumania)
Mención Especial del Jurado: "Todos mienten", de Matías Piñeiro (Argentina)

COMPETENCIA ARGENTINA
Mejor película: "Castro", de Alejo Moguillansky
Mejor director: Pablo Agüero, por "77 Doronship"
Premio Especial del Jurado: "Rosa Patria", de Santiago Loza
Mejor fotografía: Gustavo Biazzi, por "Castro"

Contento por los premios. Salvo algunas excepciones, son las películas que más me gustaron del festival. Mañana, con algo más de tiempo, haré un análisis más exhaustivo...

BAFICI: Balance de cine argentino

Es habitual que haya que cortar notas para que entren en los espacios del diario en el que escribo. Pero ayer fue bastante más importante el recorte que lo acostumbrado. Asi que aquí va la nota completa, original, probablemente un 50% más larga de lo que se publicó. Cosas que pasan...

De las cuatro mejores películas argentinas vistas en BAFICI –“Todos mienten”, de Matías Piñeiro; “Excursiones”, de Ezequiel Acuña; “Iraqi Short Films”, de Mauro Andrizzi y “Castro”, de Alejo Moguillansky--, sólo una pertenece a la Competencia nacional. Desparramado en varias secciones, el cine argentino 2009 ofreció pocas sorpresas, pero una innegable solidez. Solidez que no es técnica ni debe ser confundida con corrección. Al contrario, dentro de un cine cada vez más difícil de agrupar estéticamente, lo que se destaca es un nivel promedio que siempre ronda o supera lo aceptable. Uno sabe que, al ver una película argentina en el BAFICI raramente se topará con algo impresentable.

Si hubo algunas tendencias, la principal podría ser el surgimiento ya a pleno de la nueva generación de cineastas de la Universidad del Cine, apostando cada vez más a un estilo que presenta una serie de paradojas: si bien se las puede acusar de herméticas y literarias, son las películas más lúdicas, divertidas y visualmente creativas del cine nacional. Con la referencia ineludible de Mariano Llinás (coproductor de ambas y cuya “Historias extraordinarias” se ha transformado en su “Ciudadano” por sus variadas influencias), los filmes de Piñeiro y Moguillansky funcionan dentro de un universo de citas, pero hacen con ellas algo original, al punto de crear un mundo paralelo de actores, de formas del habla y de excelencia de puesta en escena.

Pero cada una se distingue por méritos propios y una voz específica. El primero continúa con la temática de “El hombre robado”: apropiarse generacionalmente de la historia política y literaria argentina del siglo XIX de manera juguetona, transformando a unitarios y federales en temas propios de enredos románticos. Dentro de un estilo que deja ver influencias de cierto cine francés de los 60, la maestría visual de la película –tal vez el mejor uso del plano secuencia en el cine argentino reciente—sorprende y marca un salto de calidad respecto al primer filme. En el filme de Moguillansky –editor de muchas películas de la FUC — reaparece la influencia de Godard y Rivette, y la idea de que cada plano es un trabajo casi coreográfico, pero el tono es de comedia absurda y disparatada. Sin embargo, las tramas de engaños y secretos, y los actores similares, las hacen películas hermanas.

No tan lejos está “Excursiones”, aunque en un formato más accesible y directamente emocional. Al filme del director de “Nadar solo” –en el que, caramba, actúa Llinás— lo une a aquellas películas los actores del teatro off y el uso musical del diálogo, pero su estructura es más clásica. O, por ponerlo de otra manera, más Truffaut que Godard. “Entrenamiento elemental para actores”, de Martín Rejtman y Federico León, es un telefilme que es pariente de aquellos títulos. Uno podría suponer que Piñeiro, Moguillansky y Acuña han escuchado las clases del profesor de teatro que la protagoniza (además de ver todo el cine de Rejtman) y trabajan sus filmes bajo esas directrices.

El caso de “Iraqi Short Films” es diferente: un documental con material encontrado que shockea y sorprende, en un estilo que recuerda a Harun Farocki. Y también, por lo arriesgada, se puede destacar “La risa”, de Iván Fund, que encuentra una forma visual adecuada para el tema de su película que, finalmente, más que una noche de borrachera es la amistad.

Además, Perrone entrega un trabajo muy sólido y uno no tanto (“Bonus Track” y “180 grados”) en el inicio de una nueva trilogía sobre adolescentes, sobra buen humor en “8 semanas” y Pablo Agüero supera algunos excesos de verborragia para crear una tierna pieza de cámara en “77 Doronship”. Entre las películas nacionales vistas (que no fueron todas), hay méritos repartidos en “La madre”, de Gustavo Fontán, “Cocina”, de Gonzalo Castro; “Plan B”, de Marco Berger y “Tekton”, de Mariano Donoso. Todas películas con debilidades, pero que dejan claro que los directores más independiente siguen siendo el motor creativo del cine nacional. Y que no es buena idea ponerle piedras en el camino a los que recién empiezan.

Lhasa - Lhasa (2009)

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Industry abuzz about possible Cannes lineup (The Hollywood Reporter)

By Steven Zeitchik

As spring dawns, so does one of the film world's biggest questions, namely -- what's in the Cannes?

The official announcement from Thierry Fremaux and his team regarding what's in store for the annual cinephile and industry gathering won't take place for another three weeks. But filmmakers, execs and sales agents are already buzzing about what will unspool at the festival.

The consensus: a slate that mixes auteur fare and star-driven pics, though one that's a little light on high-profile American titles. The most prominent pic, at least from a star-power standpoint, won't even have its star there, as Terry Gilliam's "The Imaginarium of Doctor Parnassus," the last film from Heath Ledger, is expected to make its debut after a lengthy postproduction process.

In addition to Gilliam's first appearance on the Croisette in more than a decade, a "Parnassus" debut also would offer the prospect of several stars -- including Johnny Depp, Colin Farrell and Jude Law -- who all stepped in to play different parts of Ledger's role after the actor died last year. That glitzy cast could be used as a de facto tribute both to Gilliam, an auteur favorite, as well as to the late Ledger.

Aside from Pixar's "Up," the Pete Docter film that will open Cannes, the fest has yet to confirm fest entrants. Still, many films are seen as probable candidates. On the U.S. side, Francis Ford Coppola's "Tetro," which the director plans on self-distributing, is a strong bet to land at the fest. The pic, which stars Vincent Gallo and an international ensemble cast, tells the story of a rivalry in an Italian family (between artists, not mobsters). Todd Solondz's "Forgiveness," a follow-up to his sophomore effort "Happiness," could also end up on the Croisette, though questions remain about whether the director, who is in will finish it in time.

Quentin Tarantino's "Inglorious Basterds," the Brad Pitt pic that focuses on a rogue group of American soldiers fighting Nazis in World War II, has been pegged as a Cannes title for several months and is expected to be at the fest. And Ang Lee's period pic "Taking Woodstock" is seen as a strong candidate, assuming the director can wrap the pic in time for the May debut.

Studio fare that could nab an out-of-competition slot -- a la "Indiana Jones and the Kingdom of Crystal Skull" last year -- seem in short supply. "Terminator: Salvation," set to be released by Warner Bros. on May 21, is one of the few titles whose release dates are in sync with a Cannes debut and could at least yield a promotional event, if not a fully-fledged screening. High-profile directors from a host of international territories will be on the Riviera to unspool their efforts, and they're a heady mix.Alejandro Amenabar will likely premiere his big-budget "Agora," a historical drama starring Rachel Weisz, at the fest; the movie, which is seeking U.S. distribution, is considered one of the hottest potential acquisition targets.

Brit Ken Loach will likely debut "Looking for Eric," a dramedy about a soccer fan who is down on his luck but receives advice from a famous soccer player. Loach's countryman Philip Ridley and countrywoman Andrea Arnold also will probably have pics there; the former will debut the deal-with-a-devil drama "Heartless," toplined by Jim Sturgess, while Oscar winner Arnold could well unspool her family drama "Fish Tank."

Australian Jane Campion will probably be in the south of France for the first feature she has helmed in six years with "Bright Star," about the romance between poet John Keats and Fanny Brawne. While the Australian Film Council-financed picture is ostensibly without an output deal, distribution vet Bob Berney apparently has a gentleman's agreement to buy the picture and make it a cornerstone of his new company if he launches it in time. And a couple of Cannes heavyweights are expected to be back: Pedro Almodovar could unveil his Sony pictures Classics release "Broken Embraces," while Lars von Trier could debut his genre-tinged "Antichrist," starring Charlotte Gainsbourg.

A big question on the international side, however, remains Alejandro Gonzalez Inarritu's "Biutiful," the next pic to come out of the Mexican filmmakers' Cha Cha Cha deal, which tells of a relationship between a policeman and his criminal friend but which may or may not be ready in time. Producer Alan Moloney will likely bring the Colin Farrell-Paz Vega journalist thriller "Triage" to the Croisette. That would allow the actor to go for the Cannes hat trick -- in addition to "Parnassus," he's also in "Ondine," the Neil Jordan fisherman drama that CAA packaged and which could well end up at the fest.

Elsewhere in Europe, Michael Haneke, the Austrian auteur behind "Cache" and "Funny Games," will likely return to Cannes for the first time since "Cache" debuted there four years ago. He'll be unspooling "Das Weisse Band," about the events in a rural German school at the dawn of World War I. Turkish-German auteur Fatih Akin is expected to be there with "Soul Kitchen," a comedy that reunites the director with his "Head-On" star Birol Unel.

Among the French filmmakers, auteur Jaco van Dormael will presumably unspool his interlocking, time-jumping story "Mr. Nobody," which stars Jared Leto, while "Amelie" director Jean-Pierre Jeunet will probably debut his weapons comedy "Micmacs a tire-larigot." And "Triplets of Belleville" helmer Silvain Chomet could be at the fest with his animated rocker tale "The Illusionist."Several titles with French themes will likely, because of their release dates, not end up at the festival. "Coco Avant Chanel," the biopic of the perfume impresario starring Audrey Tautou and being released by SPC, will open before the fest, making it ineligible.

Asian filmmakers will be well represented. Bong Joon Ho, the auteur behind Korean monster pic "The Host," will unveil "Mother," about a woman who searches for a murderer who framed her son. Genre specialist Johnnie To will probably bring his latest, the Hong Kong revenge pic "Vengeance," though the movie is in French. And Chinese helmer Lu Chuan may debut his "City of Life and Death," his Nanking massacre pic, which has been generating strong international buzz.

Cannes has increasingly become a race to the wire, and several candidates may find themselves falling short. The Coen brothers' coming-of-age tale "A Serious Man" and Steven Soderbergh's "The Informant," an agri-business thriller, have been floated as hopefuls but very well may not finish in time.

Scott Roxborough in Cologne, Germany, Jonathan Landreth in Beijing and Rebecca Leffler in Paris contributed to this report.

Quentin Tarantino, a Cannes

Quentin Tarantino's WWII epic "Inglourious Basterds" is headed to the French Riviera.

The Brad Pitt starrer, set in Nazi-occupied France, has been invited to play in competition at the Cannes Film Festival. Insiders said Tarantino, a longtime favorite of the French, has accepted the offer and has told the film's backers -- the Weinstein Co. and Universal Pictures -- that the pic will be ready for its world premiere during the May fest.

The movie, which follows a band of Jewish-American soldiers whose mission is to take down a group of Nazis, will bow Aug. 21.

Both the Weinstein Co. and U declined comment. Cannes organizers, who will announce the fest's lineup April 23, could not immediately be reached.

Tarantino is no stranger to the Palais. The helmer became one of Hollywood's most in-demand directors after his "Pulp Fiction" won Cannes' Palme d'Or in 1994.

A decade later, Tarantino returned to serve as president of the festival jury. Tarantino's "Kill Bill" was not in competition that year, but it did unspool on the fest's final night in its original 3-hour-plus version. In addition, "Death Proof" played in competition in 2007, and Tarantino's debut film, "Reservoir Dogs," unspooled out of competition in 1992.

This year's fest runs May 13-24.

Casiotone for the Painfully Alone - Vs. Children (2009)

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Upon receiving Advance Base Batterly Life, I was initially under the impression that it was the new NEW record by Casiotone For The Painfully Alone. But I was only part right. It was a collection of covers and outtakes from various parties and get-togethers Owen Ashworth partook in over the past… oh who knows. Vs. Children, on the other hand, is a proper album, packed full with new material and themed along the lines of the title.

The themes: remorseful bad guys and little young-ins. As we grow older, the thoughts of children enter the minds of many of us; I cannot tell you how many friends from high school already have two (sometimes even three) kids or the metaphoric bun in the oven, or who want one. Then there’s the other crowd - those who haven’t even gone down that path and, frankly, aren’t quite sure what to think of the little ones.

Now, Vs. Children and CFTPA are far from being child-safe. The Casio keyboards and lovely little musical ditties of Ashworth may turn a few toddler heads, but his voice is much too depressing for the young. They’ll grow up to be the remorseful criminal aforementioned.

“Optimist” (short for “Optimist Vs. The Silent Alarm (When The Saints Go Marching In)”) is the obvious high point on Vs. Children, thanks to its recognizable melody and catchy lyrical styling. But, in all actuality, most the album follows suit, from the higher-pitched (gasp!) “Traveling Salesman’s Young Wife Home Alone On Christmas In Montpelier, VT” to the most excellent drum box beats of closer “White Jetta”.

The two themes often intertwine, from child outlaws to child abductions to grownup thieves reminiscing on the carefree innocent youth they left behind many years ago. It’s ripe material for an artist like Ashworth and his CFTPA, and it’s fodder for a great release at that. When the harmony vocals enter in “Man O’ War”, one cannot help but feel something given the past eight or so years. And the recounting of various seemingly factual historic crimes, full with dates and locations, is enough for any fan of The Decemberists to take notice.

As a whole, Vs. Children is a more than solid release. It’s packed with lovable melodies, intriguing lyrical story lines, and a fair share of thought-provoking emotion. It is an album that has more depth than you would think upon the first few listens, thus requiring one to dwell on various songs, do countless Google searches, and contemplate whether some of these stories actually took place or if they’re all the concoction of a mad genius in disguise as a depressing indie pop musician.
fensepost

Diario de BAFICI (Parte 5)

LA RISA, de Iván Fund. "Si la experiencia de compartir una madrugada con cuatro amigos pasados de alcohol le resulta apetecible, "La risa" es su película. De hecho, tomando en cuenta lo que propone, "La risa" es irreprochable, y se puede comparar a ponerse en el lugar de un quinto amigo, uno más sobrio que ellos, en ese despertar del día y deambular, mayormente en un auto, por un pueblo chico de provincia. Fund retrata con planos cerrados, asfixiantes, capturando a la perfección los detalles de esa noche que se va volviendo día. Y de a poco uno termina ahí, metido en esa anodina pero a la vez humana y reconocible situación. Gente riendo, ruta, bebidas, chistes malos, rostros, silencios. Y así, como en loop, hasta que el día vuelva a empezar."

BONUS TRACK, de Raúl Perrone. "Una nueva trilogía sobre adolescentes, anuncia Perrone, y este primer "episodio" es bastante promisorio y sirve como actualización de los temas de la anterior trilogía del cineasta de Ituzaingó. Un grupo de amigos skaters conversan, practican, se tatúan, atraviesan situaciones con chicas y terminan en un viejo cine, abandonado, donde cada uno arma su propio "recorrido". Perrone filma las conversaciones de los chicos con absoluta naturalidad y un par de escenas sobre los skates tienen un lirismo similar, en un punto, a lo buscado por Gus Van Sant en "Paranoid Park". Pero Perrone no traiciona su mundo ni sus obsesiones: lo que quiere es retratar un momento de la adolescencia, un devenir, una transición. Y lo logra, una vez más."

CASTRO, de Alejo Moguillansky (FOTO). "La primera media hora de esta extravagante comedia de Moguillansky es tan brillante --creativa, original, disparatada-- que el hecho de que el resto del filme no logre estar a su altura (al menos no con tal consistencia) no debería opacar los méritos de ésta, su segunda película. Castro es un hombre que viene con su amante a Buenos Aires y busca trabajo. No lo sabe, pero hay una serie de personajes que lo persiguen sin motivo aparente. La trama no alcanza a describir nada: el filme se arma como una serie de situaciones que combinan cierto humor absurdo (Beckett es una declarada inspiración) con un estilo que recuerda el más libre cine francés de los 60 (Rivette, Godard). Creativa, dispar, pero muy original."

UNE SALE HISTOIRE, de Jean Eustache. En el tiempo que me dejan las competencias y los compromisos he decidido dejar de apostar a títulos porqué sí (porque me da la hora, porque me parece que pueden estar bien, etc.) y me he vuelto algo conservador. Digo, si se puede llamar un acto de conservadurismo seguir la Retrospectiva Eustache. Hasta ahora nada me decepcionó. Y "Une sale histoire" --uno de los últimos trabajos que hizo-- es un muy inteligente ejercicio de contar dos veces la misma historia. Primero, con un actor (Michel Londsdale) y luego, por el propio protagonista de esa historia. ¿Ficción y documental? Más o menos. Mucho antes que los iraníes empezaran a cruzar los géneros, Eustache probaba, apostaba, creaba. Ah, y la historia no tiene desperdicio. Trata sobre un hombre que espía a mujeres por el agujerito del baño, un agujerito que sólo le permite ver una cosa... (Acompañada por EA2, Ejercicio de Admiración 2, en la que Vincent Dieutre da rienda a su admiración --y a su ego-- homenajeando una escena de "La madre y la puta").

Shake-Up Rattles Film Society (The New York Times)

By LARRY ROHTER

At the Film Society of Lincoln Center, an institution that has long seemed comfortably set in its ways, things are very much in flux these days. A new theater and office complex, to open in 2011, is under construction, and six months ago a new executive director was brought in both to shepherd that project to conclusion and to revamp the society’s policies and image.

But with the arrival of Mara Manus, who was hired as executive director after six years at the Public Theater, where she earned a reputation as a demanding administrator and nimble fund-raiser, has come controversy. One-quarter of the society’s staff has been dismissed or has resigned, prompting concerns about the group’s direction. And the Film Society’s 3,600 members are waiting to hear what perks they may lose as part of Ms. Manus’s drive to run what has traditionally been a low-key and easygoing operation “more like a business,” as she puts it.

At the same time, the market for foreign and independent cinema, which the Film Society, founded in 1969, once had largely to itself, has grown more crowded and varied in recent years. The Tribeca Film Festival, the Brooklyn Academy of Music, the IFC Center, Film Forum and a revitalized cinema program at the Museum of Modern Art are all competing with Lincoln Center for the attention and dollars of cinephiles, who now have almost instant access to even once-obscure films through services like Netflix.

“I thought this organization wasn’t realizing its potential,” Ms. Manus said during a recent interview in her office, just across West 65th Street from the construction site. “There is definitely a bigger audience” to be attracted, she said, but to achieve that, “you really need a marketing strategy and to put into place systems and structures and technology to drive our base.”

The catalyst for these changes is clearly the Film Society’s expansion budgeted at more than $40 million. Two new underground theaters, with 90 and 150 seats, as well as offices, lecture rooms and a restaurant-cafe are being built on the Lincoln Center campus. In a separate but related project, both Alice Tully Hall and the Walter Reade Theater have been renovated to make their acoustics more congenial to film screenings.

Ann Tenenbaum, chairwoman of the film society’s board, said: “We were about to grow by leaps and bounds with this new film center, and that meant we had to address financial, programming and staffing issues. Many people in New York City who love movies have never heard of us, so we knew we had some challenges ahead of us.”

Thus far, the Film Society has raised $31 million for the expansion. No big new contributions directed to the project have been announced since Ms. Manus arrived in September, just as the financial crisis exploded.

“I am confident the Film Society will be able to complete this project,” Reynold Levy, president of Lincoln Center, said. “Will it take a little longer than otherwise? Probably. We’re not immune from general conditions.”

For 40 years the organization has offered adventurous cinema from all over the globe. It has introduced some works by foreign directors like Rainer Werner Fassbinder and Pedro Almodóvar to American audiences and has also championed American independent filmmakers like Jim Jarmusch long before they became fashionable.

Ms. Manus, 50, a former Hollywood studio executive who worked for the producers Roger Corman and Ray Stark early in her career, emphasized that she was satisfied with the society’s programming, which has sometimes been the object of jokes because of its supposedly academic tone and fondness for geographically based retrospectives. (For those looking for a survey of Slovenian film, Lincoln Center is the place.) But she and Ms. Tenenbaum both indicated that nearly every other aspect of the society’s operations is being reassessed.

Not long after Ms. Manus arrived, Film Society supporters whose memberships were expiring suddenly found they were unable to renew. That was a result of a process examining the overall strategy on member benefits, but it generated fears that those privileges would be cut back and complaints about lack of transparency. “Change is really hard for everyone, and the thing about change is that you don’t do everything right,” Ms. Manus said. “Communications is one of the areas where we could be doing better.”

Even before Ms. Manus arrived, the society had begun tinkering with the benefits that accompany membership, eliminating, for instance, the privilege of free attendance at its annual gala, which will honor Tom Hanks on April 27. But Ms. Manus said she also intended to make changes in the way tickets are allotted for the New York Film Festival, the main attraction for many society members.

Traditionally, a film society membership, which ranges from a $75 minimum to $1,000-and-up patron status, guarantees the right to buy tickets for the festival. The review process is not complete, but Ms. Manus said low-end donors were likely to lose that assurance.

“We’re moving to change that structure, just to allow more people to have access to the New York Film Festival,” she said. “People who have been giving $75 have been taking up a chunk of the tickets when in fact this is the biggest thing we do and we want it to be available to more people.”

As part of what she described as an effort to reduce costs and make the organization more efficient, Ms. Manus has also dismissed seven of the society’s 42 employees, in some cases bringing in former associates from the Public Theater to replace them. In interviews, several of those fired complained that Ms. Manus’s management style was brusque, aloof and noncollaborative. The employees spoke on condition of anonymity because they were still negotiating separation agreements, which prohibit them from criticizing the film society publicly.

“For some people, my style is not their thing,” Ms. Manus said. “All my decisions were based on serving the needs of the organization,” she continued, and “were necessary decisions to make in order for us to continue to exist.”

Joanne Koch, one of Ms. Manus’s predecessors, expressed reservations about the changes. “I don’t presume the film society will fail because seven people hired on my watch were fired,” she said, adding, “Their loss will result in a significant diminution of the organization’s creative output and efficiency.”

In addition, four employees have resigned. The departure of Kent Jones, an associate director of programming and contributing editor to the society’s film magazine who is especially esteemed by independent filmmakers and critics, has generated regret and alarm on film blogs, which have expressed fears that Ms. Manus’s Hollywood background will lead her to push the society toward more of a multiplex taste.

“I thought it was time for a change, and I made it,” Mr. Jones, a director and writer who is working with his friend Martin Scorsese on a documentary about the director Elia Kazan, said in a telephone interview. When asked to elaborate, he said, “I don’t think I really want to go there.”

But Richard Peña, the society’s director of programming and chairman of the selection committee for the New York Film Festival, continues in place. Ms. Manus called him “essential” and said she was “here to be his partner. ” He in turn expressed “excitement and enthusiasm” for the new strategies she is devising to expand the society’s audience.

“We have this enormous project, and we’re at a real crossroads, so it can give pause,” he said.

But he added, “I’m working for an organization that is totally committed to this new project and to a vision of cinema that I fully share, and we’re going to do everything in our power to implement that vision.”

Arthur Russell - The Sleeping Bag Sessions (2009)

Link

trackist:
1. 5 Minutes Bombing Mix (Bonzo Goes To Washington)
2. Tiger Stripes (Felix )
3. You Cant Hold Me Down (Felix)
4. Radio Rhythm (Clandestine featuring Ned Sublette)
5. Chill Pill (Sounds Of JHS 126 Brooklyn)
6. School Bell/Tree House (Indian Ocean)
7. Treehouse (Indian Ocean)
8. Go Bang! (Dinosaur L)
9. 5 Minutes Radio MiX (Bonzo Goes To Washington)
10. Radio Rhythm Dub Mix (Killer Whale)

With the magnitude of Arthur Russell’s legacy quite firmly prominent in the minds of most music lovers today each new reissue of rare or hard-to-find material is rightfully greeted with feverish glee. To give you a bit of background on this one, Sleeping Bag was Arthur Russell’s record label, set up in 1981 with Will Socolov and including Kurtis Mantronik amongst the labels A&R, with a roster that included Russell working under a plethora of pseudonyms alongside Mantronix, Cash Money & Marvelous, EPMD and Just-Ice among other seminal NYC acts during the mid-late 80’s exploring the nascent genres of hiphop, disco and proto house, or basically put, dance music. This compilation looks at the work of Russell at the helm of the studio behind Sleeping bag, in various roles credited as Editor, Writer, Mixer, Remixer and Producer behind some of the labels finest moments and influencing decades of dance music to come. The set’s opening track ‘5 Minutes’ by Bonzo Washington is included in two forms remixed by Russell, with stuttering tape edits spliced together by the genius to create an freaking wild Art Of Noise style sample collage with a mean electroboogie groove, while Felix’s ‘Tiger Stripes’ crediting Russell as writer under his Killer Whale alias with Nicky Siano on production is simply a stone cold dancefloor classic that really needs no introduction. The 1984 joint ‘Radio Rhythm’ by Clandestine feat. Ned Sublette sounds like an ancient Primus track but in it’s remixed form by Russell takes on a proto technofunk vibe with driving synthlines and almost psychedelic multitrack layering, or check his mix for Sounds Of JHS 126 Brooklyn splaying the vocals into dynamic panning for a totally next level effect. The two versions of Indian Ocean’s ‘School Bell/Tree House’ are unbelievably sublime, and easily amongst his best work, while the 12 minute, heavily reverb treated Walter Gibbons mix of Dinosaur L’s seminal ‘Go Bang!’ is worth the price of admission alone. We could rattle on about this record all day but in the interests of the economy and your patience we won’t, just trust us and Arthur Russell’s Sleeping bag Record co, that you seriously need this album if you have any interest in disco, house, hiphop or amazing 20th Century music. Hugely Recommended!
boomkat